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Home Sick Pilots – Dan Watters, Caspar Wijngaard – la chronique BD

Florian Moine — 2026-11-02T19:39:48Z

Critique : Album dense d'un peu plus de 400 pages, Home Sick Pilots débute comme un récit classique d'horreur : des adolescents à problèmes, une maison hantée, et une situation qui dégénère. Rapidement toutefois, le récit se densifie. Traumatisée par la perte de sa mère, Ami a fait corps avec le manoir hanté du vieux James ; sa volonté permet à la maison de se déplacer. Elle aide le propriétaire du manoir à retrouver des objets et les fantômes qui ont été, à un moment de son histoire, associé à ce lieux hanté. Le récit met en scène ces fantômes du passé, qui véhiculent des traumatismes non-digérés. Ces traumas sont à mettre en parallèle avec ceux vécus par ces adolescents marginalisés.


© Dan Watters, Caspar Wijngaard / Urban

Mais le récit va plus loin : au-delà de la quête des fantômes de la maison, Dan Watters imagine une organisation gouvernementale qui cherche à transformer le pouvoir des fantômes en armes. À cet égard, le manoir du vieux James les intéresse particulièrement, ainsi que les Home Sick Pilots… Dès lors, l'intrigue prend une autre tournure, avec des passages qui s'inspirent des combats de mechas tels qu'on les retrouve dans l'animation japonaise.


© Dan Watters, Caspar Wijngaard / Urban

Si Home Sick Pilots mobilise différents registre : l'horreur, bien sûr, mais aussi la tranche de vie quand il s'agit de brosser la trajectoire des adolescents du récits, ainsi que la science-fiction japonaise. Il en ressort un récit tourbillonnant, franchement vivant, qui, sil peut déboussoler le lecteur a le mérite de faire une proposition narrative ambitieuse. D'autant que Caspar Wijngaard apporte une variété graphique dans ses planches : plans larges sur la maison ou sur les « méchas », scènes gores, séquences plus douces centrées sur les ados. La palette chromatique de l'album est également assez tranchées, avec une place importante accordée aux teintes rosées et violacées qui accompagnent le bleu.

Difficile à classer dans une catégorie, Home Sick Pilots est un récit ample qui revisite un classique de l'horreur, pour partir ensuite dans différentes directions.

408 pages – 36,50 €

Tout ce qui meurt et agonise – Tate Brombal, Jacob Phillips – la chronique BD

Florian Moine — 2026-10-20T10:36:14Z

Critique : Difficile d'innover lorsque l'on écrit une histoire de zombies : les codes du genre sont solidement ancrés dans l'esprit des lecteurs, et certains récits canoniques comme Walking Dead semblent avoir fait le tour de la question. Et pourtant, le duo formé par Tate Brombal (scénario) et Jacob Phillips (dessin) parvient à nous surprendre en mobilisant une idée faussement simple : et si un homme maintenait son quotidien au milieu des zombies ? Jack n'a rien d'un fou : il a vu son monde dévasté, et ses proches être zombifiés, à commencer par sa fille. Mais Jack ne s'est jamais résolu à les abandonner, et encore moins à tuer sa famille. D'où ce choix extraordinairement étrange de poursuivre son quotidien, et d'alimenter sa communauté transformée en une horde de zombies que Jack a apprivoisé.


© Tate Brombal, Jacob Phillips / Urban

Un point intéressant du scénario : les zombies semblent revivre à l'infini la dernière journée avant l'apocalypse, donnant au quotidien de Jack un caractère aussi prévisible – comme s'il s'agissait d'une boucle temporelle – que cauchemardesque. Le tragique du récit réside dans l'amour que Jack porte à ses proches, au-delà de la mort, et cette incapacité à les laisser partir. Cet aspect déchirant est renforcé par des flash-back centrés sur la place de Jack au sein de la communauté villageoise. Cette dernière a en effet rejeté Jack pour son homosexualité. Ironie de l'histoire, c'est Jack qui s'occupe de cette communauté zombifiée…

Cet quotidien étrange et morbide patiemment instauré par Jack vole en éclat lorsque les chasseurs de zombies entrent dans le bourg. Le récit bascule dès lors dans une seconde et sanglante tragédie, qui naît de l'incapacité de deux mondes à se comprendre. On en vient dès lors à souhaiter que Jack « sauve » sa petite fille zombifiée…


© Tate Brombal, Jacob Phillips / Urban

Sur le plan graphique, les planches de Jacob Phillips épousent les codes du comics avec un trait semi-réaliste et un découpage varié et dynamique. Difficile de ne pas penser à Walking Dead, même si Tout ce qui meurt et agonise fait le choix de la couleur. L'album oscille entre des planches très colorées – à l'image de la couverture particulièrement saisissante – et des planches beaucoup plus sombres, qui mettent en scène la lutte de Jack contre les chasseurs de zombies. Les dessins parviennent à nous faire entrer en empathie avec les différents protagonistes – y compris avec les zombies… – ce qui constitue l'une des belles réussites de cet album qui questionne habilement la fin de vie et notre rapport à la mort.

Original dans son approche d'un genre codifié, Tout ce qui meurt et agonise saura séduire bien au-delà des amateurs d'histoires de zombies.

176 pages – 21,50 €

Pluie Alcide - Alcide Dessine - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-10-06T07:43:02Z

Critique : Avec un troisième tome toujours aussi loufoque et décalé, Alcide dessine continue de séduire ceux qui connaissent son travail, en particulier les aficionados de la première heure en ligne. Pour ceux qui découvrent, ou bien qui souhaitent jeter un œil à cet auteur, bienvenue dans un monde simple : en une case, une poignée de personnages (parfois connus et reconnaissables), une couleur éclatante, une ou deux bulles de dialogue et surtout un sous-texte provocateur, Alcide met en lumière les travers de notre société, les petits et gros défauts humains, tourne en dérision l'actualité ou se contente de balancer un trait d'esprit absurde et sans justification, histoire d'en rire. Pas de prise de tête, quelques piques politiques, pas mal de célébrités égratignées, mais surtout une ambiance d'ironie piquante facile à lire et à saisir.

Cette facilité, cette aisance, cette simplicité sont le fruit d'un choix original : avec une seule case, Alcide dessine s'enlève la réponse, la répétition et la chute comme ressorts comiques. Avec son rendu quasi réaliste, presque roman photo désuet, le dessin joue également sur une impression d'instantané, que seules les couleurs, souvent contrastées et vives, viennent déjouer, malmener sans être surréalistes non plus. Avec son trait qui joue sur cette tension entre humour et réalisme, il faut suivre la bulle avant de poser son regard sur cette phrase unique, tendue comme une arbalète pour transpercer le dessin, qui souvent n'en avait pas besoin pour être déjà acéré.

Facile d'accès pour les nouveaux lecteurs, dans la lignée pour les connaisseurs, Pluie Alcide continue de faire tomber des petites planches pleins d'efficacité et d'absurdité.

176 pages – 18 €

American Caper. La grande arnaque américaine T.1. – Dan Houser, Lazlow, David Lapham, Chris Anderson – la chronique BD

Florian Moine — 2026-09-23T16:05:00Z

Critique : L'Amérique trumpiste, avec sa post-vérité, ses théories conspirationnistes et ses accents dystopiques, constitue aussi bien une source de crainte que d'inspiration. Dan Houser tire de cette actualité une satire féroce et violente, qui se tient dans le Wyoming, un État conservateur du Midwest où l'amour des traditions et du capitalisme n'a d'égal que la corruption et l'intolérance envers son prochain. L'Amérique contemporaine est un pays violent et, en poussant le curseur, Dan Houser et Lazlow comptent bien le montrer pour en rire jaune.


© Dan Houser, Lazlow, David Lapham, Chris Anderson / Urban pour l'édition française

Le récit se fonde sur le parti-pris que toute nuance politique a disparue, et que libéraux et conservateurs se haïssent. Cette violence s'insinue même dans la famille : chez les Hamilton, William est un type sans envergure, qui n'a pas la posture d'un véritable conservateur, et c'est que lui reproche son épouse. Cette dernière incarne cette Amérique complotiste qui a perdu contact avec le réel, et vit sa haine essentiellement en ligne… ce qui n'empêche pas d'avoir des effets sur le monde réel. Pour elle, les démocrates violent des enfants, les aliens ont infiltré Washington et l'État profond complote contre l'Amérique, dont il faut restaurer les valeurs. Le garage s'est donc transformé en armurerie pour faire face à la guerre civile qui ne manquera pas d'arriver…


© Dan Houser, Lazlow, David Lapham, Chris Anderson / Urban pour l'édition française

La narration d'American Caper se construit sur les deux figures-miroirs de William et d'Orson. Ce dernier, derrière son sourire charmeur et son assurance de façade (il ne cesse de répéter qu'il est béni), est en fait un criminel aux ordres d'un homme plus puissant et plus malin que lui. Le monde des deux familles vacille lorsqu'un utilitaire fonce dans l'enclos qui sépare les maisons : du fourgon sort trois criminels et… des migrants illégaux, ce qui déclenche une enquête de police. Au-delà de ce duo peu recommandable, tous les personnages sont détestables, et le scénario manie l'humour noir avec une certaine adresse.

Cynisme, corruption, fusillades, meurtres : American Caper ne lésine pas sur la violence, qui possède ici une dimension cathartique. Car tout est exagéré, y compris dans le dessin : un coup de pelle fait sauter une cervelle, un coup de fusil fait sortir les viscères, les muscles sont protubérants, les publicités représentées dans les planches ou entre les chapitres sont caricaturales… Mais rien n'est pourtant dénué de sens. Il serait faux de dire que l'album ne caricature que le camp conservateur. Les progressistes prennent également quelques « balles perdues », notamment lors d'une séquence qui se déroule à Brooklyn.

American Caper représente avec une certaine astuce une Amérique sans boussole morale, une société où tout est permis car plus personne ne se parle. Si le récit constitue évidemment une caricature, avec sa violence débridée et son humour noir, il dit quelque chose des angoisses outre-Atlantique. En attendant, cette lecture fait l'effet d'une injection d'adrénaline !

136 pages – 14,50 € (prix de lancement

Batman Silence 2 – Jeph Loeb, Jim Lee – la chronique BD

Florian Moine — 2026-09-23T15:59:40Z

Critique : Paru entre 2002 et 2003, Silence a connu un important succès commercial et critique ; l'album est aujourd'hui régulièrement conseillé aux néophytes pour entrer dans l'univers de Batman, car il présente les différents personnages de l'univers – Catwoman, avec qui Batman entretient une liaison, les Robin, Batgirl... – ainsi que plusieurs adversaires emblématiques. Le récit avait été plus tard été prolongé par Paul Dini dans Le cœur de Silence. Mais le duo Jeph Loeb (dessin) et Jim Lee (scénario) n'avait pas imaginé de suite. C'est désormais chose faite, avec ce récit qui reprend les codes classiques de Batman pour nous offrir un affrontement au sommet.


© Jeph Loeb, Jim Lee / Urban pour l'édition française

Silence mobilise sa connaissance intime de Batman/Bruce Wayne pour frapper au cœur la Bat-Family. Il retourne cette fois Jason Todd, ancien Robin, contre Batman, ce qui donne lieu à un affrontement musclé. Il force également Batman à… sauver le Joker, un geste mal compris par ses alliés. De fait, Batman s'isole dans ses convictions et apparaît à certains égards bien antipathique. Le Chevalier noir ne transige cependant pas avec son code moral, mis en évidence à travers des flash-back bien sentis qui mettent également en scène Jim Gordon.


© Jeph Loeb, Jim Lee / Urban pour l'édition française

Le dessin de Jeph Loeb n'a rien perdu de sa superbe. Le dessinateur met à profit son dessin réaliste et son sens de la mise en scène pour offrir des combats riches en testostérones, mais qui dévoilent les failles de Batman. Le Chevalier noir n'est en effet pas épargné dans ce volume riche en actions et en personnages, puisque le récit introduit l'ensemble de la Bat-Family. Le récit est mené tambour battant jusqu'à la conclusion qui nous signal qu'il y aura bien une suite, car Silence est loin d'être vaincu…

Classique de l'univers du Chevalier noir, Silence méritait bien une suite. Sans atteindre les sommets de l'histoire conçue au début des années 2000, Silence 2 est un récit fort plaisant conçu par deux grands noms du comics contemporain. Un album à acquérir les yeux fermés pour les amateurs de Batman… après avoir lu le premier opus.

176 pages – 20,50 €

Bat-Man. Second knight – Dan Jurgens, Mike Perkins – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-25T16:24:23Z

Critique : Après le remarqué Bat-Man. First knight, le duo formé par Dan Jurgens et Mike Perkins revient aux affaires avec ce deuxième titre qui met en scène un adversaire bien célèbre de cet univers : l'Épouvantail. Comme le premier volume, marqué par la Grand Dépression, le récit s'ancre dans son époque. C'est donc sur fond de Deuxième Guerre mondiale – conflit dans lequel les États-Unis ne sont pas encore engagés – que se déploie cette enquête. La peur constitue le ressort principal du récit. C'est ce sentiment qu'exploite l'Épouvantail, personnage qui a été imaginé par Bob Kane et Bill Finger en 1941. Celui-ci rêve d'attirer l'attention de l'Allemagne pour déployer sa macabre invention. Mais le scénario joue aussi sur le succès du cinéma à cette époque, incarné par la figure de Julie Madison, autre personnage imaginé par les créateurs de Batman. Celle-ci noue une relation sentimentale avec Bruce Wayne.


© Dan Jurgens, Mike Perkins / Urban pour l'édition française

Le récit conçu par Dan Jurgens joue ainsi sur un « retour aux origines » en réemployant les personnages créés par les créateurs de Batman, et en ancrant ses aventures dans le contexte socio-politique particulièrement anxiogène de cette époque. Ce deuxième volume ajoute un élément supplémentaire, en faisant intervenir Loïs Lane et Superman. Le récit joue très bien sur le contraste entre l'infaillibilité supposée de Superman, dont la droiture morale n'est jamais questionnée, et la noirceur du misanthrope Batman. Le Chevalier noir apparaît encore très faillible dans cette histoire, ce qui le rend très humain. C'est un héros encore en apprentissage que nous présente Bat-Man. Second knight.


© Dan Jurgens, Mike Perkins / Urban pour l'édition française

Le dessin réaliste de Mike Perkins renforce l'ancrage du récit dans une époque révolue, avec une ambiance film noir. Le dessinateur confère également une réelle expressivité à ses personnages. L'ensemble bénéficie de la mise en couleur soignée de Mike Spicer, qui utilise tout sa palette de couleurs sombres.

Hommage aux origines du personnage, cette interprétation de Batman séduira aussi bien les amoureux du héros qu'aux amateurs de polars noirs. Une réussite à mettre au crédit de la prestigieuse collection « Black Label » de DC.

160 pages – 18,50 €

It's so magic – Lynda Barry – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-22T09:26:49Z

Critique : Lynda Barry est une figure du comic strip aux États-Unis. Elle n'a pas son pareil pour décrire les sentiments de la jeunesse face à la réalité du monde. Ses strips sont réalisés à hauteur d'enfant. L'autrice utilise ainsi une écriture oralisé, comme un enfant qui écrirait dans son journal intime, et recourt même à une simplification du dessin lorsque ses strips représentent l'extrait d'une création de Marlys issue de son journal et d'un jeu mené avec sa sœur ou Freddy.


© Lynda Barry / çà et là pour l'édition française

Ce troisième recueil démontre la remarquable inventivité de Lynda Barry, qui parvient avec une grande économie de moyens – 4 cases, beaucoup de textes, un dessin minimaliste –, à renouveler sa narration et les sujets abordés. It's so magic met en évidence l'homophobie de la société américaine, la crainte de la guerre du Vietnam (le récit se déroule dans les années 1970), les violences sexuelles et le déracinement. Le lecteur se trouvera révolté par le sort qui est réservé aux infortunées héroïnes. Il ne manquera pas non plus d'être étonné par la résilience dont les enfants sont capables face à l'adversité. Chez Lynda Barry, le monde des adultes qui est dysfonctionnel et affecte les enfants. L'autrice ne fait cependant pas preuve d'angélisme sur les relations entres jeunes. Le sort réservé à Cindy témoigne que ceux-ci font également preuve d'une grande cruauté. Mais à aucun moment, les adultes ne leur sont d'aucun secours.

Ce travail de réédition des strips de Lynda Barry a été salué par la critique : le premier recueil, Come over Come over a ainsi reçu l'Eisner Award de la bande dessinée patrimoine en 2023, avant d'obtenir le Fauve Patrimoine au festival d'Angoulême en 2025. Ces distinctions sont logiques : Lynda Barry a construit un chef d'œuvre. It's so magic présente les mêmes qualités que les deux précédents recueils.

128 pages – 18 €
Lire la critique de Come over Come over
Lire la critique de My perfect life

C'est où le plus loin d'ici ? T.3. – Tyler Boss, Matthew Rosenberg – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-21T15:14:06Z

Critique :Ce troisième tome conclut ce qui constitue le premier cycle de cette saga originale, qui met en scène des bandes d'enfants et adolescents isolés du reste du monde, après ce que l'on devine être une apocalypse. Ils sont nourris par les « étrangers », étranges créatures sans visages. Lorsqu'ils deviennent adultes, ceux-ci sont chassés de leur communauté et partent vers « la Ville » dont on ignore si elle existe vraiment.

Ce troisième tome apporte des réponses concrètes à certaines questions posées depuis le début de la saga. « La Ville » existe bien, comme Sid le découvre. L'héroïne découvre un monde qu'elle ne soupçonnait pas, et comprend – en partie à ses dépends – le lien qui unit son monde à « la Ville ». Nous laissons aux lecteurs le soin de découvrir ce lien. La narration demeure toujours aussi rythmée, avec des chapitres courts, mais également des allers-retours dans le temps (comme cela avait été le cas dans le deuxième volume) qui peuvent déstabiliser le lecteur dans un premier temps, avant que celui-ci ne raccroche les fils. Cette structure fait partie de l'expérience de lecture, qui fut très plaisante.

Tyler Boss et Matthew Rosenberg ont structuré un univers cohérent, qu'ils souhaitent visiblement développer. Ce troisième tome ouvre en effet de nouvelles perspectives. Il reste néanmoins possible de s'arrêter à cette trilogie sans être frustré.

192 pages – 22 €
Voir la critique des deux premiers tomes

Ghost Pepper T.1 - Ludo Lullabi - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-07-24T06:53:48Z

Critique : Avec un topo qui fait penser à un sequel de l'Attaque des Titans avec un duo à la limite du comique du vieux taciturne et de la jeune pétillante, sans oublier un robot satirique et un grand costaud simplet comme personnages secondaires, la formule semblait diriger Ghost Pepper vers un comic un peu ringard... Il n'en est rien. Ghost Pepper est drôle sans être lourd, le scénario n'est pas aussi simple qu'il n'y paraît, les personnages, et notamment ceux qui gravitent autour du duo de couverture, ont une profondeur insoupçonnée. Que ce soit le camp des "méchants", ou simplement des concurrents de cette vendeuse de plats pimentés, les subtilités sont inattendues et bien amenées, permettant à ce premier tome de se révéler plein de ressources et sans aucune longueur, allant plus loin que les simples scènes de bagarre supra-naturelles, que l'on attend évidemment mais qui ne sont pas la plus grande qualité de cette histoire.

Propre dans son esthétique, le soin apporté par Ludo Lullabi à ce comic rappelle à la fois le style de Vatine et celui de Mignola, deux géants qui auraient fusionné pour accoucher de ce Ghost Pepper, entre SF franco-belge et comic aux frontières de la fantasy américaine. Le rendu est d'autant plus intéressant qu'il fait la part belle à un duo de couleurs : le rouge sous toute ses nuances, même si le piment y est particulièrement mis en valeur, mais c'est surtout le gris qui brille. Argenté ou poussiéreux, métal impeccable ou peau malade, il est de toute les planches et c'est une prouesse de le mettre autant en avant, avec autant de pertinence.

Comic en forme de joli coup, Ghost Pepper joue sur des codes déjà entrevus, sans aller les casser, mais en les tordant juste ce qu'il faut pour être original et surtout très attrayant, de quoi espérer une excellente série.

160 pages – 17,95 €

Une petite dose de tremblement – Noah Bailey, Michael Conrad – la chronique BD

Florian Moine — 2026-06-16T15:16:45Z

Critique : La question de la porosité de la frontière entre le monde du rêve et la réalité tangible constitue un thème récurrent de la littérature. La bande dessinée n'est pas en reste : il suffit de se rappeler de Little Nemo in Slumberland, le chef-d'œuvre de Winsor McCay dans lequel le héros voyage dans un monde onirique durant son sommeil, pour s'en convaincre. Plus récemment, le film Inception de Christopher Nolan (2010) a brillamment mis en interrogé cette frontière dans un thriller haletant. C'est dans cette veine que s'inscrit Une petite dose de tremblement, qui possède néanmoins une réelle originalité.

Le récit écrit par Michael Conrad et mis en images par Noah Bailey pose d'abord la question de l'exploitation commerciale et politique des rêves. L'inconscient deviendrait dès lors un espace à exploiter comme un autre, brisant la dernière frontière de l'intimité. Une petite dose de tremblement met ainsi en scène un personnage capable d'entrer dans les rêves d'autrui. Pour quoi faire ? Telle est l'une des questions d'un récit qui n'en manque pas. En effet, l'intrigue gagne en complexité dans sa deuxième partie, de façon à déstabiliser le lecteur qui, comme Ginn, en vient à s'interroger sur ce qu'il voit. Ce qui faisait figure de réalité tangible s'efface ainsi au fil des pages. Si les amateurs de ce genre de récit ne seront pas totalement surpris, l'intrigue est construite avec suffisamment de finesse pour emporter son lecteur jusqu'à son épilogue, qui apporte une réponse ambigüe. L'album ne prend pas son lectorat par la main, et ce sera à chacun de se forger son interprétation.

Le dessin charbonneux de Noah Bailey nous transporte dans un univers angoissant, qui dérange et flirte parfois avec l'horreur. Certaines planches proposent un décor très travaillé, d'autres cases au contraire se content d'un fond blanc ou gris. Faut-il y voir une quelconque signification ? Scientifiques à lunette et blouse blanche, enfant dans un pyjama lapin, centre hospitalier fait de longs couloirs, rêves à la signification ambigüe : Noah Bailey reprend avec adresse les codes du récit horrifique pour créer l'atmosphère angoissante de l'album. Si l'essentiel du récit est en noir et blanc, certaines pages sont en couleur pour figurer des scènes clés que nous ne révèlerons pas ici. Dans l'ensemble, la maîtrise graphique du dessinateur impressionne.

En somme, Une petite dose de tremblement n'est pas un récit qui se lit d'une traite un soir de semaine et se referme sans qu'on n'y pense plus. C'est un conte à tiroir à la narration complexe, qui nous hante encore une fois le livre fermé, et que l'on relira volontiers pour saisir les clés de l'intrigue (si tant est qu'on les découvre). Un récit envoûtant qui bénéficie d'une fabrication particulièrement soignée de la part des Éditions 404 Graphic.

152 pages – 22,5 €