aVoir-aLire.com

Dans ma bulle #765. Sarjakuva, l'année de la BD finlandaise en France, en compagnie de Kirsi Kinnumen.

La rédaction aVoir-aLire — 2026-07-20T12:53:29Z

"Réputée pour sa liberté formelle, son engagement thématique et la diversité de ses écritures graphiques, le 9e Art finlandais s'est imposé ces dernières années comme l'une des scènes les plus inventives d'Europe.

Avec près de 130 titres publiés en français depuis le début des années 2000, signés par une soixantaine d'auteurs et autrices et portés par une quarantaine d'éditeurs français, la Finlande est aujourd'hui un acteur majeur dans le paysage éditorial français.

L'Année de la bande dessinée finlandaise en France a pour ambition de faire découvrir cette création foisonnante, de favoriser les échanges entre artistes, professionnels et publics, et de renforcer les liens culturels entre la France et la Finlande.

Ce grand focus s'articulera autour de plusieurs temps forts, en partenariat avec des festivals et institutions culturelles de référence".

Rencontre avec Kirsi Kinnunen, conseillère culturelle pour la bande dessinée, traductrice et plaque tournante de la bande dessinée finlandaise, au micro de Fred Michel.

Un échange enregistré en juin 2026 à l'Institut finlandais, à Paris.

Sous le ciel de Kyoto - Akiko Ohku - critique

Laurent Cambon — 2026-07-16T19:32:52Z

Critique : Il y a des titres qui ne laissent jamais indifférents. La traduction internationale du nouveau film d'Akiko Ohru est particulièrement réussie, donnant dès le nom, la tonalité d'une œuvre où va se mêler à la poésie des sentiments, la profondeur des émotions. Le ciel est en effet très présent dans cette romance d'une grande maîtrise, avec ses jaillissements de pluie et de soleil dont le héros, Toru, ne cesse de se protéger avec son parapluie immense qu'il baisse lorsqu'il refuse de croiser le regard d'une personne. Le jeune homme est étudiant, partageant son existence entre son travail nocturne dans un sauna japonais et des études apparemment peu motivantes. On retient surtout de lui qu'il mène une existence langoureuse, pétrie de solitude et de rêveries.

"Ce fut comme une apparition." avait écrit Flaubert dans son célèbre roman L'éducation sentimentale. La comparaison est aisée pour ce film qui s'ouvre réellement sur l'apparition d'une jeune étudiante dont Toru tombe littéralement amoureux. Tout le film s'apparente véritablement à un chemin initiatique sur les pas d'une forme d'éducation sentimentale pour paraphraser l'écrivain français. D'ailleurs, comme dans le roman, les révoltes étudiantes grondent dans la rue, et surtout le jeune héros trimbale une existence médiocre, faite de regrets, d'indifférence générale et d'absence de repères. On ne lui connaît ni parents, ni amis à part ce camarade de faculté ou cette collègue de boulot, Sacchan, qui va se révéler être un personnage majeur de ce récit romanesque.


Copyright 2025 She Taught Me Serendipity Film Partners

Si d'ailleurs l'histoire du cinéma doit retenir quelque chose, c'est bien le monologue magistral entonné par Sacchan à la sortie du travail, qui déclame son amour pour Toru et surtout la nécessité de vivre véritablement l'instant présent. Cette scène d'anthologie constitue une bascule dans le défilement de la narration, le récit jusqu'alors se perdant parfois dans une mise en scène de par trop poétique, voire même un peu naïve. La gravité du propos prend alors le pas sur ce qui pouvait jusqu'alors ressembler à une succession d'impressions et de ressentis dans un Japon sage et poétique. La ville occupe une place assez moindre par rapport à nombre de fils japonais, les décors étant réduits à quelques endroits urbains ou des intérieurs très précis comme l'université ou le bain public, ce qui oblige les acteurs à prendre une place considérable dans l'expression de leurs émotions.


Copyright 2025 She Taught Me Serendipity Film Partners

On pourrait reprocher un format un peu long, d'autant que c'était la remarque principale que nous avions du précédent film d'Akiko Ohku Tempura. On y retrouve la même force à sublimer le quotidien de jeunes gens dans une mise en scène plutôt dépouillée, qui flirte en permanence avec l'esprit littéraire et poétique. Les dialogues sont très beaux, très fournis, emprunts d'une philosophie que l'on pourrait rapprocher de l'Ikigai japonais qui force chacun d'entre nous à trouver une raison d'être chaque jour. L'existence est d'autant plus volatile et sujette à forcer le bonheur que la réalisateur agrémente son propos du thème de la sérendipité. Cette philosophie du hasard est d'ailleurs elle-même très présente dans le roman de Gustave Flaubert qui décidément partage beaucoup de points de vue avec le film d'Akiko Ohku.

Le long-métrage rend un bel hommage au travail du son au cinéma. La pluie est très présente, et avec elle, s'ensuivent des sonorités très différentes comme le bruit d'une boite aux lettres qui s'ouvre, le curetage d'un bassin, ou d'autres sons plus violents sortis d'un téléphone portable. Sous le ciel de Kyoto est un film de cinéma, au sens prestigieux du terme, où les sons, les images, les couleurs et les lumières sont au service d'un récit emprunt de beauté et de philosophie. Un régal pour les sens du spectateur.

L'Odyssée - Christopher Nolan - critique

Gérard Crespo — 2026-07-15T22:05:10Z

Critique : Produit, écrit et réalisé par Christopher Nolan, L'Odyssée était un projet de longue date du cinéaste, et ne saurait être assimilé à une simple commande de studio, même si Universal n'a pas lésiné sur les moyens : budget faramineux, usage de caméras IMAX 70 mm, tournage dans plusieurs pays dont la Grèce, casting de stars… Nous pouvions être saisis d'un double doute. D'une part, le monument épique et poétique d'Homère pouvait-il résister à la machinerie hollywoodienne ? La réponse est heureusement positive, et Nolan n'est pas dépassé par son adaptation, contrairement à un Mario Camerini avec Ulysse (1954), académique péplum de Cinecittà, nettement inférieur à la mini-série L'Odyssée, produite en 1968 par Dino De Laurentiis. Les grands classiques de la littérature ont pu être compatibles avec des tempéraments de cinéma. Et si Nolan ne s'en sort peut-être pas aussi bien que Welles proposant son Macbeth, le résultat est tout de même impressionnant.


© 2026 Universal Studios. All Rights Reserved.

D'autre part, la haute tenue, thématique et visuelle, du cinéma de Nolan, ne risquait-elle pas de chanceler face à un récit a priori éloigné des perspectives hallucinantes et des labyrinthes temporels de ses meilleurs films, Insomnia ou Inception ? Là encore, on ne peut qu'apprécier la cohérence de la démarche de Nolan. Certes, l'intrigue, très connue, ne dispose pas des ramifications spatio-temporelles souvent propres à Nolan. Il n'empêche que l'agencement du présent et du passé est opéré par un montage éblouissant, qui évoque par moments la virtuosité de Batman Begins ou The Dark Knight, le chevalier noir. Par ailleurs, on retrouve cette réflexion sur les horreurs de la guerre et sur l'imbrication des destinées individuelles et collectives, que Nolan avait développées dans Dunkerque et Oppenheimer. Alors oui : L'Odyssée n'est peut-être pas le meilleur Nolan, comme on dirait que Spartacus n'est sans doute pas le meilleur Kubrick.


© 2026 Universal Studios. All Rights Reserved.

Nolan déploie ici le péché mignon du « new age » (les sermons de vieux sages), une joliesse ponctuelle (les échanges avec Calypso) et un peu trop de pathos (les retrouvailles avec Pénélope). Mais on a ici affaire à des détails et ce n'est pas de céder à la doxa de la politique des auteurs que de reconnaître la grande qualité globale du spectacle, qui procure un authentique plaisir de cinéma. Bien épaulé par ses collaborateurs artistiques et techniques dont le directeur photo Hoyte van Hoytema et le compositeur Ludwig Göransson, Nolan dirige avec maîtrise de nombreuses séquences, dont la rencontre avec le Cyclope et l'épisode du cheval de Troie. Si Matt Damon (Ulysse), Anne Hathaway (Pénélope) et Tom Holland (Télémaque) s'en sortent avec honneur, c'est Robert Pattinson (Antinoous) qui attire surtout l'attention, tant le comédien incarne avec brio la traîtrise et la perfidie. L'Odyssée confirme, si l'en était encore besoin, qu'un très bon spectacle populaire peut encore porter la griffe d'un véritable auteur.

L'aventure rêvée - Valeska Grisebach - critique

Laurent Cambon — 2026-07-15T22:04:55Z

– Festival de Cannes 2026 : Sélection officielle, En compétition

– Cannes 2026 : Prix du Jury


© 2026 Festival de Cannes

Critique : Les questions de passages de migrants entre la Turquie et les frontières de l'Europe sont des sujets régulièrement traversés par les médias ou le cinéma. La réalisatrice allemande Valeska Grisebach pose sa caméra dans un petit village de Bulgarie où justement, les flux de migrants s'organisent mais non pas de manière légale, rationnelle, mais à l'initiative de réseaux mafieux. Les activités délinquantes ne s'arrêtent pas à la question de ces passagers clandestins mais touchent à celles de la contrebande, notamment d'essence, et de la prostitution.

L'aventure rêvée n'est donc pas un film gai ou onirique en dépit du titre. Le récit prend un parti très austère pour restituer l'ambiance pesant qui règne dans cette ville, dominée par quelques organisations mafieuses qui imposent leur pouvoir et leurs règles. L'héroïne est une femme, elle est archéologue et revient sur son village natal à l'occasion d'une fouille historique dans les montages, hélas mal desservies par les routes. Elle a du mal à trouver des ouvriers, et se retrouve très vite rattrapée par la pression des groupes locaux mafieux, dont le chef est un ami d'enfance. Malgré elle, elle se trouve entraînée dans un trafic qui va lui permettre de se réconcilier avec son histoire.


© 2026 Komplizen Films. Tous droits réservés.

L'aventure rêvée ne vend absolument pas du rêve, bien au contraire. La mise en scène très dépouillée se veut une insertion dans un monde froid, où les paysages, les rues, les maisons dénotent une atmosphère renfermée où chacun tente de trouver sa place. L'enjeu pour les habitants est de résister à la pression des groupes mafieux, notamment pour les femmes, qui font face à un système dirigé par des hommes sur un modèle assumé de patriarcat. La présence d'une femme lettrée, absente un certain temps de son village d'enfance, avec un fort caractère, constitue pour les femmes du village une occasion de renverser ces rapports de force et de domination.

On n'avait pas revu sur les écrans Valeska Grisebach depuis 2017, année où elle présentait à la sélection d'Un Certain Regard son film Western. Elle proposait déjà une perspective très naturaliste d'une partie de l'Europe de l'Est où elle interrogeait la question des identités culturelles, sociales et de surcroît masculines. Dans L'aventure rêvée, elle balaie des thématiques assez similaires, mais n'aborde pas directement la condition ouvrière en Bulgarie ; l'enjeu scénaristique rapproche ainsi le film du western, mais dans une approche épurée et austère. La violence n'est jamais frontale, mais sous-tendue par un climat poisseux où les rapports de force s'impriment dans l'usage de la brutalité que les habitants ont approprié comme une composante de leur existence. Chacun semble en sursis dans un contexte où sa survie et sa tranquillité dépendent de l'acceptation passive des règles de jeu imposées par les groupes mafieux et les hommes.


© 2026 Komplizen Films. Tous droits réservés.

La connotation politique de L'aventure rêvée est évidente, comme elle l'était pour Western. L'actrice bulgare, Yana Radeva, porte avec force son personnage féminin central, Veska. Son jeu lui apporte une force, une consistance et un charisme qui tentent de défier l'ordre établi par la gente patriarcale. Elle est aux côtés du comédien Syuleyman Alilov Letifov, déjà présent dans Western, qui incarne une figure masculine douce et bienveillante. Mais parfois l'arbre peut cacher la forêt.

L'aventure rêvée a obtenu un Prix du jury mérité à Cannes. Le film au format plutôt long semble une approche quasi ethnographique d'une partie de la Bulgarie très ignorée du grand public. Certes, cela ne donnera pas envie aux spectateurs d'y passer leurs vacances, mais au moins, à l'issue de la projection, ils ne pourront pas dire qu'ils ne connaissaient pas la manière dont s'organisent les trafics en tous genres à la frontière turque et européenne. Une œuvre qui ne laissera personne indifférent.

The Last Viking - Anders Thomas Jensen - critique

Laurent Cambon — 2026-07-15T22:04:40Z

Critique : Anders Thomas Jensen n'est sans doute pas parmi les réalisateurs danois le plus emblématiques de cette célèbre patte du cinéma nordique en matière de cynisme et d'humour noir. Mais cette fois, il sort du film d'action un peu traditionnel et mille fois revisité sur les écrans pour une œuvre déjantée qui convoque, à côté d'ignobles criminels, une bande de fous échappés d'un hôpital psychiatrique par lesquels le rire et le malheur arrivent en même temps. The Last Viking met ainsi en scène un braqueur désenchanté qui, avant de se faire arrêter par la police, demande à son jeune frère apparemment psychotique d'avaler les clés de la consigne où il a déposé un sac rempli de billets, puis d'enterrer le trésor quelque part dans la forêt. Quinze ans plus tard, le voleur attachant sort de prison et s'engage alors une aventure totalement folle où se côtoient des malades mentaux et un gangster déterminé à récupérer la mise dans un style aussi drôle que noir.

The Last Viking est un film inclassable. D'abord, et c'est là sans doute le plus intéressant, il y a la description que le réalisateur fait du couple formé par les deux frères. Le plus jeune souffre de pathologie mentale et fait montre d'un sens altéré du discernement, là où le plus grand met toute son énergie à le protéger des moqueries et de ses troubles de comportement, au risque de se prendre des roustes monstrueuses par leur père. Ils ont grandi dans un univers violent, glauque, et la brutalité d'Anker se comprend au regard de leur enfance monstrueuse. Le film se plaît en effet à insérer des scènes du passé dans cette histoire rocambolesque où il est question de récupérer de toutes les manières le précieux magot.


Copyright Rolf Konow

Le long-métrage s'ouvre et se termine sur un petit film d'animation, qui, avec le sens certain de l'absurde, fait la promotion du respect de la différence et de l'inclusion. Même si l'hémoglobine est versée à grands bains, la folie des protagonistes est d'abord une affaire de vivre-ensemble et de tolérance. Anders Thomas Jensen fait le portrait haut en couleurs d'une joyeuse bande de musiciens qui confondent la réalité avec leur rêve de musique. Le frère d'Anker d'ailleurs se prend lui-même pour John Lennon, et c'est à l'occasion d'une rencontre opportune dans une clinique psychiatrique qu'il entraîne les compères dans un projet fou de concert. Ce pas de côté de joyeux n'a rien à voir avec la brutalité de Flemming qui est capable de tout pour mettre la main sur les millions de couronnes jamais récupérés par la police.


Copyright Rolf Konow

En ce sens, le long-métrage mêle l'humour à la violence totale. On retiendra surtout l'interprétation lunaire de Mads Mikkelsen qui rentre dans la peau de Manfred (ou John Lennon selon les envies de chacun) sans jamais céder au grotesque ou au misérabilisme. Il joue un fou attachant, finalement pas si dérangé qu'on pourrait le croire, conscient de l'importance de son frère dans son histoire familiale. Il donne la voix à Nikolaj Lie Kaas qu'on avait déjà rencontré dans la troisième saison de la série L'hôpital et ses fantômes, également interprétée par Bodil Jorgensen et Nicolas Bro. Les acteurs se donnent à cœur joie dans cette histoire délirante de tueries et de musique, comme inspirée d'un film de David Lynch, mais à la manière danoise.

The Last Viking est un film rythmé et hilarant. Il est défendu et porté par le trop rare distributeur Motel, spécialisé dans la distribution de films indépendants. Certes, les salles qui accueillent le film ne sont pas assez nombreuses, mais un tel film vaut vraiment le détour. L'humour est grinçant, joyeux, sans limite, et l'esprit du long métrage comblera autant les amoureux de polar que les amateurs de comédies hors norme. Il faut saluer la brillante écriture du récit qui contrevient aux normes cinématographiques et s'amuse à déjouer les genres.

Le héros de Berlin - Wolfgang Becker - critique

Claudine Levanneur — 2026-07-15T22:04:10Z

Critique : En 2003, Good Bye, Lenin ! du réalisateur allemand Wolfgang Becker connaît un véritable succès dans son pays et au-delà. L'originalité du sujet (la réunification des deux Allemagne), son ton satirique mâtiné de tendresse séduisent instantanément le public. Renouant avec cette aisance à aborder des sujets graves en toute simplicité, Le héros de Berlin, œuvre hélas posthume, s'intéresse à un citoyen ordinaire devenu héros malgré lui.


Copyright Frederic Batier - X-Film AG

Micha Hartung (Charly Hübner) tente de sauver de la faillite son vidéoclub, l'un des derniers de Berlin, là où l'on peut encore trouver des films avec Louis de Funès et Sophie Marceau. Deux acteurs qu'il apprécie particulièrement et qui constituent une manière originale d'installer d'emblée le sentiment de nostalgie irriguant le récit. Dans une précédente vie, à l'époque de la séparation des deux Allemagne, Micha était cheminot en RDA. En juillet 1983, à la suite d'une erreur d'aiguillage, il envoie vers l'Ouest un train de banlieue et avec lui, cent vingt-sept passagers. Une histoire presque banale que les médias ont pourtant bien l'intention de pimenter. Ne saisissant pas tout de suite les intentions du journaliste venu l'interroger à l'occasion du trentième anniversaire de la chute du mur de Berlin, notre honnête citoyen continue de plaider la version de la mauvaise manipulation, jusqu'à ce qu'il imagine les avantages d'une notoriété aussi soudaine que factice. Elle lui permet même un rapprochement avec Paula qui le regarde comme son sauveur. L'emballement médiatique est à son comble. Pourtant, bien vite, des failles apparaissent, et avec elles la question se pose de savoir jusqu'à quand cette version tronquée pourra faire illusion.


Copyright Frederic Batier - X-Film AG

Se gardant de toute idée de moralisation, ce film mordant, inspiré de l'œuvre de Maxim Leo, n'a pas pour ambition de coller à l'Histoire, mais plutôt de proposer à chacun de se forger une opinion sur certains sujets complexes, entre autres la vérité historique. À travers l'analyse psychologique de son personnage principal à la bonhomie rassurante, auquel se joignent quelques protagonistes hauts en couleur décrits avec un humour réjouissant, se dessinent le cynisme politique, le détournement intellectuel et la pseudo-impartialité des chroniques historiques et de la presse, soumises aux intérêts personnels et à la manipulation sociale. Fidèle au thème de l'Ostalgie, nostalgie de la RDA, qui servait déjà de toile de fond à son précédent film, le cinéaste nous régale de quelques échanges bien sentis pour rappeler, sans s'offusquer, la persistance du mépris affiché à l'encontre des citoyens de seconde zone que continuent d'être les Allemands de l'Est.
Si cette approche enlevée de la difficulté encore réelle du rapprochement de deux États censés ne faire qu'un, associée au regard satirique porté sur une économie néolibérale prompte à tordre le cou à une authenticité malvenue, constituent un plat de résistance tout à fait goûteux, l'histoire d'amour entre Micha et Paula se fait anecdotique, juste assez présente pour apporter sa part de romanesque à cette fable politico-sociale.
Porté par des comédiens aussi attachants qu'efficaces, Le héros de Berlin déroutera sans doute les férus d'Histoire pure et dure mais ravira tous ceux qui aiment s'interroger, sans être bousculés, sur les enjeux de nos sociétés.

Evid Dead Burn - Sébastien Vaniček - critique

Gérard Crespo — 2026-07-15T22:03:38Z

Critique : Produit par Sam Raimi et Warner, Evil Dead Burn était un sacré pari pour Sébastien Vaniček : montrer qu'un jeune réalisateur pouvait se plier aux conventions d'une franchise culte, tout en gardant sa griffe, le tout avec cette french touch inhérente à certaines productions hollywoodiennes (on pense notamment à Alien, la résurrection de Jean-Pierre Jeunet). D'une part, Vaniček avait placé la barre très haut avec Vermines, film d'horreur efficace et original sur une invasion d'araignées tueuses dans un immeuble de banlieue, tout en constituant une métaphore des discriminations à l'égard des cités. D'autre part, Sam Raimi avait réalisé le génial Evil Dead (1981), véritable étalon du genre horrifique, déployé en une série de spin-offs plutôt réussis, le meilleur restant le remake signé Federico Álvarez en 2013. Vaniček, qui aurait eu la carte blanche de Raimi et des studios, s'en tire avec honneur. Certes le pitch initial, variation autour d'une vieille malédiction transformant les habitants d'une demeure en créatures démoniaques, n'impressionne guère après des décennies de productions ayant brodé à partir d'un canevas similaire.


© 2026 Warner Bros. Tous droits réservés.

Mais Vaniček et son fidèle coscénariste Florent Bernard ont joué le jeu en insistant sur des névroses contemporaines, liées à la peur de l'autre et l'intolérance, en particulier à l'ère trumpienne. La xénophobie apparente du beau-père, surtout à l'égard d'une Française accusée d'avoir semé le trouble dans sa cellule familiale, est révélatrice de la volonté des auteurs d'aborder des thèmes en résonance avec l'actualité ; c'est aussi le cas des passages, explicites ou non, sur les violences conjugales, sans jamais tomber dans la démonstration. Visuellement, l'œuvre est réussie. Les séquanes les plus gore (le meurtre de la belle-sœur) alternent avec des instants plus suggestifs (pas trop, tout de même), où le pire se lit dans les yeux des protagonistes — notamment dans ce plan réunissant deux personnages tandis qu'un troisième, que l'on croyait mort, sonne à la porte. Quand tant de films contemporains se noient dans une surenchère narrative et d'effets spéciaux, Evil Dead Burn parvient à doser avec justesse les moments les plus terrifiants, du prologue dans un lac au dénouement aux allures de catharsis.


© 2026 Warner Bros. Tous droits réservés.

Toutefois, les meilleures scènes du film sont peut-être celles, hitchcockiennes, où le malaise est perceptible dans des moments de fausse quiétude, quand des événements incongrus se produisent (la cérémonie funéraire perturbée par le bruit d'un chantier), même si l'époque de Psychose ou des Oiseaux, où l'horreur n'éclatait qu'après une longue montée de la tension, semble désormais révolue. Précisons aussi que Vaniček joue la carte de la french touch de façon explicite — à travers la conversation téléphonique entre Alice et son père ou encore les choix musicaux — sans en abuser pour autant : l'agréable ritournelle Elle était si jolie d'Alain Barrière, utilisée comme l'écho d'un paradis perdu, revient ainsi avec parcimonie. Au sein d'un casting international, Souheila Yacoub prouve l'étendue de son registre, après ses rôles pour Gaspar Noé, Garrel ou Cédric Kahn. Evil Dead Burn devrait séduire un public bien plus large que les seuls amateurs d'horreur, tout en confirmant, après Obsession et Backrooms, la remarquable vitalité du genre sur grand écran en 2026.

Backrooms - Kane Parsons - critique

Laurent Cambon — 2026-07-15T22:03:25Z

Critique : Les temps changent. On ne devient plus cinéaste après des années douloureuses dans une école de cinéma. Il suffit d'être un petit génie de l'audiovisuel pour se faire remarquer sur YoutTube avec une série qui va devenir virale. Kane Parsons reproduit ainsi l'univers fermé et angoissant d'une autre dimension, cachée à l'intérieur d'un magasin de meubles, auquel on accède à travers les murs, et qu'une bande de scientifiques étranges étudie. En réalité, ce monde souterrain où sévit un monstre ressemble à une incursion angoissante dans le fonctionnement psychologique de ceux qui y parviennent. Les pièces sont vides, et les quelques meubles qui s'y trouvent rappellent l'histoire des victimes qui sont rentrées.


Copyright A24

Backrooms se démarque du film d'horreur par une esthétique et un imaginaire hors du commun. Par certains aspects, on pense au cinéma de Vincenzo Natali, avec notamment Cube, même si très vite le scénario s'écarte du seul dessein d'échapper au piège de pièces meurtrières. Le récit en effet s'invite dans l'angoisse des personnages qui se sont retrouvés dans ce monde et descendent de façon irrésistible toujours plus bas à l'intérieur de leur cauchemar. Le jeune réalisateur fait la démonstration d'une maîtrise complète du sujet, qu'il a maintes fois filmé dans ses séries, et de la mise en scène. On ne comprend pas tout, et il faut se replonger dans la mini-série car l'on retrouve, non sans une certaine émotion, ces grandes pièces jaunes qui s'enchaînent à l'infini, telles un labyrinthe. Dans le tout premier épisode, le héros malheureux est un jeune réalisateur. La caméra subjective filme de nouveau cette plongée infernale dans des espaces clos et effrayants où l'inhumanité règne.

Le long-métrage est fortement imprégné de la culture du jeu vidéo. Toutes les dimensions se mélangent et l'on ne sait plus où se situent le réel et le fantasmagorique. Équipé de moyens relativement importants, le film parvient à recréer les multiples points de vue de ce monde où l'envers rejoint l'endroit. La caméra subjective rappelle les courses macabres de héros pixelisés que le joueur conduit vigoureusement avec sa manette. À cela s'ajoutent des références traditionnelles du film d'épouvante avec les hôpitaux psychiatriques, les faux gentils et les monstres qui semblent tout droit sortis d'une peinture de Francis Bacon.


Copyright A24

Backrooms est une réussite certaine. À lui seul, le long-métrage renouvelle le genre de l'horreur, trop souvent réduit à des chasses à l'homme sanglantes. Ici, pas d'hémoglobine excessive. Juste la sensation d'un enfermement permanent et d'un piège qui se referme sur les victimes. La fin appelle des suites que l'on espère aussi riches et inventives que ce premier épisode. Kane Parsons s'affiche comme un petit génie du septième art, pétri d'un sens de l'imagination et de l'horreur absolu. Les acteurs, plutôt inconnus, s'impliquent avec talent et un souci de la nuance dans cette macabre descente en enfer. Rimbaud disait avoir horreur des mains à la charrue, leur préférant celles à la plume. Toujours est-il que le réalisateur restitue avec brio le cauchemar des bureaux insipides où nombre d'agents s'épuisent en silence.

Backrooms ne se raconte pas. C'est d'abord une expérience inédite de cinéma qui trouve toute sa puissance sur grand écran. Le passage de YouTube au cinéma grandit assurément Kane Parsons, qui a la possibilité d'exprimer pleinement son talent. Le spectateur est captivé par ces décors gigantesques en enfilade, qui font traverser aux personnages mille et une atmosphères. Voilà un film qui se laisse regarder, non sans une certaine admiration pour le réalisateur, et qui fera assurément couler beaucoup d'encre à sa sortie en salles.

La bataille de Gaulle : J'écris ton nom - Antonin Baudry - critique

Gérard Crespo — 2026-07-15T21:58:38Z

CRITIQUE DE LA BATAILLE DE GAULLE : L'ÂGE DE FER

Critique : Coécrit avec Bérénice Vila, d'après le livre De Gaulle : une certaine idée de la France de Julian T. Jackson, La bataille de Gaulle confirme, avec ce second volet, que le film est bien plus qu'une simple commande de producteur. Certes, Pathé n'a pas lésiné sur les moyens, avec un budget cossu permis par un partenariat avec d'autres sociétés comme TF1 Film Production et Laurent Dassault Rond-Point, notamment pour les effets spéciaux nécessaires aux séquences de combat, tentant de rivaliser avec le Spielberg d'Il faut sauver le soldat Ryan ou le Nolan de Dunkerque. Vendu comme « le film » sur le de Gaulle de la Seconde guerre mondiale, le diptyque pouvait ressembler, sur le papier, à une hagiographie de plus sur un personnage historique. Le choix d'Antonin Baudry à la réalisation pouvait susciter quelques réserves. On avait apprécié son travail de coscénariste de Quai d'Orsay, mais le cinéaste n'avait pas satisfait nos attentes avec le conventionnel Chant du loup. Et pourtant, La bataille de Gaulle, jugé dans sa globalité, est plutôt une bonne surprise, qui parvient globalement à déjouer les pièges de son dispositif. Certes, la stricte linéarité narrative est un carcan un brin scolaire, et de nombreuses scènes n'échappent pas à une dimension illustrative, comme si l'on consultait les (jolies) pages d'un album de vulgarisation historique.


© 2026 Pathé Films - TF1 Films Production - Belvédère - Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma

La seconde partie, davantage que la première, souffre d'un lyrisme parfois trop appuyé, surtout lors de certaines séquences (la bataille de Paris). On regrettera en outre la caractérisation maladroite de Livia (Anamaria Vartolomei), personnage fictif manifestement inspiré de plusieurs figures de la Résistance, qui semble surtout servir à introduire une figure féminine forte dans le récit. Mais ces réserves entachent peu l'efficacité ni les qualités artistiques et techniques du second volet de cette fresque. Le récit n'ayant été scindé en diptyque que pour des raisons d'exploitation, beaucoup d'atouts de La bataille de fer se retrouvent dans J'écris ton nom. Antonin Baudry, passionné par son sujet, est fidèle à sa thématique des protagonistes confrontés à la solitude et la marginalité, qu'il avait développée dans ses travaux ultérieurs. Et l'héroïsation de la figure de de Gaulle, loin de mener au pompiérisme du « roman national », est tempérée par un humour autour de la figure du Général et de son entourage (la confrontation avec Churchill, dans une relation de « je t'aime, moi non plus »), bien que plus discrètement dans le second volet, plus grave. On retrouve dans J'écris ton nom la réflexion sur l'intégrité des hommes de pouvoir et les différents dilemmes à l'œuvre dans la sphère politique via l'opposition entre la vision cohérente et sans concessions d'un de Gaulle et l'utilitarisme de Roosevelt (Campbell Scott).

Écrit avec finesse et monté avec professionnalisme, L'âge de fer confirme donc solide talent artisanal du réalisateur, qui passe avec aisance de huis clos politiques quasi théâtraux à l'ampleur de scènes de batailles spectaculaires. Et Antonin Baudry de préciser dans le dossier de presse : « Dans ces scènes, il y avait trois vrais tanks, ce qui est déjà pas mal (...) Par exemple, on filme une explosion, puis on filme le tank qui est censé exploser ; ensuite, il faut bien coordonner ces deux plans pour qu'on ait l'illusion que le tank explose. On ne va pas se mentir, c'est un peu moins jouissif que de filmer deux grands acteurs. » L'année 2026 aura d'ailleurs vu quatre autres films français explorer la période de l'Occupation : Les rayons et les ombres de Xavier Giannoli, Moulin de László Nemes, Notre salut d'Emmanuel Marre et La troisième nuit de Daniel Auteuil. On ne peut qu'apprécier l'intérêt des réalisateurs pour cette période trouble et tragique de l'Histoire, en ces temps de remise en cause de la démocratie et de montée des extrémismes.

Semaine du 15 juillet 2026 : les sorties en salle

La rédaction ciné — 2026-07-15T21:33:06Z

News : Les nouveautés de la semaine du 15 juillet 2026 sont :

Longs métrages de fiction

– L'aventure rêvée, de Valeska Grisebach

– Comète, de Élie Wajeman

– La dernière séance, de Pan Nalin

– D'où vient le vent, de Amel Guellaty

– Le héros de Berlin, de Wolfgang Becker

– The Last Viking, de Anders Thomas Jensen

– L'Odyssée, de Christopher Nolan

Long métrage documentaire

– Le berger et les ours, de Max Keegan

Long métrage d'animation

– Kayara, Princesse Inca, de Cesar Zelada, Dirk Hampel

Reprises

– A Bittersweet Life, de Kim Jee-woon (2005)

– Another Man's Poison, de Irving Rapper (1951)

– Le bon, la brute et le cinglé, de Kim Jee-woon (2008)

– Ça tourne à Séoul ! Cobweb, de Kim Jee-woon (2022)

– Le crime était presque parfait, de Alfred Hitchcock (1954)

– Deux sœurs, de Kim Jee-woon (2003)

– Foul King, de Kim Jee-woon (2000)

– Jour de fête, de Jacques Tati (1949)

– Mon oncle, de Jacques Tati (1958)

– Parade, de Jacques Tati (1974)

– Playtime, de Jacques Tati (1967)

– Trafic, de Jacques Tati (1971)

– Les vacances de Monsieur Hulot, de Jacques Tati (1953)