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Rencontre avec Charline Bourgeois-Tacquet et Marie-Christine Barrault pour "La Vie d'une femme"

Nicolas Colle — 2026-09-08T17:18:27Z

– Sortie en salle : 9 juin 2026

Après avoir eu les honneurs de la compétition officielle du Festival de Cannes, la réalisatrice Charline Bourgeois-Tacquet était présente au Festival du Film Francophone d'Angoulême pour y présenter son nouveau film, La Vie d'une femme. Elle était accompagnée de l'actrice Marie-Christine Barrault. Les deux artistes ont répondu à nos questions autour de ce film dense et gracieux.

Selon vous, ce film est-il une continuité des Amours d'Anaïs, où vous évoquiez déjà l'amour, le désir, l'envie de vivre, la vie tout simplement ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Je ne voulais pas nécessairement m'inscrire dans une continuité même si je n'ai pas encore fait le tour des questions qui m'intéressent. Je demeure passionnée par les sentiments humains et les relations humaines, dans la vie comme dans les films ou les livres. Par ailleurs, les personnages féminins sont ceux qui, pour l'instant, m'intéressent le plus. Ici, j'ai eu envie de faire le portrait d'une femme entre cinquante et soixante ans, de la regarder évoluer dans toutes les sphères de sa vie. C'est d'ailleurs la raison pour laquelle le film est construit sous forme de chapitres. Je tenais à ce qu'il ne soit pas scénarisé de manière trop artificielle, avec une dramaturgie trop précise. J'avais envie d'une tonalité plus impressionniste, qui puisse capturer, par petites touches, quelque chose de l'épaisseur de la vie de cette femme.

Ce qui frappe ici, c'est la justesse et la fluidité des dialogues… qui n'est pas sans rappeler Ma nuit chez Maud d'Éric Rohmer, dans lequel vous avez d'ailleurs joué Marie-Christine ?

Marie-Christine Barrault : J'ai rencontré Charline en lisant d'abord son scénario et j'ai été extrêmement sensible à son écriture. Je dois avouer qu'il m'arrive de tomber sur des scénarios certes intéressants mais avec des dialogues mal écrits. Ici, tout était fluide, juste, précis. Même si des dialogues moyens ne sont pas forcément rédhibitoires non plus parce que si je devais toujours attendre une telle qualité d'écriture pour tourner, je pense que je ne tournerais plus jamais (rires). C'est ce qui s'est passé après mon expérience sur le tournage de Ma nuit chez Maud d'Éric Rohmer. J'ai été étonnée de la non-qualité des scénarios qu'on m'a envoyée. C'étaient des chiffons. Heureusement, j'ai tourné depuis Ma Nuit chez Maud (rires). Mais quel plaisir d'être confrontée à un si beau texte. Surtout pour moi qui viens du théâtre et de la littérature.


Léa Drucker
© 2026 Pyramide Distribution. Tous droits réservés.

Souhaitiez-vous parler de la charge mentale exercée sur cette femme ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Je voulais surtout qu'elle se démultiplie, notamment dans son métier. Je ne me suis pas contentée d'en faire une chirurgienne, j'en ai fait une cheffe de service, avec un milliard d'éléments à gérer. Je tenais aussi à ce qu'elle se démultiplie dans sa vie, où elle fait preuve d'une grande énergie. C'est ainsi que je peux construire la mise en scène, les déplacements dans l'espace. Il me fallait un personnage irréductible, complexe, qui soit à la fois tout et son contraire. Elle peut être égoïste, dure et exigeante, mais aussi généreuse, dévouée et altruiste. Elle n'est pas la même personne selon la relation qui est en train de s'exprimer.

Et pourquoi avoir fait le choix de la confronter à une histoire d'amour avec une autre femme, incarnée par Mélanie Thierry ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Gabrielle est une femme qui maîtrise tout, verrouille sa vie, veut faire tout mieux que tout le monde, est très en contrôle. J'avais envie que, à un moment du film, on la voit devenir fragile, vulnérable et vaciller. Une histoire d'amour inattendue avec une femme lui permet cela car c'est une première pour elle dans sa vie. Elle devient timide, maladroite. Elle perd le contrôle.

Marie-Christine Barrault : Avec un homme, elle maîtriserait la relation. Ici, elle fait l'expérience du trouble.

Comment construisez-vous votre mise en scène ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Ce qui dicte ma réalisation depuis mes débuts, c'est l'énergie, la vitesse, le mouvement. Même si mes films sont très écrits et dialogués, je tiens à ce que la mise en scène soit très physique. Dès lors, il faut que cette parole soit convertie en chorégraphie dans l'espace et que la caméra suive tout cela. Par ailleurs, au début du film, Gabrielle est comme enfermée dans son quotidien. Mais dès qu'elle rencontre Frida, quelque chose se déplace intérieurement en elle. Et ce déplacement est aussi représenté extérieurement à l'écran puisqu'elles se retrouvent ensemble dans ces immenses paysages montagnards.

Léa Drucker s'est-elle imposée d'elle-même ?

Charline Bourgeois-Tacquet : J'ai pensé à Léa tant j'admire son intelligence, son humanité, son humour. De plus, lorsque j'ai découvert L'Été dernier, où elle joue une femme amoureuse de son beau-fils, j'ai constaté à quel point elle pouvait aller très loin dans l'abandon et la sensualité.

Comment joue-t-on avec quelque chose d'aussi délicat qu'Alzheimer ?

Marie-Christine Barrault : La maladie d'Alzheimer est une sorte d'absence aux choses, aux gens, aux autres. On se trouve sur un terrain glissant. Il faut donc se laisser glisser. On alterne entre douceur et agressivité car on perd ses repères. Pour autant, ce n'est pas un film sur la maladie d'Alzheimer.


Mélanie Thierry, Léa Drucker
© 2026 Pyramide Distribution. Tous droits réservés.

Et que dire de cette scène d'envolée colérique de Charles Berling dans une scène particulièrement savoureuse ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Et pourtant c'est un homme idéal, intelligent, qui comprend tout, ne doute pas de sa place, ne fait pas de scandale. Pour autant, j'avais besoin que ce personnage dise des choses à Gabrielle que le spectateur allait forcément penser d'elle à un moment ou à un autre. Même s'il exagère, on trouve quand même une part de vérité car Gabrielle n'est pas une sainte non plus. J'aime que cette explosion de violence verbale se déroule dans un lieu clos, en l'occurrence une voiture en marche, où elle ne peut rien faire et juste subir cette avalanche inattendue. Mais il fallait veiller à ne pas aller jusqu'au clash irréparable. Ici, tout s'apaise très vite et leur lien, très beau au demeurant, est préservé. On sent qu'il y a beaucoup d'amour, d'intelligence et de compréhension entre eux. On perçoit ce qui les unit.

Pensez-vous que le personnage de Gabrielle ait gagné au cours de cette histoire ?

Charline Bourgeois-Tacquet : Elle a vécu quelque chose de totalement imprévue et s'est rendue disponible à cette liberté qui n'était pas gagnée au début du film, tant sa vie est organisée. Elle n'aura jamais le regret de ne pas avoir vécu cette histoire d'amour. Pour autant, je ne pense pas qu'on puisse changer. Elle fait juste une rencontre importante, bouleversante, mais qui ne remet pas en question les choix profonds qu'elle a fait dans sa vie. Son métier reste au centre de tout. Vivre une passion peut tout mettre en péril mais Gabrielle, tout en ayant connu cette histoire d'amour, choisira toujours son hôpital et son mari.

Marie-Christine Barrault : Rien de ce qu'elle a vécu ne peut la diminuer. Il faut vivre les choses. C'est le message du film. Ne nous censurons pas ! La peur et la culpabilité nous empêchent de vivre. Cette femme a la chance de vivre avec un homme qui ne la fait pas se sentir coupable. Cela le rend exemplaire. Et cela rend ce film incroyablement positif. Il nous dit de ne pas laisser passer les occasions de voir et de vivre plus grand.

LIRE NOTRE CRITIQUE

Propos recueillis par Nicolas Colle

Karma - Guillaume Canet - critique

Mylène MLN — 2026-09-08T16:37:56Z

Critique Avec Karma, Guillaume Canet réussit son pari : offrir à Marion Cotillard un rôle à la mesure de son talent. Entre thriller et drame intime, le cinéaste signe une œuvre éprouvante, traversée par une profonde humanité.

Guillaume Canet souhaitait raconter le récit d'une femme décidée à « ne plus subir son karma, mais à en être le maître. » Toute la force du film tient dans ce renversement. Jeanne n'est pas seulement rattrapée par son passé : elle tente de reprendre le pouvoir sur une histoire dont d'autres ont longtemps fixé les règles.

Marion Cotillard incarne cette lutte intérieure avec une intensité remarquable. Un regard, un mouvement de recul ou une respiration suffisent à faire affleurer la peur, la colère et les traces de l'emprise. Jeanne semble porter dans son corps tout ce qu'elle ne peut pas encore formuler. Guillaume Canet lui offre un rôle vertigineux ; elle lui répond par une composition habitée, à la fois fragile et farouche.

Autour d'elle, les personnages ne sont jamais réduits à leur fonction dans l'intrigue. Chacun porte ses propres blessures et contradictions. Cette densité humaine permet au film de dépasser la mécanique du thriller et d'entraîner le spectateur dans une véritable traversée émotionnelle, de la peur à l'empathie, de la colère à la tristesse, jusqu'à un profond malaise.

La mise en scène fait confiance à son public. Les violences sont rarement frontales : les ellipses et le hors champ permettent de les comprendre sans les exposer. Ce choix évite toute complaisance et confère une résonance plus profonde. L'image suggère, les réactions révèlent et le spectateur reconstitue ce qui demeure indicible.

La photographie de Benoît Debie accompagne admirablement le parcours de Jeanne. Les variations de lumière et de teintes différencient les lieux autant que les états émotionnels. La chaleur apparente de certains espaces contraste avec des tonalités plus froides et oppressantes. Loin du simple effet esthétique, ce travail visuel accompagne les mouvements intérieurs de Jeanne sans jamais les surligner.

Karma conjugue la tension du thriller au portrait viscéral d'une femme qui refuse de rester prisonnière de ce qui lui a été imposé. La précision de la mise en scène de Guillaume Canet et l'interprétation saisissante de Marion Cotillard lui confèrent une force émotionnelle qui ne faiblit jamais. Sombre et puissant, le film s'impose comme un chef-d'œuvre dont l'écho persiste bien après le générique.

Semaine du 9 septembre 2026 : les sorties en salle

La rédaction ciné — 2026-09-08T11:21:51Z

News : Les nouveautés de la semaine du 9 septembre 2026 sont :

Longs métrages de fiction


© Diaphana Films

– Adieu monde cruel, de Félix de Givry

– Billie Melody, de Christine Paillard

– Commis d'office, de Stéphane Garrigues

– Les ensorceleuses 2, de Susanne Bier

– Flush, de Grégoire Morin

– Les héros du Louvre, de Élie Chouraqui

– Mandaadi, de Pugazhendhi Mathimaran (sortie : 10 septembre)

– Pressure, de Anthony Maras

– Rose, de Markus Schleinzer

– The Sea, de Shai Carmeli-Pollak

– La vie d'une femme, de Charline Bourgeois-Tacquet

Longs métrages documentaires

– Hair, Paper, Water…, de Nicolas Graux, Minh Quý Trương

– Oasis : Don't Look Back in Anger, de Dylan Southern, Will Lovelace

– Les survivants du Che, de Christophe Réveille

Reprises

– Akira, de Katsuhiro Ōtomo (1991, film d'animation)

– La femme du dimanche, de Luigi Comencini (1975)

– Les rebelles du dieu néon, de Tsai Ming-liang (1992)

– La rivière, de Tsai Ming-liang (1997)

– Vive l'amour, de Tsai Ming-liang (1994)

Adieu monde cruel - Félix de Givry - critique

Séraphin Degroote-Ferreira — 2026-09-08T11:17:33Z

LIRE NOTRE INTERVIEW DE FÉLIX DE GIVRY

Critique : Premier long métrage de Félix de Givry, Adieu monde cruel s'avance sur un territoire particulièrement délicat. Celui de l'adolescence blessée, du harcèlement scolaire et du désir de disparaître. Pourtant, le film refuse d'emprunter les voies balisées du drame social ou du manifeste générationnel. Il préfère se déployer comme une étrange rêverie mélancolique, suspendue entre le réel et le fantasme, où la douleur du monde se transforme progressivement en possibilité de renaissance.

Otto est un adolescent que les humiliations répétées ont conduit au bord du gouffre. Lorsqu'il décide de mettre fin à ses jours, le destin en décide autrement. Survivant à sa tentative de suicide, mais donné pour mort par son entourage, il se retrouve dans une position paradoxale : celle d'un vivant devenu fantôme. À partir de ce postulat singulier, Félix de Givry construit un récit d'émancipation inattendu, où l'effacement devient l'occasion d'une réinvention.

Ce qui frappe d'emblée dans Adieu monde cruel, c'est son refus de l'explication psychologique. Le cinéaste ne cherche jamais à disséquer son personnage ni à enfermer son mal-être dans une série de causes sociologiques. Il privilégie au contraire les sensations, les silences, les regards. Cette économie narrative confère au film une dimension presque flottante, comme si Otto évoluait dans un espace intermédiaire, à mi-chemin entre la vie qu'il abandonne et celle qu'il pourrait encore conquérir.


© 2026 Remembers - Iliade et Films - uMedia / Diaphana Distribution. Tous droits réservés.

Cette impression est renforcée par une mise en scène d'une remarquable délicatesse. Félix de Givry filme les paysages ruraux, les routes secondaires, les maisons isolées et les visages adolescents avec une douceur qui n'exclut jamais la gravité. La photographie baigne le récit dans une lumière légèrement irréelle, contribuant à créer une atmosphère de conte moderne où chaque rencontre semble pouvoir infléchir le destin.

Mais la véritable réussite du film réside sans doute dans son traitement du motif du fantôme. Otto n'est pas un revenant au sens traditionnel du terme. Il est plutôt un être devenu invisible aux yeux du monde, libéré malgré lui des assignations qui pesaient sur lui. Cette disparition symbolique ouvre un espace de liberté inédit. Pour la première fois, il peut observer les autres sans être jugé, se redécouvrir sans subir le regard destructeur de ses bourreaux.

Loin d'alimenter un discours désespéré, Adieu monde cruel trouve alors dans cette situation une source inattendue de vitalité. Le récit se transforme peu à peu en parcours sentimental et initiatique. Les rencontres qu'effectue Otto ne constituent pas de simples péripéties scénaristiques ; elles deviennent autant de possibilités de renouer avec le monde. Là où le film aurait pu sombrer dans l'obscurité, il choisit au contraire la lumière, sans jamais nier la violence qui l'a précédée.


© 2026 Remembers - Iliade et Films - uMedia / Diaphana Distribution. Tous droits réservés.

Cette capacité à conjuguer noirceur et douceur constitue l'une des plus belles qualités du long métrage. Félix de Givry regarde son personnage avec une infinie tendresse mais sans complaisance. Le harcèlement n'est jamais minimisé, pas plus que les ravages qu'il provoque. Toutefois, le cinéaste refuse que cette souffrance définisse entièrement son héros. Son regard se porte davantage sur les chemins de traverse qui permettent de survivre, sur les hasards heureux qui réenchantent l'existence et sur les liens fragiles qui rendent à nouveau le monde habitable.

Dans un paysage cinématographique souvent dominé par le réalisme frontal, Adieu monde cruel revendique une forme de romantisme assumé. Cette orientation pourra surprendre, mais elle constitue précisément sa singularité. Le film ose croire que l'imaginaire, l'amour et la poésie possèdent encore une puissance de réparation. Cette conviction irrigue chacune de ses images et lui confère une tonalité profondément émouvante.

Avec ce premier long métrage ambitieux et sensible, Félix de Givry signe une œuvre à part, traversée par la douleur mais tendue vers l'espérance. Un film sur les disparitions qui parle avant tout de réapparition. Une élégie adolescente qui trouve dans la fragilité même de ses personnages une bouleversante promesse de vie.

La vie d'une femme - Charline Bourgeois-Tacquet - critique

Laurent Cambon — 2026-09-08T11:16:44Z

– Festival de Cannes 2026 : Sélection officielle, En compétition


© 2026 Festival de Cannes

LIRE NOTRE INTERVIEW DE CHARLINE BOURGEOIS-TACQUET ET MARIE-CHRISTINE BARRAULT

Critique : Gabrielle est chirurgienne. Et pas n'importe quelle chirurgienne puisqu'elle répare les visages cabossés par un accident de la vie. C'est une femme énergique, brillante, qui s'adonne à son travail avec une fougue épatante. Et pourtant, autour d'elle, sans qu'elle ne le verbalise vraiment, le vide affectif se fait peu à peu, jusqu'au moment où elle fait la rencontre avec une écrivaine qui lui avoue son désir pour elle. La vie d'une femme est, quasiment à la manière d'un roman de Flaubert, une œuvre qui ne cultive pas l'ambition de juxtaposer les évènements dans un rythme inouï.

Ce qui intéresse avant tout Charline Bourgeois-Tacquet est de dresser le portrait sensible et complexe d'une femme pendant quelques mois de son existence. La comédienne et réalisatrice offre ainsi à Léa Drucker un rôle de composition magistral, pour ce deuxième long-métrage de la metteuse en scène. Ce dernier est encore plus abouti et travaillé que Les amours d'Anaïs qui d'une certaine manière traitait d'un sujet assez analogue, à savoir l'émoi amoureux d'une femme à l'égard d'une autrice. Mais cette fois, le scénario dépasse le cadre délicat et sympathique d'une amourette feutrée et délicate pour brosser la figure d'une femme brillante, comme en lutte permanente contre sa propre chute.


Léa Drucker
© 2026 Pyramide Distribution. Tous droits réservés.

Le long-métrage est construit en une suite de chapitres reliés par la musique. C'est une histoire de femme écrite par une femme, dans une langue cinématographique qui prend le temps de dérouler la complexité du personnage. Tour à tour détestable, sympathique, tendre, défensive, Gabrielle révèle de multiples facettes de sa personnalité. Léa Drucker apprivoise avec un talent immense les ressorts psychiques de son personnage sans jamais tomber dans les excès. Il y a même un certain parti pris de froideur qui tranche avec le personnage relativement frivole d'Anaïs Demoustier dans le premier long-métrage de la réalisatrice. On avait vu Léa Drucker sur la Croisette en 2025, en policière qui enquête sur les bavures pendant le mouvement des gilets jaunes, dans Dossier 137. On se souvient aussi de L'été dernier (2023) où elle incarnait une bourgeoise qui tombait amoureuse de son beau-fils. Une nouvelle fois, l'actrice fait la démonstration d'un talent incroyable à endosser tous les rôles sans jamais tomber dans la faute de goût ou l'invraisemblance.


Mélanie Thierry, Léa Drucker
© 2026 Pyramide Distribution. Tous droits réservés.

Le long-métrage fait preuve d'une densité romanesque assez incroyable. Chaque titre de chapitre reprend une parole ou un geste. Les parties se succèdent avec une apparente non-continuité et pourtant, peu à peu, elles donnent forme à un film cohérent. Le rire n'est jamais loin non plus dans ce qui ne ressemble ni à un drame ni à une comédie. À la façon de la nouvelle de Stefan Sweig Vingt-quatre heures de la vie d'une femme, Charline Bourgeois-Tacquet observe les déambulations sentimentales d'une femme mûre, mais qui ne parvient pas à se départir de son existence bourgeoise, dominée par une certaine forme d'addiction au travail. La scène où elle reprend les internes sur leur engagement dans le service de chirurgie faciale dénote le fossé en matière de représentation de la vie entre les jeunes gens et la génération des cinquantenaires.

La vie d'une femme ne se contente pas de décrire un personnage féminin à la fois déterminé et fragile. Le long-métrage traite de multiples sujets d'une grande contemporanéité comme la maladie d'Alzheimer, l'usure des couples, les familles décomposées : autant de thèmes qui font de ce long-métrage une œuvre complète et d'un grand intérêt.

Les survivants du Che - Christophe Dimitri Réveille - critique

Claudine Levanneur — 2026-09-08T11:10:20Z

Critique : La légende d'Ernesto Rafael Guevara de la Serna, dit Che Guevara, perdure. Pivot essentiel de la guerre froide, dirigeant communiste de la révolution cubaine, il reste le symbole de la lutte contre l'impérialisme et le colonialisme. Son exécution sommaire par l'armée bolivienne, le 9 octobre 1967, consacre à tout jamais son statut de martyr de la révolution. Mais, même si personne ne le sait, l'histoire ne s'arrête pas là. Avec ce documentaire, présenté en séance spéciale au Festival de Cannes 2026, le réalisateur Christophe Dimitri Réveille entend bien réparer cet oubli en retraçant l'incroyable épopée de six compagnons du Che parvenus à échapper aux forces lancées à leur poursuite.


Crédit : Pentacle Productions

Si le film commence par les images de l'exécution du Che, il se concentre vite sur le parcours de ses compagnons d'armes, essentiellement grâce aux témoignages de trois d'entre eux : Benigno, Urbano et Pombo. En 2004, le réalisateur rencontre Benigno, réfugié politique à Paris, menacé de mort par Fidel Castro. Intrigué par le sort réservé à celui qu'il considère comme un héros, il envisage de lui consacrer un documentaire. Piqué au vif par ce qu'il pressent comme une incroyable aventure humaine, il noue des contacts en Bolivie avec des militaires, un agent de la CIA et un membre du PC bolivien, auxquels s'ajoute le témoignage de Régis Debray, écrivain et philosophe français qui a lui-même connu les prisons boliviennes. Il faudra ainsi plus de vingt ans pour donner naissance à ce documentaire historico-politique. Largement étayé et suffisamment pédagogique, il intéressera même les moins férus d'histoire contemporaine, envoûtés par la voix tout à la fois sobre et convaincante de Vincent Lindon, justement promu maître de conférence pour la circonstance. Honneur est même rendu à la France qui, grâce à l'intervention du président de Gaulle, trop heureux de mettre l'URSS face à son inertie, a aidé au rapatriement vers Cuba de ces guérilleros en mars 1968. Un détail que l'Histoire a savamment passé sous silence quand, deux mois plus tard, en mai de la même année, les étudiants criaient « Dehors de Gaulle, vive le Che ».
Mêlant habilement témoignages de survivants, images d'archives, anciennes ou contemporaines, et même séquences d'animation judicieusement introduites pour renforcer les propos des intervenants, le film, riche en rebondissements et en émotions, distille un véritable suspense, semblant parfois hésiter entre thriller et film d'espionnage.


Crédit : Pentacle Productions

Ce documentaire cimente réalité historique, révolution, fascination pour cette figure emblématique que fut le Che et parcours individuels de combattants anonymes ou inconnus. Il montre aussi comment dans une lutte révolutionnaires les raisons personnelles l'emportent sur l'idéologie. Et c'est peut-être là que se situe le maillon faible. Le choix de ne se consacrer qu'à la puissance extraordinaire de ces péripéties hors du commun ne laisse aucune place au débat politique. Les luttes anti-impérialistes et anticolonialistes, si chères au Che, dont le filigrane alimente tout le récit, sont à peine évoquées par ces compagnons, plus prompts à clamer leur indéfectible fidélité au révolutionnaire qu'à témoigner de leur adhésion à ses idéaux.
Si cette œuvre laisse un sentiment d'inachèvement, elle a le mérite d'apporter un éclairage inédit sur des faits dont l'intérêt historique demeure indéniable.

Et soudain la musique - Jérôme Bastianelli - critique

David Neau — 2026-09-08T10:03:59Z

Critique : Jérôme Bastianelli repère deux grandes tendances dans l'Histoire : ceux qui pensent que la musique, en s'adressant directement à notre cœur nous emporte et qu'on perd alors son message, et ceux qui affirment qu'elle aide à faire passer les idées qu'elle porte. Cette réflexion part de l'Antiquité grecque et ? à travers l'Histoire, l'auteur nous montre comment cette opposition a perduré dans la musique religieuse ou profane. La musique parle au cœur comme à l'esprit, mais où est la limite entre les deux ?
Pour nous donner une idée de ces approches, Jérôme Bastianelli prend le point de vue des compositeurs, des auditeurs et des interprètes de différentes époques. Il évoque aussi dans les interludes sa propre expérience.
Cette dualité hante la musique quel que soit le point de vue adopté et l'on se rend compte qu'il n'y a peut-être pas de réponse à la question. Elle a un double effet et chacun, de son côté, tente de trouver un équilibre ou opte résolument pour une seule direction, lui sacrifiant parfois tout.
Jérôme Bastianelli rappelle que, contrairement aux arts graphiques, la musique ne passe jamais par la vision, elle ne s'adresse qu'à l'oreille. Sa construction n'a jamais été dans la recherche d'une reproduction du réel. Cet aspect crée une spécificité sur laquelle l'auteur réfléchit également.
Cet essai permet de mieux comprendre ce que peut être la musique et, surtout, offre sur cet art les regards variés de Elliot Gould, Saint-Augustin, Maria Callas ou de nombreux autres artistes et penseurs.
Jérôme Bastianelli s'abstient de faire juste un listing des avis des uns et des autes, ou même de rédiger un essai dense. Il mêle habilement l'histoire et l'analyse, la réflexion et les souvenirs dans un texte qui se lit facilement et aide surtout à mieux cerner comment nous impactent ces mélodies et harmonies.

Et soudain, la musique propose une réflexion sur l'effet de la musique et la vision qu'en ont ses créateurs, ses interprètes et ses auditeurs.

Voir en ligne : Le site de l'éditeur

112 pages – 11 €

La femme au portrait – Nicolas Tellop, Antonio Lapone – la chronique BD

Julie Demange — 2026-09-08T08:46:55Z

Critique : Cet album a de quoi séduire les amateurs de polars autant que les cinéphiles. Le scénario est solidement construit et entraîne le lecteur dans une enquête où les arrière plans comptent autant que la scène. Un meurtre, un vol, un trafic d'œuvres d'art, du chantage amoureux : autant d'ingrédients qui rendent cet album captivant. Le duo improvisé de détectives privés contribue lui aussi à l'efficacité du récit. L'une est une actrice de second rang, désabusée par le milieu du cinéma ; l'autre, un réalisateur allemand venu aux États Unis dans l'espoir de poursuivre sa carrière avec les moyens grandiloquents des studios hollywoodiens.


La femme au portrait – p.8

Ce duo de personnages fonctionne très bien. Ils ne se laissent rien passer et évoluent dans une connivence pleine de tension. Miss X n'a pas sa langue dans sa poche. Ces répliques sont cinglantes et elle maitrise l'art de l'ironie, ce qui lui confèrent une personnalité forte et libre. Elle a fréquenté le sérail cinématographique sans jamais obtenir un rôle à sa mesure. Elle s'est nommée Miss X parce qu'on lui "a laissé que deux options n'être personne ou être une personne qui n'existe pas" (p.42) mais elle est une femme audacieuse qui ne renonce pas à faire briller son esprit !

Le récit est ponctué de rebondissements et se déploie sur plusieurs fils narratifs bien arrimés les uns aux autres, ne laissant pas les lecteurs s'ennuyer. Entre course poursuite et filature, fouille et mise en doute, il réunit tous les ingrédients d'un polar réussi. L'histoire emprunte le titre d'un film réalisé dans les années 1940 par Fritz Lang, et ce n'est pas étonnant car cette bande dessinée est aussi un hommage au cinéma de cette période.


La femme au portrait – p.11

La mise en page joue des effets cinématographiques avec notamment des plans-séquence et des travellings. Antonio Lapone apporte se sert aussi de forme géométriques stylisées rappelant certaines formes d'inspiration art déco ou cubiste. Le dessin est tranchant et la narration rythmée. Miss X a l'allure stricte et élégante de son esprit et porte très bien les talons aiguilles. Son acolyte a quant à lui la classe d'un gentleman et arbore un monocle. Un accessoire dont l'auteur joue car il évoque aussi la focale d'une caméra. Les deux cercles se répondent parfois dans la mise en page et lui apporte de l'originalité.

Il n'y aura peut être pas d'autres enquêtes de Miss X, alors n'hésitez pas et allez découvrir celle ci.

96 pages – 21,5 €

Akujo – Asako Yamasaki – la chronique BD

Julie Demange — 2026-09-07T19:26:56Z

Critique : Raï Raï a grandi dans l'ombre de sa mère, aux côtés de son frère et de sa sœur. Nés au Japon, ils se sont ensuite installés en Europe. Devenue jeune adulte, un mal être la gagne. Elle décide alors de partir, de retourner au Japon pour tenter de répondre aux questions qui la hantent.

L'aînée a emprunté très tôt la voie artistique, pour laisser parler ses émotions et ses interrogations. Elle expose ses collages graphiques en Europe et semble jouir d'une certaine renommée. Le plus jeune est un personnage plus discret, mais dont on perçoit nettement l'attachement qu'il cultive pour ses deux sœurs. Raï Raï, elle, exprime ses souffrances — ou plutôt son incompréhension — en se laissant mourir à petit feu : sa vie amoureuse est chaotique, elle laisse la faim s'installer dans son corps et cette faim dévore son cœur aussi.


Akujo – Illustration 1

Akujo signifie « femme méchante » ; mais qui, dans ce récit, serait une femme méchante ? Envers qui ? Pourquoi ce titre, qui porte en lui le poids d'une culpabilité latente ?

Le récit devient à la fois une forme d'errance existentielle et un voyage marqué par un itinéraire. Les temporalités s'entremêlent : celle du présent de la narration et celle de la jeunesse des personnages. L'autrice choisit de peupler les pages de son album de tentacules et de poissons, elle plonge les lecteur.ices dans les abymes des esprits confus et des silences bruyants… Une forme de surréalisme se confronte ainsi à la réalité de cette fratrie qui se construit malgré l'absence de parents.

L'univers aquatique peut se lire comme une métaphore qui se déploie tout au long de l'album. Un tsunami entre en jeu au cours de l'histoire et là encore, sa signification apparaît volontairement troublée. Le tsunami, cette vague déferlante, peut engloutir des vies. C'est une réalité météorologique que le Japon connaît. Il semble être ici question d'un tsunami ayant touché la région de Kyoto, mais il semble aussi avoir une fonction métaphorique dans le récit.


Akujo – Illustration 2

Le récit est porté par une esthétique singulière. L'autrice déploie plusieurs techniques d'illustration et donne ainsi à l'ensemble une esthétique polymorphe. Les collages, par exemple, sont intégrés au récit et servent également à le développer. Le noir et blanc domine, tout en se conjuguant à des pages entièrement colorées. Le dessin est parfois fin, parfois plus flou.

L'autrice joue avec le style de certains mangas ou dessins japonais sans pour autant s'y tenir intégralement. Deux couches de dessins semblent parfois se superposer : celle du récit d'une part, et de l'autre, une faune aquatique. Des poissons accompagnent les personnages, se substituent parfois même à certaines parties de leurs corps. L'ensemble aurait pu être brouillon, mais l'équilibre est tenu.

Un premier album sensible et intrigant signé Asako Yamasaki.

208 pages – 28 €

Avaler la Lune T.3. Le refuge – Robin Cousin, Grégory Jarry, Lucie Castel – la chronique BD

Florian Moine — 2026-09-07T19:11:55Z

Critique :Avec Le refuge, la série imaginée par le trio formé par Robin Cousin, Grégory Jarry et Lucie Castel trouve sa conclusion, avec un dernier album riche en rebondissements et en révélations. D'ultimes flash-backs reviennent sur le projet démesuré de l'équipe scientifique qui s'est jadis mise en tête de relancer la vie sur Terre à partir de la Lune. Surtout, une question se pose aux derniers survivants : faut-il impérativement sauver l'humanité ou bien, face au constat que le vivant s'adapte – ce que l'équipe originelle du projet n'avait pas prévue – faut-il le laisser prospérer, quitte à faire disparaître l'espèce humaine ? Cet enjeu est au cœur de ce dernier volume, et l'on vous laisse découvrir sa conclusion.

Le récit est mené tambour battant dans ce dernier tome, et l'on sent que les auteurs ont le besoin de conclure l'histoire. L'opposition entre les derniers survivants devient frontale entre ceux qui veulent à tout prix repeupler le monde, quitte à (ab)user des technologies existantes – comme cette machine de Darwin qui accélère la croissance des espèces biologiques, y compris des fœtus – et ceux qui, face aux résultats désastreux du projet porté par les scientifiques, désirent désormais laisser la nature s'adapter elle-même. L'intérêt de la saga réside dans le décentrement du regard opéré par les auteurs, qui n'adoptent pas un regard anthropocentré. Les enjeux narratifs sont suffisamment explicites pour que cette lecture soit accessible aux adolescents. À l'heure du changement climatique en cours, cette science-fiction écologique est sans aucun doute une saine lecture.

Retrouvez l'interview des auteurs réalisée à l'occasion de la sortie du premier volume

104 pages – 20 €