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Ramayana : L'avènement d'une légende - Nitesh Tiwari - critique

Nicolas Sintes — 2026-11-09T21:34:59Z

Critique : Longtemps moqué, le cinéma indien s'est fait depuis quelques années une petite place dans le cœur des cinéphiles, notamment avec le formidable RRR de S.S. Rajamouli. En 2026, et tandis que le blockbuster hollywoodien perd de se splendeur (c'est un euphémisme), il compte définitivement asseoir sa supériorité avec un projet titanesque ayant coûté plus de quatre cent vingt millions de dollars. Pari réussi ?

S'il y a un point que l'on ne peut reprocher au cinéma indien, c'est sa générosité. Et Ramayana ne fait pas exception. Dès les premières minutes, il lâche les éléphants, volants qui plus est, au cœur d'une bataille dantesque entre devas (dieux) et asuras (démons), sur une montagne enneigée qui n'est pas sans rappeler le Seigneur des Anneaux. C'est impressionnant, épique. Et le spectateur n'a encore rien vu. Le film est une succession de moments de bravoure variant les styles (à l'arc contre une armée, en duel), les terrains (dans la forêt voltigeant sur des tronc, dans les airs sur une plate forme volante) sans jamais perdre en saveur, bien épicée évidemment. Une action ébouriffante, aux chorégraphies complexes et travaillées, sans jamais perdre en lisibilité.


© 2026 Sony Pictures Entertainment France SAS. All Rights Reserved.

La mise en scène globale n'a pas son pareil et (sur)iconise en permanence ses personnages et leurs instants d'émotion. Autant dire que si vous êtes allergiques aux ralentis poseurs, prévoyez des antihistaminiques. Mais elle met également en valeur les superbes costumes et les décors, qu'ils soient réels ou numériques. Si les effets spéciaux ne sont d'ailleurs pas toujours irréprochables, il sont d'une telle ampleur et omniprésence qu'on le pardonne très facilement. D'autant plus lorsqu'ils se marient bien avec ce monde qui assume sa dimension fantastique et ses couleurs pétantes. Une exubérance encore accentuée par la musique de Hans Zimmer et A. R. Rahman, à coups de percussions, de violons grandiloquents et de chœurs qui retentissent toutes les cinq minutes.

Cela dit, malgré une forme en accord avec l'image que l'on peut avoir du cinéma indien, on sent qu'un effort a été entrepris afin que les Occidentaux ne se sentent pas lésés. La mythologie est expliquée dès l'introduction et, bien qu'elle dépeigne un grand nombre de personnages, est assez claire. On a bien la présence de chansons, gimmick récurrent, mais elles restent extradiégétiques, retirant l'aspect comédie musicale. Et sans doute dans une volonté de toucher un large public, le métrage à beau entasser les cadavres (littéralement), on trouve très peu de sang et de violence.


© 2026 Sony Pictures Entertainment France SAS. All Rights Reserved.

En revanche, si en terme de spectacle, Ramayana est assez irréprochable, on ne peut en dire autant de son scénario assez simple, peut-être bloqué dans son trop grand respect des écrits qu'il adapte. Son protagoniste, réincarnation du dieu Vishnou et incarnation du dharma (un code de conduite), est parfait. Il est beau, bon, honorable, prend toujours les bonnes décisions. Bref, en termes cinématographiques, il est lisse. Son frère Lakshman, par son humour et sa loyauté sans faille envers son aîné, se révèle bien plus intéressant et, là réside un vrai souci, beaucoup plus charismatique. Il est possible de voir en sous-texte que ce chemin de vertu est justement ce qui provoque nombre des mésaventures, mais cela ne semble être jamais remis en question. Il en est de même pour sa femme Sita, présentée comme une excellente guerrière, réduite à la bonne épouse en détresse. Heureusement que l'on peut compter sur les antagonistes pour davantage de nuances.

Le métrage souffre également de quelques longueurs évitables, certaines scènes voire personnages étant superflus.
Mais ce ne sont que quelques maigres défauts face au spectacle proposé. Oubliez Hollywood : le renouveau du blockbuster est en Orient. Le roi est mort, vive le roi !

Festival européen du film court de Brest 2026 : cérémonie ouverture

Séraphin Degroote-Ferreira — 2026-11-09T20:24:47Z

News : En plein ère de la mise au vert, il est devenu courant de penser qu'en s'éloignant de la vie citadine et de son brouhaha pour une vie plus « simple » à la campagne : cela effacerait toutes les névroses et autres idées noires. Des fois cela marche, d'autres fois beaucoup moins.

Dans cette sélection de 11 courts-métrages aussi drôles que émouvants, la nature accueille des couples, des amis et une famille en quête de soi, en réparation émotionnelle ou en tentative de relaxation.

Trois films ont attiré notre attention. La cure thermale de Joséphine Ha, Dammen de Grégoire Graesslin et Turisti de Maria Kravolič.

LA CURE THERMALE :

Juliette a vingt-cinq ans, beaucoup d'incertitudes, et le cœur brisé. Sans lieux où dormir, elle récupère un vieux coffret bien-être et atterri dans une cure thermale pour les prochaines quarante-huit heures.

Ce qu'on peut affirmer, c'est que Margot Delabouglise et Mathieu Alexandre forment un duo divinement efficace. Ils se complètent si bien grâce à l'écriture de la réalisatrice qui a construit deux personnifications de la dépression.

Dans cet espace de bien-être se dessine une réflexion sur la souffrance psychique. Quand les repères affectifs et matériels s'évaporent, le monde peut devenir étranger, presque inhabitable. La cure thermale offrirait un espace de rupture où le corps, les sensations et le temps reprennent place. Le film dépasse l'image de la nature salvatrice. La nature comme concept individuel n'apporte pas grand-chose. Le contraste entre le confort du lieu et la précarité de Juliette souligne les limites d'une société qui individualise le mal-être et les solutions pour y remédier.

La nature pour Juliette devient bénéfique lorsqu'elle fait une rencontre qui démarre en confrontation et progresse vers une relation saine et épanouissante. La nature est d'autant plus magique lorsqu'elle est parcourue par le collectivisme et l'entraide. Sa rencontre avec Mathieu va lui rappeler son appartenance au monde.

DAMMEN :

Deux jeunes femmes profitent des abords sauvages d'un lac isolé. Il fait beau et chaud.

La nature est un plan fixe. C'est en immobilisant sa caméra que le cinéaste suspend le mouvement habituel du récit et laisse au paysage le temps d'exister pour lui-même. La nature est une présence avant d'être un décor. Une présence dévorante. Elle engloutit la chair et le temps.

C'est un choix formel qui se joue de notre manière de regarder. C'est un film qui pousse à la patience. Il faut apprendre à observer, à percevoir les variations infimes du paysage et à accepter que rien ne se produise selon nos attentes. Immobilité de la caméra ne signifie pas inexistence de mouvement. Cette immobilité révèle les gestes discrets du monde vivant. En renonçant à maîtriser le cadre par le mouvement, le cinéaste nous laisse reconnaître qu'on trouve une forme d'autonomie dans le monde qu'il capte.

Choix esthétique ludique, il constitue une façon de résister à l'impatience du regard humain et de rendre à la nature son propre rythme.

TURISTI :

Pour Hana et Kornel, une banale excursion de travail vire soudain à la lutte pour la survie. Dans une forêt isolée, loin de la civilisation, ils vont devoir affronter les éléments mais également le terrain fragile d'une relation figée dans l'habitude.

La forêt de Maria Kralovič est un lieu où vacille l'ordre conjugal. Kornel, charge de tracer le chemin, se retrouve incapable de le retrouver. À mesure que les sentiers disparaissent, l'autorité masculine se fissure.

La forêt échappe au contrôle humain. Elle brouille les itinéraires et impose son rythme. Dans cet espace où les conventions sociales perdent de leur emprise, Hana peut s'affranchir de la place qui lui était assignée. La nature lui permet une nouvelle existence.

Dans le renversement se fait une émancipation féminine. En se perdant dans la forêt, elle a enfin le choix du chemin qu'elle veut emprunter. La forêt ouvre une brèche dans l'ordre établi. Elle rend possible toute désobéissance.

Voir en ligne : Le site du Festival

Rencontre avec Salomée Stévenin : « Nous avons besoin de retomber amoureux du monde »

Nicolas Colle — 2026-11-09T20:12:39Z

Elle avait disparu des plateaux depuis dix ans. On craignait de ne plus la revoir au cinéma. Nos craintes se dissipent aujourd'hui et notre soulagement n'est pas feint. Car Salomée Stévenin nous revient sous un nouveau jour, comme une renaissance. Nous la redécouvrons en tant que cinéaste poétique et engagée avec son premier documentaire, Nos âmes libres, distribué en salles le 5 novembre 2026. Rencontre avec une artiste solaire, sensible, amoureuse de la vie, de la terre, de la mer, du vivant en général.

Qu'est-ce qui a motivé ce projet de film tourné au long cours ?

L'élément déclencheur, c'est le regard d'un dauphin dans un lieu de captivité, qui m'a fait prendre conscience de l'absurdité et de l'ignominie de son enfermement. Je savais que je voulais faire quelque chose pour contribuer à mettre fin à cette captivité, tant elle me semblait injuste et cruelle. Mais je ne savais pas encore quoi faire. Au début, je voulais couper les filets (rires) ! Mais j'aurais fini dans une prison japonaise, car d'autres l'avaient fait avant moi et rien n'avait changé. J'ai aussi pensé à m'engager chez Greenpeace ou à écrire aux responsables politiques. Alors je me suis interrogée, j'ai creusé mon sujet et, à force d'observer les personnes que je rencontrais, mon amour du cinéma m'a rattrapée. J'ai ressenti le désir de les filmer, de témoigner de tout cela.

Vous avez toujours rêvé de raconter vos histoires ?

J'ai commencé à filmer vers treize ans, avec mes premiers défraiements sur le film Love Me de Laetitia Masson. Je me suis acheté un caméscope. Je me sentais moins seule lorsque je filmais. Alors j'ai filmé, y compris pendant mes voyages au cours desquels j'ai également beaucoup dessiné. Il n'y a donc pas eu de véritable moment déclencheur : cette envie m'accompagne depuis toujours.

D'où vous vient ce goût du voyage, de la mer et de l'humanité en général ?

J'ai toujours rêvé de parcourir le monde. Je me suis autorisée à répondre à cet appel de la mer et à me tourner vers ce qui m'animait profondément : découvrir le monde.
Depuis mon enfance, c'était le cinéma qui décidait. C'était une forme de voyage, mais sur un plateau, j'accompagnais mon père en tournage. Et là, j'ai osé partir sans tourner, simplement pour moi-même. Cela me faisait peur, mais j'en avais envie. C'était plus authentique, plus réel. C'est très différent d'un tournage, où ce qui nous entoure devient un décor. Là, je me sentais ancrée dans un rapport au monde plus authentique, simple, beau, fort.
J'avais besoin de perdre mes repères, de ne pas parler les langues, de sortir de ma zone de confort. C'est pour cela que je suis partie. Et j'ai toujours cette soif de découvrir le monde. J'adorerais continuer à réaliser des documentaires, des portraits. L'humain me plaît, me fascine.
Dans ce film, j'avais aussi envie de rendre hommage à ces personnages, sans en faire des portraits moralisateurs. Paradoxalement, je peux être outrée par les abattoirs tout en aimant les personnes qui y travaillent. Cela peut paraître contradictoire, mais je voulais faire quelque chose de cette bienveillance. Je tombe facilement amoureuse de ce que je vois. Mon film pose un regard plein d'amour et d'empathie sur le monde. Nous avons besoin de retomber amoureux du monde.

Que ressentez-vous lorsque vous quittez la France pour parcourir le monde ? Et, à l'inverse, lorsque vous rentrez en France et quittez le monde ?

Je prends conscience que le monde me manque presque davantage que la France. Ma mère, ma famille, mes proches, je les ai en moi : ils m'accompagnent. Et inversement, les Mexicains, les Mayas, je les ai aussi à l'intérieur de moi.
J'aime cet état du départ, cette sensation d'être toujours sur le point de partir. Et j'aime aussi rentrer chez moi. Il y a souvent des ailleurs qui m'attirent, que je fantasme un peu. Et pourtant, je suis sincèrement bien ici, à Paris, à échanger avec vous. Je ne suis pas quelqu'un de malheureux qui aurait besoin de partir pour fuir. Je pars parce que cela me fait du bien, parce que cela m'emporte.

Comment avez-vous tourné ces superbes scènes sous-marines ?

Sur le plan technique, j'ai rencontré Guillaume Néry, l'un des champions du monde d'apnée, pour lui proposer le film. Avec Julie Gautier, ils ont réalisé plusieurs films sous-marins que j'avais vus et beaucoup aimés.
Pour plonger, Guillaume m'a conseillé d'aller au Japon, où je devais d'ailleurs me rendre pour filmer le massacre des dauphins dans la baie de Taiji. Nous étions trois sur le bateau : Julie, son appareil photo, Guillaume et moi. On ne pouvait rien prévoir. Julie m'avait donc demandé quels plans je souhaitais, ce que j'attendais. Nous n'avons pas réalisé de storyboard avec des dauphins, mais j'ai dessiné les plans dont je rêvais.
Beaucoup d'images de mon enfance me revenaient : des dessins animés, des films que j'avais vus sur les sous-marins… Nous avons tourné pendant deux jours. Ce qui est assez incroyable, c'est qu'un des plans correspond exactement à ce dont je rêvais lorsque j'étais enfant. Il ne dure que deux secondes ! J'ai essayé de le ralentir, d'étirer le temps, mais nous avons réussi à capter cet instant et les dauphins sont arrivés au bon moment. C'est de la pure magie.
Les images sous-marines ont également été réalisées par René Heuzey, un grand chef opérateur sous-marin qui a notamment travaillé sur Océans de Jacques Perrin. Pascal Laurent est aussi venu quelques jours pour filmer les dauphins à Marineland. Nous avons enfin utilisé des images de chefs opérateurs que nous n'avions pas tournées nous-mêmes, mais qui provenaient de banques d'images et s'intégraient parfaitement au film.
Nos âmes libres est finalement le fruit de nombreuses rencontres que j'ai faites dans l'espoir de le réaliser. Et, un jour, tout s'est matérialisé. Nous avons eu deux jours pour concrétiser toutes ces années de maturation.


© 2026 Bureau Films, Atlantique Films. Tous droits réservés.

L'arrivée de votre producteur, Bertrand Faivre, a-t-elle été décisive dans le processus du film ?

J'ai filmé beaucoup de choses de mon côté. Puis, lorsque j'ai eu la volonté d'en faire un film, j'ai dû trouver un producteur pour m'accompagner, notamment dans la postproduction. J'ai rencontré Bertrand en 2019 et nous avons commencé le montage en 2023. J'avais accumulé quatre cents heures de rushes et douze années de voyages. Il y a eu énormément de versions préalables : certaines dans lesquelles je n'existais pas, où il n'était question que des animaux ; d'autres plus violentes, d'autres encore plus contemplatives. C'est avec Bertrand que j'ai pu oser. Je me suis sentie soutenue par un producteur et une monteuse qui m'ont permis d'oser mettre des mots sur ce que je rêvais d'écrire et de dire. J'en avais peur, mais, avec le temps et la confiance, j'ai fini par me lancer. C'est en commençant à intégrer ma voix, mes questionnements intérieurs qui accompagnent les images, que le film a véritablement pris son envol.

Justement, votre voix off est à la fois très poétique et mélancolique. Quel est votre lien à la poésie ?

J'ai toujours été amoureuse de Rimbaud et de Baudelaire. Pour cette voix off, j'ai essayé de rester reliée à chaque émotion que j'avais ressentie en mer. J'ai pu le faire en toute confiance avec le preneur de son, qui a enregistré cela assez rapidement, mais que je connais depuis vingt-cinq ans. Il y avait entre nous une estime et une confiance immenses. Il n'y avait donc pas de volonté de mise en scène, de fabriquer de belles images accompagnées d'une voix plus grave. Rien n'était joué. J'ai fait les choses à partir de ce que j'avais ressenti et vécu.
En revanche, l'écriture a demandé des mois de travail, jusqu'au mixage. C'est une chose d'écrire un texte, mais il faut ensuite qu'il se marie avec les images, le rythme, la musique, le mouvement des dauphins. Je ne voulais pas parler sous l'eau, sauf à un moment, face à la baleine. Je ne souhaitais pas de voix humaine lorsque je suis immergée. Sous l'eau, je voulais que ce soit comme un ballet, avec une musique à la Wong Kar-wai. C'est féérique pour moi, cette idée de ballet sous marin. J'avais l'impression de ramener à terre quelque chose de mental. Il n'y avait donc pas besoin de texte pour être au plus près de la sensation ressentie sur le moment.
On sent ce qui est juste dans l'écriture, puis dans le montage de la bande-son. Cela demande une grande honnêteté sur la durée, et le temps a été précieux dans ce processus. J'ai besoin d'écrire beaucoup pour ensuite réduire un peu la voilure. Et j'avais aussi l'oreille de Bertrand, un homme très sensible à la littérature, qui portait un regard attentif sur mon travail. Ses retours étaient très précieux.

Que ressentez-vous lorsque vous plongez ?

C'est un retour à soi. C'est un révélateur de vérité. La plongée révèle complètement les émotions dans lesquelles on se trouve. Et pourtant, nous ne sommes pas dans notre élément naturel. Encore que nous avons tout de même passé neuf mois dans le ventre de notre mère, où nous étions très bien !
Les ancêtres des humains et des dauphins avaient un lien commun avec le milieu marin. À un moment donné, une partie de cette lignée est retournée vivre dans la mer, tandis que l'autre est restée sur terre. Nous avons donc des origines communes.
Au contact de l'eau, notre rythme cardiaque s'apaise et les réflexes d'apnée se développent très rapidement. Nous ne sommes donc pas dans notre élément et, en même temps, la mer nous accueille très bien, à condition de savoir comment l'aborder. Elle nous apprend l'humilité et la vulnérabilité.

Ce n'est pas seulement un film sur la mer. Vous partez en quête du monde. Pourtant, tous ces territoires participent d'une même voix à raconter une seule histoire…

La mer, l'Inde, le Mexique… Ce sont autant d'ailleurs où je me sens libre, où j'ai l'impression de pouvoir être tout ce que je ne suis pas ici. Le Mexique est un pays guérisseur pour moi. Je ne me l'explique pas, c'est quelque chose qui est dans mon cœur.
Ce sont des gens sensibles à la magie. Le mental ne prend pas autant de place que chez nous, Occidentaux, qui avons détruit notre lien à la terre et à la mer. Au Mexique, il y a une tendresse, une douceur qui me nourrissent. Chaque endroit de la Terre m'apporte quelque chose de différent. C'est ainsi que je le ressens.

Ce film n'est-il pas aussi une façon de faire le deuil de votre père ?

Je ne sais pas vraiment ce que cela signifie que de faire son deuil. Mon père est effectivement très présent dans ce film, mais il l'est aussi dans ma vie. Disons que ce film était également une manière de parler sa langue, pour qu'il puisse m'entendre. Le cinéma était sa langue. Mais je n'ai pas besoin du cinéma pour être en lien avec lui. Cela me semblait simplement naturel que, dans cette évolution, dans cette métamorphose de l'humain, les parents apparaissent nécessairement. Ma mère, qui ne vient pas du cinéma, est elle aussi à l'écran, tout comme mes ancêtres.


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En quoi la naissance de votre fille était-elle la conclusion parfaite à ce voyage ?

Cela correspond à ces quinze années de transformation de mon regard sur le monde. Au départ, il y avait un sujet autour du sauvetage des dauphins, puis le cheminement m'a conduite vers moi-même, à soigner mes blessures, à faire la paix avec mes propres parents, puis à protéger la Terre.
Mon regard s'est donc naturellement posé sur les enfants, qui ont commencé à m'intéresser davantage. Auparavant, ils faisaient un peu partie du décor. Cela participe à l'évolution de mon regard. En m'intéressant aux dauphins, je me suis intéressée encore davantage aux humains, puis aux enfants. Comme je le partage dans le film, cette réflexion autour de l'enfance trouve son aboutissement avec l'arrivée de ma fille. C'est la transmission de la vie.
J'ai aussi ressenti un lien maternel extrêmement fort entre la baleine et son baleineau, qui conclut le long métrage. On prend conscience de la puissance de ce lien sous l'eau. C'est dommage que notre société méprise, brutalise et détruise ce lien, qui n'exclut pourtant en rien les hommes. C'est ce que j'ai ressenti en les observant. Qu'il s'agisse de ma fille ou des animaux, il y a cette sensation d'unité très forte que j'ai pu éprouver dans ma vie. Je suis heureuse de l'avoir ressentie et j'avais envie de la transmettre. Et si cela se trouve, je ne ferai pas d'autres films. Alors, s'il y a une chose à dire, si ma fille peut avoir envie de transmettre quelque chose à son tour, j'aimerais qu'elle garde cela en elle pour toujours.

Vous avez été absente des plateaux de cinéma en tant qu'actrice pendant dix ans… et vous nous avez manqué ! Qu'avez-vous fait au cours de ces dix dernières années ?

J'ai voyagé, j'ai tourné, j'ai monté et j'ai élevé ma fille. Mon retrait des plateaux n'est pas un choix personnel, c'est simplement la vie. Je ne passais plus de castings. J'intéressais moins les gens, ou plus du tout. Je n'ai pas la réponse. J'ai eu envie d'autre chose que d'attendre qu'on m'appelle. D'autant plus que, depuis l'enfance, j'étais dans le cinéma. Il était temps de m'autoriser à vivre autre chose.
Je me souviens être revenue du Népal pour passer un casting dans un bureau de production. J'avais un véritable désir de rencontre avec un réalisateur, avec des partenaires. Ce désir de rencontre ne s'est jamais arrêté, mais il a pris d'autres formes, qui ne passent pas nécessairement par le cinéma.
Il y a parfois des traversées du désert, puis les choses reviennent. Mais je n'ai jamais eu la volonté de m'en aller. Je me souviens simplement ne plus avoir envie d'attendre. Laisser les autres décider de ma vie, ce n'est pas pour moi.
Alors, si je ne tourne pas, si je ne suis pas comédienne, qu'est-ce que j'aime d'autre ? J'ai fait de la plongée sous-marine, je suis devenue instructrice de plongée, je me suis formée au massage, j'ai peint et j'ai créé une association pour soutenir des familles dans le sud du Mexique et en Inde.
J'ai ouvert mon regard sur le monde. Je me dis qu'une porte qui se ferme est peut-être une fenêtre qui s'ouvre. Et, franchement, j'ignore si le cinéma m'a fermé la porte ou si la vie m'a protégée, d'une certaine manière, et incitée à découvrir autre chose, à aller voir ailleurs, à explorer. Cela ne signifie pas pour autant que je n'allais pas revenir.
En voyage, je me souviens m'être parfois demandé, jusque dans mes méditations en Thaïlande : est-ce qu'il faut que j'arrête ou que je revienne à Paris pour trouver un agent, un attaché de presse, retourner au théâtre ? Ou est-ce que je continue mon exploration ? Et puis je me suis dit qu'il fallait arrêter de choisir entre le cinéma et le monde.
Ce n'est pas si simple de tout réunifier, mais je n'aime pas les étiquettes. Je n'avais pas envie d'être seulement une actrice, et peut-être que le cinéma l'a mal pris. J'aimerais pouvoir tout faire : être un jour actrice dans un film d'époque, le lendemain pieds nus sur une plage à l'autre bout du monde, et un autre jour simplement maman avec mon enfant.
Je ne veux pas être réduite à ces étiquettes : actrice, fille de… Toutes ces catégories qui nous enferment et dont j'avais envie de sortir pour explorer davantage. Je ne tourne le dos à rien. J'ai simplement envie de tout voir.

Quels sont vos plus beaux souvenirs d'actrice ?

J'ai une immense tendresse pour des cinéastes comme Antony Cordier et Philippe de Broca. J'ai eu la chance d'être accompagnée par des réalisateurs humains et protecteurs. On avait le droit de se parler, il y avait une entente, de la complicité, de la tendresse, même si certains moments étaient parfois difficiles pour se trouver.
Ayant connu cela, j'adorerais le revivre. Je ne sais pas si c'est encore possible. C'est comme les amours de toute une vie : va-t-on retomber amoureux ? Est-ce que de telles complicités, dans le cadre du travail, peuvent encore exister ?
J'ai retrouvé cette complicité à de nombreux moments avec mon producteur, même si nous n'avons évidemment pas été sur la même longueur d'onde tous les jours pendant ces trois années. Mais c'était un véritable coéquipier. Je retrouve aussi cette confiance dans la mer, dans l'apnée, dans ces amitiés profondes. Cela donne tous les courages, comme le dit Anouk Grinberg.

Que pouvez-vous nous dire sur l'association que vous avez créée ?

Elle s'appelle « Les Merveilles du monde ». Elle est née au Mexique, en 2015, parce que j'avais envie de soutenir les familles et les enfants que j'ai rencontrés là-bas. Je réalise des dessins avec eux, j'organise des ateliers. Une amie apnéiste leur a également montré des requins et des vidéos. J'essaie de les soutenir en vendant leur artisanat en France, car ce sont de grands artisans. Ils réalisent des tissages, des peintures, des bracelets, des vêtements… Au milieu du désert ou des montagnes, ils créent des choses inimaginables.
Je suis tombée amoureuse de leurs visages, de ces tisserands, de ces couleurs. Je me suis dit : plutôt que d'acheter un bracelet pour moi ou pour ma mère, autant en acheter plusieurs pour leur permettre de financer un passeport, d'enterrer un proche ou de se rendre à l'hôpital. Ce sont encore des actions embryonnaires, car je ne suis pas suffisamment présente sur place. Je devrais l'être davantage pour créer ces ponts.
En Inde du Sud, l'association soutient les enfants de pêcheurs, qui apprennent désormais d'autres métiers. Un ami a créé une école dans son jardin, qui accueille cent cinquante enfants pour du soutien scolaire, avec quatre professeurs. Il faut de l'argent, alors nous faisons des dons pour soutenir cette initiative et leur permettre d'accéder à une éducation qu'ils n'avaient pas auparavant. Jusqu'ici, ils apprenaient essentiellement la pêche et tout ce qui concerne la mer. Cela suffisait, mais aujourd'hui, ils doivent pouvoir envisager autre chose, car les pêcheurs meurent littéralement de faim.
J'aimerais faire grandir cette association, tout en faisant attention à préserver les liens et à ce que les échanges restent mutuels. Ce sont des personnes que j'estime énormément et dont j'apprends beaucoup.
Je ne veux surtout pas être cette gentille Blanche coloniale qui vient se donner bonne conscience. Cela peut arriver, même avec les meilleures intentions du monde. Mais, pour moi, ce sont mes amis, ma famille, pas des indigènes. Il suffit de voir leurs bibliothèques et toutes les sagesses, toutes les connaissances infinies qu'elles renferment. Je tiens à ce que le lien demeure profondément humain et horizontal.

Vous souhaitez faire grandir votre fille en lui faisant découvrir le monde ?

J'aimerais pouvoir l'élever ainsi, mais l'instruction en famille est devenue complexe en France. En Allemagne, au Québec et dans d'autres endroits du monde, c'est possible. Ici, il faut obtenir une autorisation, qui est largement refusée depuis qu'Emmanuel Macron est président. Si tu n'es pas commerçant, saisonnier, obligé de partir la moitié de l'année dans un autre pays, ou si tu n'es pas acteur, ton projet ne rentre pas dans les cases. Mais j'aimerais pouvoir le faire, car j'ai eu mon enfant avec l'envie de l'éduquer dans le monde, plutôt que de simplement la mettre à l'école et l'emmener au parc. Je souhaite que cela puisse continuer à se faire. Le voyage fait partie de ma vie, de mon métier, de mon identité. C'est ce que je souhaitais transmettre à ma fille.

Pourquoi ce titre : Nos âmes libres ?

Pendant de nombreuses années, le titre était simplement Libres. Mais je voulais qu'il y ait aussi cette notion d'âme. J'avais envie de réunir ces deux aspirations : la liberté des dauphins et la nôtre. C'est une prière, un espoir.

Et enfin, que retenez-vous de cette grande aventure de cinéma, de voyage et de vie ?

Cela m'incite à penser qu'il faut continuer à croire très fort en ses rêves et ne pas les abandonner. Il est des rêves qui nous choisissent. Même lorsqu'ils nous mettent dans des situations inconfortables, comme cela a été le cas pour moi avec les dauphins, lorsqu'ils sont venus vers moi et ont transformé ma vie. Dans toute transformation, on perd ses zones de confort et ses habitudes. On est obligé de se dépasser. Et j'adore tous ces changements, cette métamorphose qui continue. Rien ne s'arrête avec le film. J'ai envie de continuer à explorer le monde qu'ils m'ont ouvert, celui qui m'a inspirée et m'a fait grandir.

Propos recueillis par Nicolas Colle

Les horizons disparus - Julien Elie - critique

Laurent Cambon — 2026-11-09T19:29:34Z

Critique : Le contraste est saisissant. D'un côté, des images non moins superbes de gigantesques installations destinées à construire des fusées ; de l'autre, des paysages quasi désertiques, où les oiseaux et les poissons manquent à l'appel. C'est précisément dans ce paradoxe que le documentariste canadien Julien Elie inscrit son propos, en s'intéressant à la société SpaceX, qui construit, pour le seul Elon Musk, les engins destinés à réaliser son rêve de conquête spatiale. En effet, l'appétit des humains pour la conquête des étoiles se heurte à la dégradation de leur propre planète, qui recèle pourtant mille et une merveilles.

Les horizons perdus est donc un documentaire militant, mais qui évite les excès et les tics du genre. Le cinéaste laisse aux spectateurs le soin de se forger leur propre opinion sur cette course sans limites vers un au-delà de soi, tandis que la planète Terre se désertifie et agonise. Il nous offre des images d'une grande beauté, dans un noir et blanc expressif, qu'il s'agisse de filmer les installations de SpaceX ou les paysages dévastés. Les personnages, encore convaincus qu'il reste un monde à sauver sur Terre, sont magnifiquement filmés, tout comme les hordes de touristes venues assister aux tentatives de décollage, souvent ratées, des fusées.


Copyright ED Distribution

À ce titre, l'affiche illustre parfaitement le propos de Julien Elie. Un héron marche dans un morceau de mer, tandis qu'à l'arrière-plan, une fusée décolle dans un terrible nuage de fumée, synonyme de pollution. Le cinéaste de Soleil noir nous invite ainsi à réfléchir au monde qui nous entoure. Le contraste entre le rêve fou de Musk et les deux pêcheurs qui ouvrent le film est absolument saisissant. Le manque de poissons est criant, et les pêcheurs dénoncent également la disparition des oiseaux, conséquence de l'emprise de SpaceX sur les marais.


Copyright ED Distribution

Les horizons perdus n'a rien d'un film écologiste criard. Julien Elie déploie un ensemble d'images d'une grande beauté pour échapper justement à la facilité de la dénonciation gratuite. Les deux discours opposés se font entendre, et le cinéaste canadien ne cherche à étouffer aucune parole. Pour autant, l'enjeu demeure la survie de la planète. C'est bien d'aller explorer l'espace, mais il est encore plus important de prendre soin de ce qui reste de notre flore et de notre faune terrestres.

Le titre français du film est très beau, à l'image de l'ensemble du documentaire. Il suggère une vision profondément mélancolique du monde, voire romantique, qui confère à l'œuvre une dimension intemporelle. Chacun est ainsi amené à s'interroger sur la notion de progrès, à l'heure où l'intelligence artificielle menace de faire disparaître des milliers de postes et de métiers. Julien Elie entraîne le spectateur dans une réflexion sur le sens de la vie, lorsque l'humanité ne parvient plus à se satisfaire de ce qu'elle possède ici-bas. On tient là un grand film, qui ne devrait laisser personne indifférent.

Tu ne jugeras point - Sabrina Nouchi - critique

Laurent Cambon — 2026-11-09T19:12:45Z

Critique : La question des violences sexuelles commises sur les enfants est peut-être rarement abordée du point de vue des auteurs. C'est le parti pris courageux de Sabrina Nouchi que de mettre en scène un groupe d'hommes, tous pédophiles, hébergés dans un village isolé par une association qui s'est donné pour mission de prévenir les crimes sexuels en prenant en charge les criminels eux-mêmes. La réalisatrice, qui produit ses films depuis des années avec une détermination admirable, choisit donc de mettre en scène des hommes plutôt bien faits de leur personne, comme pour souligner que la pédophilie ne se limite à aucun groupe social particulier. Elle dépasse ainsi le stéréotype du délinquant sexuel que l'on pourrait reconnaître dans la rue à ses traits pervers et à son apparence physiquement marquée. Ici, c'est tout le contraire. Ils ressemblent presque à une bande joyeuse de copains qui rigolent ensemble, réparent des voitures et regardent des matchs de foot, dans une ambiance virile tout à fait ordinaire. La réalité de leurs crimes apparaît au cours des groupes de parole, où une psychologue tente de les amener à verbaliser leur vécu de délinquants sexuels.

On reconnaît dans le titre la célèbre formule tirée de l'Évangile. Car le nœud gordien de cette histoire réside dans l'incompréhension des villageois, qui craignent pour la sécurité de leurs enfants. Les stéréotypes abondent du côté des habitants, incapables de reconnaître chez ces hommes la capacité de se responsabiliser et de renoncer à leurs penchants sexuels. En même temps, si l'on s'en tient à l'actualité, le sujet est délicat et les craintes des habitants semblent légitimes. Mais la responsable du lieu de vie, malgré les pressions, tient à mener à bien la mission qu'elle s'est donnée. Elle se retrouve ainsi confrontée à la police, mais aussi à ses propres limites en matière de tolérance.


Copyright Les Enfants Terribles et les Affranchis Production

Tu ne jugeras point est, comme tous les films de Sabrina Nouchi, une œuvre engagée et honnête. Mais le scénario ne parvient pas à échapper à certains excès, notamment dans les dialogues, souvent spectaculaires. Ainsi, on se croirait moins au cinéma que sur une scène de théâtre, où les comédiens donneraient libre cours à toutes leurs émotions. Le propos manque généralement de vraisemblance et, notamment, le choix des interprètes, tous beaux gosses, manque de crédibilité. Ainsi, tous les efforts de la réalisatrice pour donner la parole à des exclus sont mis à mal par cette surenchère mélodramatique.


Copyright Les Enfants Terribles et les Affranchis Production

La réalisatrice ne parvient pas véritablement à masquer le manque de moyens. La scène, par exemple, de la recherche d'un enfant disparu, filmée par drone et avec moins de quinze figurants, ne convainc pas du tout. Le montage, lui-même très classique, ne contribue guère à donner une véritable dimension cinématographique à cette histoire, qui serait d'ailleurs sans doute plus adaptée au petit écran.

Bref, voilà un film qui a des idées et manifeste une volonté évidente d'aborder les violences sexuelles et intrafamiliales autrement que du seul point de vue des victimes. Pour autant, Sabrina Nouchi ne cautionne jamais les actes graves commis sur des enfants. Elle choisit d'aborder le sujet à travers le regard des auteurs qui, en l'occurrence, sont des hommes ayant décidé de prendre en charge leur problématique sexuelle. À travers ses personnages, elle rappelle que le visionnage de films pédopornographiques constitue un délit grave, tout comme le passage à l'acte sur un enfant ou le fait d'éprouver des sentiments amoureux pour un mineur de moins de quinze ans et trois mois. Elle donne ainsi à voir toute la diversité des situations liées à la pédophilie, sans jamais, et heureusement, tomber dans l'obscénité.

Leviticus - Adrian Chiarella - critique

Laurent Cambon — 2026-11-08T21:08:06Z

LA CRITIQUE CONTRE

Critique : On pourrait penser en 2026 que l'homosexualité est totalement acceptée, dans tous les milieux sociaux. Et pourtant, partout dans le monde, persistent de petits groupuscules extrémistes convaincus que l'homosexualité est une maladie que l'on pourrait guérir à l'aide d'étranges thérapies de conversion. L'histoire se passe dans une toute petite ville australienne, où le jeune héros Naïm tombe amoureux d'un élève de sa classe, Ryan. Mais cette idylle est très vite mise à l'épreuve par un groupe religieux arc-bouté sur des convictions radicales, qui n'hésite pas à faire appel à une sorte d'obscur exorciste. Celui-ci promet aux parents de faire disparaître le désir homosexuel de leurs enfants, mais réveille en réalité une entité violente, qui prend possession du corps de la personne désirée.

Leviticus n'est pas un film moraliste. Au contraire, le récit dénonce avec force la montée des radicalités religieuses qui continuent, à travers le monde, d'exclure voire de condamner à mort des personnes homosexuelles. Cette entité diabolique devient finalement un repoussoir destiné à détourner les jeunes amants de leur désir. Le récit aurait certes pu mettre en scène de jeunes héros hétérosexuels, mais le choix du réalisateur d'aborder la question des minorités sexuelles se révèle particulièrement ingénieux. On pense, dans une certaine mesure, au remarquable film de Jordan Peele, Get Out, dans lequel un milieu bourgeois organise l'exploitation et le massacre de jeunes Noirs.

Leviticus ne se limite pas au registre du film militant. L'épouvante y est pleinement présente, incarnée par un monstre invisible qui s'insinue dans les esprits à travers des hallucinations visuelles et prend les traits de l'être aimé. L'angoisse naît de l'incertitude qui saisit le spectateur : l'amant ou l'amante qui implore une relation sexuelle ou amoureuse avec la personne désirée est-il sincère ou sous l'emprise de cette entité ? L'horreur tient surtout à la peur de l'autre et, en corollaire, à la froideur d'une communauté religieuse qui combat tout ce qui lui paraît anormal. La mise en scène n'abuse ni de l'hémoglobine ni des effets spéciaux. L'épouvante véritable réside dans la manière dont cette communauté repliée sur elle-même organise la souffrance de ses membres qui osent transgresser ses règles. Le harcèlement est dépeint avec minutie, sans jamais céder à la facilité démagogique ni au voyeurisme.

Le récit est très bien mené. Il ne souffre d'aucune lenteur. Le rythme haletant n'empêche pas la description d'une relation amoureuse entre deux adolescents, avec beaucoup de grâce. Le réalisateur aborde la tromperie, la déception amoureuse, mais aussi le coup de foudre qui rend aveugle. Les relations sensuelles entre les deux héros sont filmées avec beaucoup de délicatesse, sans jamais tomber dans l'exubérance ni la faute de goût. Les garçons ne sont pas présentés comme des modèles de beauté irrésistible, contrairement à ce que promeut parfois le cinéma gay, à l'exception peut-être du jeune Ryan, particulièrement rayonnant.

Avec Leviticus, Adrian Chiarella assume pleinement la dimension romantique de son film. Les couleurs et les lumières nourrissent une fiction qui se veut aussi effrayante que touchante. Le long-métrage rend hommage aux amours adolescentes, qui, on l'espère, ne seront pas toujours condamnées à la fuite, dans des espaces sociaux où l'altérité et le respect de la différence vont de soi. Adrian Chiarella aime ses acteurs, et cela se ressent dans une mise en scène tout en pudeur, à l'occasion de cette première sortie du film sur les écrans français.

Carrie au bal du diable - Brian De Palma - critique

Gérard Crespo — 2026-11-08T21:05:32Z

Critique : Carrie au bal du diable (1977) se situe dans la filmographie de Brian De Palma entre Obsession (1976) et Furie (1978). Ces trois longs métrages avaient été précédés de deux autres films culte, à savoir Sœurs de sang (1972) et Phantom of the Paradise (1974). Gros succès commercial à sa sortie, Carrie (comme les précédents) fut traité avec condescendance par certains critiques de l'époque, qui le réduisirent à un teen movie d'épouvante estimable mais racoleur. Ce n'est en fait qu'à partir du milieu des années 80 que De Palma fut réellement pris au sérieux avec une belle unanimité.
Carrie est tiré du best-seller éponyme écrit par Stephen King trois ans plus tôt, qui était son premier roman. Avec Shining de Kubrick, il s'agit de la meilleure adaptation au grand écran d'un ouvrage de l'écrivain. Si Hitchcock avait fait surgir l'horreur dans la seconde moitié de certaines de ses fictions (Psychose, Les oiseaux), De Palma retarde encore plus l'échéance, seul le dernier quart d'heure concentrant son lot d'hémoglobine et de terreur. La tension n'en est que plus palpable, à travers le récit du quotidien de Carrie White (Sissy Spacek), une lycéenne victime de ce que l'on ne nommait pas encore le harcèlement scolaire. Raillée par ses camarades alors qu'elle découvre ses premières règles sous une douche après un cours de sport, Carrie subit un ostracisme permanent, surtout de la part d'une bande de chipies qui cherche à lui nuire constamment. À son domicile, la situation est loin d'être de tout repos, la jeune fille étant persécutée par sa mère (Piper Laurie, effrayante), une bigote intégriste et folle qui voit Satan partout, et culpabilise sa fille à l'idée même d'être née d'un accouplement ! Aussi, quand Tommy Ross (William Katt), le beau gosse du bahut, lui propose d'être son cavalier pour le bal de fin d'année, Carrie, d'abord méfiante, se met à rêver d'être la « reine d'un soir » et accepte la proposition. Le récit est d'une redoutable efficacité, surtout lorsque des indices témoignent des pouvoirs de télékinésie de l'adolescente, qui vont amener le pire…
Carrie regorge de séquences inoubliables, des affrontements hystériques avec Mme White à une main surgissant de la terre dans la séquence finale, en passant par le complot organisé lors de l'élection du bal, dans la lignée de la scène de concert dans L'homme qui en savait trop. La musique lyrique de Pino Donagio ou le superbe montage de Paul Hirsch ne sont pas que des atouts artistiques et techniques et contribuent à l'harmonie d'un film qui est un modèle du genre, tout en révélant les névroses de la société américaine. En même temps, De Palma développe ses thèmes de prédilection, comme le chaos psychologique, tout en étant fidèle à ses figures de style telles que le split screen. Carrie au bal du Diable remporta le Grand Prix au Festival du film fantastique d'Avoriaz et Sissy Spacek fut nommée à l'Oscar de la meilleure actrice. Il s'agit du rôle le plus célèbre de cette antistar que l'on a pu également admirer dans La balade sauvage ou Trois femmes. Le film fut l'objet d'une médiocre suite, Carrie 2 : La haine (Katt Shea, Robert Mandel, 1999) et d'un remake anodin, Carrie : La vengeance (Kimberly Peirce, 2013).

Blow Out - Brian De Palma - critique

Fabrice Prieur — 2026-11-08T17:30:00Z

Critique : Brian De Palma, cinéaste cinéphile dont les films sont souvent comparés à ceux de son modèle Alfred Hitchcock, reste ici dans l'univers du maître (un homme ordinaire pris dans une aventure qui le dépasse). Mais il s'inspire aussi d'un autre grand cinéaste, l'Italien Michelangelo Antonioni, et plus particulièrement de Blow-Up (1966), dans lequel un photographe est le témoin involontaire d'un événement dramatique. De Palma remplace le « up » par le « out », et l'image par le son.

Jack, blasé par ce travail alimentaire, passe tout de même, par conscience professionnelle, une nuit près d'un plan d'eau pour capter des sons. Un accident de voiture, a priori banal, prend une tout autre tournure lorsqu'il lit la presse et réécoute ses enregistrements.

C'est l'occasion pour De Palma de nous montrer une même séquence sous plusieurs angles, offrant ainsi différents points de vue. Le récit, sans temps mort, qui ne manque pas d'une certaine naïveté matinée de roublardise, se suit tout de même sans ennui, malgré ce sentiment persistant de « déjà-vu », typique du cinéaste.

La fin, mélodramatique à souhait, confirme la tendance à la roublardise de l'entreprise.

Curieusement, John Travolta, alors en pleine ascension, ne semble pas plus concerné que cela, aussi blasé que son personnage !


Copyright Filmways Pictures/Cinema 77/Viscount Associates/Geria Productions

Soara et les Bâtisseurs Fantastiques T.5 - Hidenori Yamaji - la chronique Manga

Thibault Delacoure — 2026-11-08T14:11:51Z

Critique : Soara et les bâtisseurs fantastiques fait partie, comme le montre nos précédentes chroniques (celle du tome 1, du tome 2, du tome 3 et enfin du tome 4), de nos séries "chouchous" du moment ! Aussi attendons-nous chaque tome avec impatience mais, comme lorsque l'on tombe sur un framboisier, certaines questions demeurent : tomberons-nous sur des framboises qui ne sont pas encore mûres ou peut-être que nous en mangerons plus que de raison au risque de nous dégoûter ? Si nous ne nous pouvons nous prononcer pour les framboisiers, ce cinquième tome en tous les cas est un régal !

Nous avions vécu un flashback très plaisant dans le passé de Kilik dans le tome précédent. Son enfance, la reconnaissance de son don qui correspond à sa rencontre avec Léonidas, le Prince du Royaume des Nains et grand frère du futur acolyte de notre petit architecte, Nikolaus dit "Niko". Cette rencontre avait d'ailleurs été l'élément déclencheur du départ de Kilik vers la ville et surtout vers son destin ...

Ce cinquième tome marque un tournant plus sombre avec les précédents volumes. On y retrouve Kilik et Niko prêt à défendre la ville de Balkway contre l'invasion des humains mené par leur plus grand héros, Kagari qui est, soit dit en passant, le maître de Soara. Dire que tout est lié et que ces flashbacks seraient maniés avec génie par le mangaka serait un doux euphémisme et confirme qu'un bon flashback est bien mieux qu'un long discours. Afin de sauver son peuple, Kilik utilisera tout son génie ce qui l'amènera à comprendre que nos actes ne sont pas sans conséquences ... à l'image d'Oppenheimer, notre jeune nain va, dans l'adversité, découvrir ce qu'est réellement son destin, ou plutôt ce qu'il ne sera pas ...

Comme nous l'évoquions précédemment, ce cinquième tome poursuit sur les traces du quatrième tout en amenant une notre plus sombre, plus "mature" qui ne nous a pas déçu faisant même de ce tome notre préféré, pour le moment... Mais Hidenori Yamaji réussit à conserver cette note d'humour tout en relançant la machine de son intrigue posant de nouvelles pierres pour servir de base pour développer son histoire et cet univers si foisonnant, et plaisant, qui nous a séduit dès le premier tome.

Nous empruntons une nouvelle route à travers le domaine des monstres découvrant de nouvelles facettes de l'histoire de Soara et de ses fameux bâtisseurs, sans oublier l'intrigante Méli Mélo, retrouvant avec plaisir le dessin dynamique et rond de ce manga. Vivement la suite !

192 pages - 8,10 €

La révélation – Sylvain Loscos, Éloïse Héritier – la chronique BD

Florian Moine — 2026-11-08T14:09:54Z

Critique : La révélation que Sylvain Lescos a eue lorsqu'il a eu les résultats du test ADN, qu'il a réalisé davantage par amusement que par esprit de sérieux, a bousculée sa vie. Cet enseignant et réalisateur de cinéma est un jeune père tranquille ; né sous X, il a bénéficié de parents adoptifs aimants, et il n'a jamais véritablement cherché à interroger ses origines jusqu'alors. Mais la possibilité de connaître les membres de sa famille biologique provoque un véritable vertige, ainsi qu'un dilemme : faut-il chercher à prendre contact, ou bien laisser cette famille en paix ? Porté par son émotion, et en dépit de l'inquiétude de son épouse, le jeune père prend contact avec celui qui est son demi-frère – lequel a également fait le test –, et par son intermédiaire avec sa mère biologique.

À travers ce récit autobiographique (qui a également été racontée au journal Le Monde), c'est un véritable sujet de société que met en évidence La révélation. La question de la possibilité donnée aux enfants nés sous X de connaître leurs origines constitue en effet un sujet épineux dans la mesure où les mères biologiques n'éprouvent pas toujours l'envie d'être retrouvées (lorsque l'enfant est le produit de violences sexuelles, par exemple). Ce questionnement est au cœur d'un récit sobre et efficace, porté par le trait réaliste – et influencé par la ligne claire – d'Éloïse Héritier. Une jolie performance pour ce duo novice en bande dessinée.

120 pages – 22 €