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Bat-Man. Second knight – Dan Jurgens, Mike Perkins – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-25T16:24:23Z

Critique : Après le remarqué Bat-Man. First knight, le duo formé par Dan Jurgens et Mike Perkins revient aux affaires avec ce deuxième titre qui met en scène un adversaire bien célèbre de cet univers : l'Épouvantail. Comme le premier volume, marqué par la Grand Dépression, le récit s'ancre dans son époque. C'est donc sur fond de Deuxième Guerre mondiale – conflit dans lequel les États-Unis ne sont pas encore engagés – que se déploie cette enquête. La peur constitue le ressort principal du récit. C'est ce sentiment qu'exploite l'Épouvantail, personnage qui a été imaginé par Bob Kane et Bill Finger en 1941. Celui-ci rêve d'attirer l'attention de l'Allemagne pour déployer sa macabre invention. Mais le scénario joue aussi sur le succès du cinéma à cette époque, incarné par la figure de Julie Madison, autre personnage imaginé par les créateurs de Batman. Celle-ci noue une relation sentimentale avec Bruce Wayne.


© Dan Jurgens, Mike Perkins / Urban pour l'édition française

Le récit conçu par Dan Jurgens joue ainsi sur un « retour aux origines » en réemployant les personnages créés par les créateurs de Batman, et en ancrant ses aventures dans le contexte socio-politique particulièrement anxiogène de cette époque. Ce deuxième volume ajoute un élément supplémentaire, en faisant intervenir Loïs Lane et Superman. Le récit joue très bien sur le contraste entre l'infaillibilité supposée de Superman, dont la droiture morale n'est jamais questionnée, et la noirceur du misanthrope Batman. Le Chevalier noir apparaît encore très faillible dans cette histoire, ce qui le rend très humain. C'est un héros encore en apprentissage que nous présente Bat-Man. Second knight.


© Dan Jurgens, Mike Perkins / Urban pour l'édition française

Le dessin réaliste de Mike Perkins renforce l'ancrage du récit dans une époque révolue, avec une ambiance film noir. Le dessinateur confère également une réelle expressivité à ses personnages. L'ensemble bénéficie de la mise en couleur soignée de Mike Spicer, qui utilise tout sa palette de couleurs sombres.

Hommage aux origines du personnage, cette interprétation de Batman séduira aussi bien les amoureux du héros qu'aux amateurs de polars noirs. Une réussite à mettre au crédit de la prestigieuse collection « Black Label » de DC.

160 pages – 18,50 €

It's so magic – Lynda Barry – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-22T09:26:49Z

Critique : Lynda Barry est une figure du comic strip aux États-Unis. Elle n'a pas son pareil pour décrire les sentiments de la jeunesse face à la réalité du monde. Ses strips sont réalisés à hauteur d'enfant. L'autrice utilise ainsi une écriture oralisé, comme un enfant qui écrirait dans son journal intime, et recourt même à une simplification du dessin lorsque ses strips représentent l'extrait d'une création de Marlys issue de son journal et d'un jeu mené avec sa sœur ou Freddy.


© Lynda Barry / çà et là pour l'édition française

Ce troisième recueil démontre la remarquable inventivité de Lynda Barry, qui parvient avec une grande économie de moyens – 4 cases, beaucoup de textes, un dessin minimaliste –, à renouveler sa narration et les sujets abordés. It's so magic met en évidence l'homophobie de la société américaine, la crainte de la guerre du Vietnam (le récit se déroule dans les années 1970), les violences sexuelles et le déracinement. Le lecteur se trouvera révolté par le sort qui est réservé aux infortunées héroïnes. Il ne manquera pas non plus d'être étonné par la résilience dont les enfants sont capables face à l'adversité. Chez Lynda Barry, le monde des adultes qui est dysfonctionnel et affecte les enfants. L'autrice ne fait cependant pas preuve d'angélisme sur les relations entres jeunes. Le sort réservé à Cindy témoigne que ceux-ci font également preuve d'une grande cruauté. Mais à aucun moment, les adultes ne leur sont d'aucun secours.


© Lynda Barry / çà et là pour l'édition française

Ce travail de réédition des strips de Lynda Barry a été salué par la critique : le premier recueil, Come over Come over a ainsi reçu l'Eisner Award de la bande dessinée patrimoine en 2023, avant d'obtenir le Fauve Patrimoine au festival d'Angoulême en 2025. Ces distinctions sont logiques : Lynda Barry a construit un chef d'œuvre. It's so magic présente les mêmes qualités que les deux précédents recueils.

128 pages – 18 €
Lire la critique de Come over Come over
Lire la critique de My perfect life

C'est où le plus loin d'ici ? T.3. – Tyler Boss, Matthew Rosenberg – la chronique BD

Florian Moine — 2026-08-21T15:14:06Z

Critique :Ce troisième tome conclut ce qui constitue le premier cycle de cette saga originale, qui met en scène des bandes d'enfants et adolescents isolés du reste du monde, après ce que l'on devine être une apocalypse. Ils sont nourris par les « étrangers », étranges créatures sans visages. Lorsqu'ils deviennent adultes, ceux-ci sont chassés de leur communauté et partent vers « la Ville » dont on ignore si elle existe vraiment.


C'est où le plus loin d'ici T3/©Casterman 2026

Ce troisième tome apporte des réponses concrètes à certaines questions posées depuis le début de la saga. « La Ville » existe bien, comme Sid le découvre. L'héroïne découvre un monde qu'elle ne soupçonnait pas, et comprend – en partie à ses dépends – le lien qui unit son monde à « la Ville ». Nous laissons aux lecteurs le soin de découvrir ce lien. La narration demeure toujours aussi rythmée, avec des chapitres courts, mais également des allers-retours dans le temps (comme cela avait été le cas dans le deuxième volume) qui peuvent déstabiliser le lecteur dans un premier temps, avant que celui-ci ne raccroche les fils. Cette structure fait partie de l'expérience de lecture, qui fut très plaisante.


C'est où le plus loin d'ici T3/©Casterman 2026

Tyler Boss et Matthew Rosenberg ont structuré un univers cohérent, qu'ils souhaitent visiblement développer. Ce troisième tome ouvre en effet de nouvelles perspectives. Il reste néanmoins possible de s'arrêter à cette trilogie sans être frustré.

192 pages – 22 €
Voir la critique des deux premiers tomes

Ghost Pepper T.1 - Ludo Lullabi - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-07-24T06:53:48Z

Critique : Avec un topo qui fait penser à un sequel de l'Attaque des Titans avec un duo à la limite du comique du vieux taciturne et de la jeune pétillante, sans oublier un robot satirique et un grand costaud simplet comme personnages secondaires, la formule semblait diriger Ghost Pepper vers un comic un peu ringard... Il n'en est rien. Ghost Pepper est drôle sans être lourd, le scénario n'est pas aussi simple qu'il n'y paraît, les personnages, et notamment ceux qui gravitent autour du duo de couverture, ont une profondeur insoupçonnée. Que ce soit le camp des "méchants", ou simplement des concurrents de cette vendeuse de plats pimentés, les subtilités sont inattendues et bien amenées, permettant à ce premier tome de se révéler plein de ressources et sans aucune longueur, allant plus loin que les simples scènes de bagarre supra-naturelles, que l'on attend évidemment mais qui ne sont pas la plus grande qualité de cette histoire.

Propre dans son esthétique, le soin apporté par Ludo Lullabi à ce comic rappelle à la fois le style de Vatine et celui de Mignola, deux géants qui auraient fusionné pour accoucher de ce Ghost Pepper, entre SF franco-belge et comic aux frontières de la fantasy américaine. Le rendu est d'autant plus intéressant qu'il fait la part belle à un duo de couleurs : le rouge sous toute ses nuances, même si le piment y est particulièrement mis en valeur, mais c'est surtout le gris qui brille. Argenté ou poussiéreux, métal impeccable ou peau malade, il est de toute les planches et c'est une prouesse de le mettre autant en avant, avec autant de pertinence.

Comic en forme de joli coup, Ghost Pepper joue sur des codes déjà entrevus, sans aller les casser, mais en les tordant juste ce qu'il faut pour être original et surtout très attrayant, de quoi espérer une excellente série.

160 pages – 17,95 €

Une petite dose de tremblement – Noah Bailey, Michael Conrad – la chronique BD

Florian Moine — 2026-06-16T15:16:45Z

Critique : La question de la porosité de la frontière entre le monde du rêve et la réalité tangible constitue un thème récurrent de la littérature. La bande dessinée n'est pas en reste : il suffit de se rappeler de Little Nemo in Slumberland, le chef-d'œuvre de Winsor McCay dans lequel le héros voyage dans un monde onirique durant son sommeil, pour s'en convaincre. Plus récemment, le film Inception de Christopher Nolan (2010) a brillamment mis en interrogé cette frontière dans un thriller haletant. C'est dans cette veine que s'inscrit Une petite dose de tremblement, qui possède néanmoins une réelle originalité.


© Noah Bailey, Michael Conrad / 404 Graphic

Le récit écrit par Michael Conrad et mis en images par Noah Bailey pose d'abord la question de l'exploitation commerciale et politique des rêves. L'inconscient deviendrait dès lors un espace à exploiter comme un autre, brisant la dernière frontière de l'intimité. Une petite dose de tremblement met ainsi en scène un personnage capable d'entrer dans les rêves d'autrui. Pour quoi faire ? Telle est l'une des questions d'un récit qui n'en manque pas. En effet, l'intrigue gagne en complexité dans sa deuxième partie, de façon à déstabiliser le lecteur qui, comme Ginn, en vient à s'interroger sur ce qu'il voit. Ce qui faisait figure de réalité tangible s'efface ainsi au fil des pages. Si les amateurs de ce genre de récit ne seront pas totalement surpris, l'intrigue est construite avec suffisamment de finesse pour emporter son lecteur jusqu'à son épilogue, qui apporte une réponse ambigüe. L'album ne prend pas son lectorat par la main, et ce sera à chacun de se forger son interprétation.

Le dessin charbonneux de Noah Bailey nous transporte dans un univers angoissant, qui dérange et flirte parfois avec l'horreur. Certaines planches proposent un décor très travaillé, d'autres cases au contraire se content d'un fond blanc ou gris. Faut-il y voir une quelconque signification ? Scientifiques à lunette et blouse blanche, enfant dans un pyjama lapin, centre hospitalier fait de longs couloirs, rêves à la signification ambigüe : Noah Bailey reprend avec adresse les codes du récit horrifique pour créer l'atmosphère angoissante de l'album. Si l'essentiel du récit est en noir et blanc, certaines pages sont en couleur pour figurer des scènes clés que nous ne révèlerons pas ici. Dans l'ensemble, la maîtrise graphique du dessinateur impressionne.


© Noah Bailey, Michael Conrad / 404 Graphic

En somme, Une petite dose de tremblement n'est pas un récit qui se lit d'une traite un soir de semaine et se referme sans qu'on n'y pense plus. C'est un conte à tiroir à la narration complexe, qui nous hante encore une fois le livre fermé, et que l'on relira volontiers pour saisir les clés de l'intrigue (si tant est qu'on les découvre). Un récit envoûtant qui bénéficie d'une fabrication particulièrement soignée de la part des Éditions 404 Graphic.

152 pages – 22,5 €

Les Mystères de Hobtown T.1 : L'Affaire des hommes disparus - Kris Bertin, Alexander Forbes - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-04-30T07:59:47Z

Critique : En faisant disparaître des hommes dans la quarantaine et non pas des jeunes femmes, Kris Bertin avait visiblement envie de faire dans l'originalité, ou plutôt dans le décalage. En effet, Les mystères de Hobtown sont bel et bien une de ces séries qui aiment prendre le lecteur à contresens, le faire tourner en rond et le surprendre plusieurs fois au cours de son récit. Pas de vieux flic mystérieux ou de jeune inspecteur rebelle, mais plutôt une bande hétéroclite de lycéens venus peut-être par dépit, peut-être par un goût de la vérité, pour résoudre une affaire qui s'enfonce dans les racines et la terre de cette petite ville côtière rongée par l'ennui et par la consanguinité. Dans une ambiance qui n'est pas sans rappeler la série culte de David Lynch, le policier se mêle au fantastique sans que l'on se dise que l'un penche trop vers l'autre, si ce n'est un épilogue incongru, saugrenu même, venant révéler toute l'essence de cette série : le monde est un éternel recommencement, qui pousse sur la pourriture passée.

Le dessin d'Alexander Forbes participe activement à cette impression morbide et malsaine qui s'impose dès le début : il y a des couleurs, mais elles sont glauques ou fanées, il y a des visages, mais ils sont difformes ou laids... Le plan inaugural d'Hobtown, bien détaillé, donnait d'ailleurs le ton de l'ouvrage avant même la première page de l'histoire : un bout de terre où la corruption semble avoir gagné à la fois le rivage et les âmes. Seule éclaircie, ce groupe de jeunes gens, aux yeux fins, aux bouches attentives, rarement effrayés malgré les enjeux et les surprises, qui éclaire à la fois le mystère et les planches, car l'ensemble transpire la gêne et la dégénérescence.

Album complet, premier tome qui embrasse le polar et le fantastique pour en rendre une synthèse rarement entrevue depuis Twin Peaks, Les mystères de Hobtown sont une série pleine de promesses et peut-être déjà culte.

312 pages – 29,95 €

Joy - Serena Cirillo - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-04-05T09:01:45Z

Critique : Ce one-shot traite d'un sujet qui semble à la fois d'actualité et rebattu, l'IA. Toutefois, Joy a su mettre en évidence des émotions que l'on pourrait qualifier de base : épuisement, dépression, deuil, regret et amitié. Cette lise non-exhaustive paraît longue, mais chacune de ces émotions ne s'inscrit pas dans un chapitre mais bien dans l'oeuvre dans son ensemble, tous dilués et jamais abordés de manière frontale, si ce n'est l'amitié qui justement s'impose par la violence, à la fin de cet ouvrage jusque là plutôt lent. Cette lenteur mérite d'ailleurs des éloges, tant l'autrice ne cherche jamais à précipiter les choses, mais plutôt à les imposer sur le long terme. Le temps d'un été, dans un village qui fait penser au Japon rural, on côtoie donc Mari qui s'épuise à travailler, peu à peu soulagée des tâches domestiques par le robot Joy se révèle très rapidement plus qu'attachant. La dépression latente - entre deuil mal achevé et surménage professionnel - que l'héroïne subit est un prétexte pour à la fois évoquer ce que pourrait être l'IA (un facilitateur du quotidien plus qu'un remplaçant des métiers créatifs) et l'humanité des robots (thème cher à la science-fiction, même s'il n'y a pas de Blade Runner dans cet album...)

Dans un style à la Calvin et Hobbes, Serena Cirillo laisse vivre son duo de la même manière : petites scènes quotidiennes, avec un intérieur rassurant et un extérieur propre aux courtes aventures, mais surtout des traits furtifs, qui proposent beaucoup avec peu. La tête du robot est d'ailleurs une réussite, avec ce look qui n'aurait pas dépareillé sur un bon jeu vidéo du début des années 2000, mélange de fun et de kawaï qui impose ce protagoniste aussi bien dans le coeur de Mari que dans celui du lecteur. Doux grâce à des traits teinté de bleu ou de rouge, le dessin veut faire la part belle au soleil, à l'espoir et aux petites attentions de la vie, ce qui est en décalage avec l'univers froid et morbide qui entoure généralement les robots et l'IA dans la science-fiction.

Science-fiction chaleureuse ou anticipation positive, Joy est un court récit qui va un peu à l'encontre des présupposés du genre pour créer une histoire pas si éloignée de nous, dans le temps et dans le cœur.

176 pages – 12,90 €

La rumeur du chat perché - Camille Leto - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-03-30T06:30:14Z

Critique : Dans cet ouvrage à la pagination ramassée, que l'on pourrait facilement qualifier de "nouvelle" s'il s'agissait d'un roman, une belle métaphore vient illustrer un sujet généralement évité par les arts en général, et la bande dessinée en particulier. Rares sont en effet les albums à évoquer uniquement le thème de l'amitié, mais pour ce qui est de l'asexualité, La rumeur du chat perché fait bel et bien office de pionnier. De par son format, il fallait donc avoir un cadre posé rapidement, et une conclusion tout aussi hâtive, et force est de constater que Camille Leto n'a bâclé ni l'un, ni l'autre. Les deux protagonistes, Gwen et Noah, ont des personnalités opposées : l'un discret et plutôt taciturne, l'autre solaire et expansive, et tous leurs amis semblent obsédés par une idée : les mettre en couple. Un jeu de chat et de la souris se met en place, rappelé par ce chat qui leur échappe, cette question qui reste en suspens tout au long des planches : vont-ils en effet finir ensemble ? Sans trop gâcher la fin, le thème ayant été dévoilé dès le début de cette chronique, il s'agit d'une réponse négative qui attend le lecteur, et celui-ci va, tout comme les amis, la société et la majorité des individus, plutôt mal le prendre, habitué qu'il est aux happy endings et couples hétéronormés dans les œuvres de fiction. Non, la révélation qui s'ouvre aux deux personnages est autre, celle d'une amitié pure, platonique, sans arrière-pensée, un de ces liens qui existait déjà mais que la fiction préférait jusque là éviter.

Pour mettre en forme et en couleur ce thème de l'asexualité, c'est donc une fête donnée dans un immeuble, où chaque étage correspond à un niveau d'attente de la société, à une strate dans lequel tout individu se doit de passer pour être sociable, être admis dans la société, pour monter encore et encore les escaliers jusqu'à l'épiphanie d'un grenier tranquille, d'une terrasse ouverte sur l'inconnu. Bien en place, cette métaphore filée est très agréable, même si un étage se révèle pénible, l'endroit et les décors ne sont jamais totalement négatifs, l'ambiance restant positive jusqu'au bout. L'ensemble fait de cet album une belle analogie, à mettre dans le plus de mains possibles.

Résumer cette œuvre à son thème original et inédit serait dommage, car son graphisme et son déroulé sont également très aboutis, mais il convient de mettre en avant cette volonté de retranscrire une aspiration, celle de l'asexualité.

40 pages – 11,90 €

La Bête du Nord - Oscar Martin, Leonel Castellani - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-02-24T09:35:54Z

Critique : Les fans de fantasy ont toujours aimé broder autour des héros, de la saga principale, voire s'attacher à des personnages secondaires et des époques différentes, pour que les univers ne s'arrêtent jamais. Les adeptes de Robert E. Howard n'échappent pas à la règle, et ce comic en forme de one-shot s'inspire donc clairement des écrits du maître, respectant les codes et l'ambiance qui ont façonné la figure de Conan le Barbare. Arrivé en territoire hostile (évidemment), il va devoir prouver sa valeur avant d'être entraîné dans une conspiration qui le dépasse. Les ennemis ne sont pas ceux que l'on attendait forcément, et les affrontements suggèrent presque des niveaux de difficulté qui pourraient faire penser à un jeu vidéo. Bref, un scénario linéaire avec des soubresauts, bien huilé, à l'image des pectoraux du héros.

D'un caractère ténébreux, le héros est toujours au centre de l'attention. Même s'il se cache, il ne reste jamais dans l'ombre très longtemps, et son épée parle souvent pour, voire mieux, que lui. Les scènes de combat y sont forcément mises en valeur, parfaitement fonctionnelles pour le bon déroulement du récit, autant de passages attendus qui vont ravir de lecteur friands de cette débauche d'énergie brutale, signature de Conan, notamment depuis que Schwarzenegger l'a incarné au cinéma. C'est donc bien un hommage appuyé aux livres et au film que l'on trouve dans ce comic, qui s'imprègne et s'intègre dans cet univers de dark fantasy qui a tant inspiré.

Comic redoutable d'efficacité, cette Bête du Nord saura convenir aux lecteurs connaisseurs du grand Conan le Barbare, mais pourrait paraître un peu légère pour les profanes qui voulaient un élément original de dark fantasy.

72 pages – 16,50 €

Hérétique - Robbie Morrison, Charlie Adlard - la chronique BD

Baptiste Lépine — 2026-02-18T09:51:16Z

Critique : Les enquêtes historiques sont habituellement difficiles à réaliser, car en plus du mystère enveloppant le crime et du charisme des enquêteurs, il faut à l'auteur/rice créer une ambiance réaliste collant à la période choisie. Robbie Morrison a donc réussi ce qu'Umberto Eco avait fait également avant lui : rendre les moines fascinants, de par la violence latente (ou ici bien visuelle) qu'ils dissimulent, et avec une ville belge qui semble tirée d'un livre d'Histoire. Son héros a bel et bien existé, et ses multiples casquettes en font une sorte de Mentalist qui aurait croisé la route du tueur de Seven, avec un soupçon de fantastique en plus de cette atmosphère du Nom de la Rose. Un joli crossover en perspective qui se conclue avec un soupçon de fantastique, même si l'Inquisition est bel et bien la cible de ce récit qui tient à montrer la réalité de l'Europe au XVIe siècle, embourbée par des fanatiques qui l'empêchent d'avancer, voire la font reculer. De quoi tirer quelques leçons sur l'actualité...

Il est plaisant de revoir le style d'Adlard une fois passée la saga Walking Dead, même si les réflexes font qu'on ne peut s'empêcher de voir surgir un zombie sur la planche suivante. Le trait en noir et blanc est d'ailleurs plus soigné, plus affûté que dans les premiers tomes, témoignage d'une maturité accrue, d'une recherche de détail historique bienvenue, mais sa force réside toujours dans un élément qui n'a pas changé : les regards. Ces yeux d'où partent fatalement la folie, où même dissimulée elle pointe, telle une flamme qui n'attend que le départ de feu pour se nourrir de toute l'assemblée. D'ailleurs, même les personnage "gentils" font craindre de basculer à tout moment dans l'autre côté, et c'est bien là la vraie et légendaire qualité du style Adlard.

Enquête subversive et récit immersif pour Hérétique, ce comic où Morrison et Adlard se sont chargé de faire revivre un personnage historique oublié mais fascinant pour en faire un héros engageant.

19,50 €