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The Drama - Kristoffer Borgli - critique

Gérard Crespo — 2026-04-06T20:00:54Z

Critique : Vendu comme une comédie romantique alertant le spectateur qu'il ne faut pas se fier aux apparences du genre, mais utilisant dans sa promotion tous les codes de la rom com (dont l'affiche glamour avec son couple de stars), The Drama est emblématique de la capacité de la société A24 à combiner air du temps et image de production indépendante. L'œuvre révèle aussi la cohérence stylistique et thématique de Kristoffer Borgli, réalisateur norvégien révélé à la section Un Certain Regard du Festival de Cannes 2023 avec Sick of Myself. Cette œuvre insolite passait avec habileté de la comédie de mœurs au drame oppressant, via l'évocation d'un couple ébranlé par l'étrange maladie de peau de l'épouse. Le cinéaste devait enchaîner avec une production américaine, Dream Scenario, récit insolite d'un universitaire (Nicolas Cage) hantant à son insu les rêves ou les cauchemars des individus. The Drama est bien dans cette continuité, avec les effets d'un événement malaisant qui vient troubler les préparatifs de mariage de Charlie (Robert Pattinson) et Emma (Zendaya), un couple de trentenaires bien sous tous rapports. Ils vivent dans un univers cossu, bien intégrés professionnellement, et entourés d'amis bienveillants, dont Mike (Mamoudou Athie) et Rachel (Alana Haim, vue chez Paul Thomas Anderson et Kelly Reichardt).


Zendaya, Robert Pattinson
© 2026 Metropolitan Films. Tous droits réservés.

À l'occasion d'une soirée arrosée au cours de laquelle chacun des quatre amis doit avouer quelle a été la prise crasse commise dans son existence, Emma confie un secret d'adolescence qui, c'est le moins que l'on puisse dire, cassera l'ambiance, tout en ébranlant les certitudes de Charlie quant à sa réelle volonté d'épouser sa compagne… Si le récit avait débuté dans la légèreté, le scénario prend alors une tournure plus grave, malgré l'humour (noir, très noir) voire le burlesque qui imprègne plusieurs séquences. Kristoffer Borgli reste ainsi fidèle à sa veine satirique, celle pointant du doigt les faux-semblants d'une société en apparence policée mais en fin de compte névrosée, comme il l'avait effectué dans ses deux longs métrages précédents. Le montage, très imprégné par l'esthétique clip au début de l'histoire, devient ensuite plus serein, au fur et à mesure que le malaise imprègne les personnages et les spectateurs.


Robert Pattinson
© 2026 Metropolitan Films. Tous droits réservés.

The Drama convoquera par ailleurs le souvenir d'autres œuvres de cinéma. Si l'un des protagonistes cite explicitement Lacombe Lucien, le cinéphile pourra se raccrocher à des références sans doute volontaires, de La vie criminelle d'Archibald de la Cruz à Festen, en passant par La guerre des Rose ou Elephant (le regroupement de leurs thématiques pouvant être à l'origine d'un spoil, l'auteur de ces lignes en a conscience). Reste que, comme pour Sick of Myself et Dream Scenario, le réalisateur peine parfois à tenir le rythme, et que le « MacGuffin » central pourra sembler léger pour justifier près de deux heures de projection, d'autant plus que la connotation fantaisiste de certaines scènes peine parfois à faire mouche. Mais The Drama est un divertissement élégant, qui confirme la diversité de jeu de Zendaya (plus convaincante que dans les Dune) et surtout de Robert Pattinson qui casse définitivement l'image de gravure de mode qui était la sienne au début de sa carrière, lui qui depuis a notamment tourné avec Claire Denis et Cronenberg. On aurait donc tort de bouder son plaisir et le long métrage mérite un détour dans les salles obscures.

Super Mario Galaxy Le Film - Aaron Horvath, Michael Jelenic - critique

Laurent Cambon — 2026-04-06T18:40:30Z

Critique : Beaucoup connaissent le fameux jeu vidéo Nintendo et tout est bon pour trouver des recettes supplémentaires. Maintenant, était-il nécessaire de proposer un deuxième film d'animation inspiré du célèbre petit plombier à la casquette ? La réponse est évidemment négative, surtout quand on considère la pauvreté certaine du scénario. On se perd ainsi entre le monde habituel de Mario qui, comme dans le jeu vidéo, court d'un champignon à l'autre et rencontre toute une série d'adversaire rigolos ; et ce nouvel univers intergalactique, avec à sa tête le fils de l'ennemi numéro un de Mario et Luigi : Bowser. Ce dernier a été rétréci et végète dans une château miniature pour ne plus nuire à la planète, jusqu'au moment où son fiston décide de le récupérer et de détruire l'univers tout entier.

Le long-métrage d'animation ne lésine pas sur les moyens pour cette aventure rythmée. Le film propose une surenchère de sons, lumières, couleurs, avec des retours plutôt sympathiques aux images inspirées des premiers jeux. On s'interroge sur l'injection d'autant de moyens techniques et financiers à une époque où chacun doit viser une certaine efficience. Car ce long-métrage d'animation est loin d'être vertueux en matière de lutte contre le réchauffement climatique. Tout est fait pour impressionner le jeune spectateur. Mais hélas, le scénario n'est pas du tout à la hauteur de toute cette profusion d'effets spéciaux.


Copyright Universal Studios / Nintendo

Super Mario Galaxy Le Film comme le titre l'indique se déroule dans l'espace. Du moins, une certaine partie car le récit se balade dans des univers aussi hétéroclites qu'un château merveilleux et une fête foraine horrifique. Tout cela est agréable pour les yeux mais finit par perdre le spectateur qui ne suit plus le fil narratif. Les personnages vont de haut en bas, sans que l'on comprenne toujours par quel moyen ils sont parvenus à retourner la fiction.


Copyright Universal Studios / Nintendo

Le cinéma regorge de films d'animation qui finissent par donner le tournis. La qualité et l'inventivité ne sont pas toujours au rendez-vous et force est de constater que les productions les plus humbles sont souvent les plus réussis. On pense au récent Walter Lapin qui est loin de rivaliser dans l'énergie et le rythme mais est bien plus inventif et attachant. Ici, on va d'un personnage à l'autre et, au bout du compte, tous se ressemblent sans permettre vraiment une identification de la part du spectateur. Super Mario Galaxy Le Film nous conforte dans l'idée qu'une nouvelle version du jeu sur grand écran n'apporte rien ni au jeu, et encore moins à la magie des personnages.

Super Mario Galaxy Le Film viendra s'empiler dans le panthéon déjà très fourni des films d'animation. On se dit en sortant de la salle qu'il s'agit encore d'un dessin animé nourri à l'intelligence artificielle et qui ne fait rien d'autre qu'intégrer un marché très gourmand. Le film ne fait pas appel à l'intelligence émotionnelle des enfants mais les conforte dans la brutalité, la violence, et la concurrence entre les individus. Bref, rien de bien recommandable pour le jeune public.

Violette - Martin Provost - critique

Jean-Claude Arrougé — 2026-04-06T07:44:52Z

Critique : Violette avait connu un bel accueil critique mais pas le succès public escompté. Le film fut tout de même un événement qui a permis la réédition de plusieurs ouvrages de Violette Leduc, ainsi que celles de la biographie de Carlo Jansiti (Grasset) et de l'essai Violette Leduc, éloge de la bâtarde de René de Ceccatty (Stock). À cette occasion, de très beaux articles sont également parus dans la presse, notamment celui de Marine Landrot, « Violette Leduc, une écriture née du manque » (Télérama, novembre 2013). France Culture a consacré pendant plusieurs semaines des lectures, par Catherine Hiegel, de La folie en tête et de la correspondance de Violette Leduc. La sortie du film a de même coïncidé avec le lancement d'une nouvelle version du site www.violetteleduc.net, créé par Mireille Brioude, auteure de l'ouvrage Violette Leduc, la mise en scène du « je » (Rodopi). Le film, présenté avec succès au festival de Toronto en septembre 2013, a par ailleurs reçu le prix du Public au festival Cinémamia de Montréal fin novembre 2013 et est sorti dans les salles de cinéma au Canada.
Il a fallu bien du courage et de la détermination à Martin Provost pour réaliser un film autour de Violette Leduc, écrivaine injustement méconnue de nos jours. Ce film retrace vingt-deux ans (1942-1964) de la vie d'une femme de lettres au talent exceptionnel, et qui devait décéder en 1972. Un parcours émaillé de livres exigeants, audacieux – et dont la prose poétique n'a trouvé que très tard, après plusieurs échecs cuisants, un grand succès public : La Bâtarde, en 1964. Un succès qui d'ailleurs ne fut couronné d'aucun prix, alors que l'œuvre les méritait tous. Certains jurés du Goncourt ou du Femina avaient été effrayés par certaines scènes « malpropres » et les propos « scandaleux » de l'ouvrage. Roland Dorgelès, l'auteur des Croix de bois, ne s'était-il pas écrié, en parlant de La Bâtarde, qu'« on ne pouvait pas mettre ce livre sur une cheminée d'une famille »… ?
Pour la naissance du film Violette, tout est parti d'un texte magnifique – et inédit – que Violette Leduc a écrit sur l'artiste peintre Séraphine de Senlis. Martin Provost était alors en pleine préparation de son film Séraphine. Séduit par la lecture de ce texte, il songea à mettre en chantier un scénario autour de Violette avec René de Ceccatty, grand spécialiste de l'écrivaine. De scénario en scénario, de lecture en lecture de l'œuvre de Violette, le projet aboutit après trois ans de travail.
Le film commence par une scène où l'on voit Violette Leduc s'affairer au « marché des années noires », en 1942. Elle vit alors depuis quelques mois à la campagne, en Normandie, avec l'écrivain Maurice Sachs. Avant de la quitter pour partir en Allemagne comme travailleur volontaire, Sachs lui conjure d'écrire les souvenirs de son enfance « tordue comme un pommier » plutôt que de « [l]'emmerder ». Ainsi naissent les premières pages de L'Asphyxie dont la première phrase est : « Ma mère ne m'a jamais donné la main ». C'est le manuscrit de ce livre, que Violette parvient à remettre en mains propres à Simone de Beauvoir, qui allait changer son destin… Simone de Beauvoir a tout de suite compris que Violette Leduc était une grande autrice à la sincérité intrépide et qu'elle oserait ce qu'aucune femme écrivaine n'avait osé faire jusque-là : parler de la sexualité féminine, de sujets comme l'avortement, et ceci avec une audace retenue. Les scènes qui mettent en scène les deux écrivaines sont saisissantes de vérité. On voit ainsi Violette, l'élève de S de B (comme elle l'appelait souvent), et qui n'est rien d'autre qu'« un désert qui monologue », devenir son égale avec la parution triomphale de La Bâtarde. On voit aussi par quels « ravages » cette bâtarde est passée pour en arriver là. Elle qui avait fait le « serment de l'impossible » en se lançant dans des amours avec des hommes homosexuels – et bien sûr dans une passion sans retour pour Simone de Beauvoir. « Allongée sur ses cendres », en proie à de somptueux délires, hardie et craintive, désespérée et renaissante, telle est la Violette que Martin Provost met en scène.


© TS Productions

Le film s'achève sur un paysage baigné par une envoûtante lumière provençale, celle de la campagne de Faucon, dans le Vaucluse, où Violette a retrouvé la force d'écrire et où est venu la cueillir le succès de La Bâtarde. Superbe plan final où Violette travaille entre deux oliviers et qui renvoie aux mots d'une lettre que lui avait envoyée une femme poète, Thérèse Plantier, en 1957 : « Vous écrivez comme Van Gogh peint. »
Martin Provost nous offre avec Violette un film rigoureux et raffiné, ne cédant jamais à la facilité. Le regard apaisé du cinéaste convient parfaitement. On pouvait craindre le parti hystérique que d'autres réalisateurs auraient été tentés de prendre avec un tel sujet. Tout est au contraire soigné, minutieux, précis et fidèle, tant à l'œuvre qu'au personnage baroque qu'était Violette Leduc. Martin Provost prend aussi le temps de nous faire entrer dans la relation riche et complexe qui a uni deux grandes écrivaines.
Emmanuelle Devos est une époustouflante Violette qui n'a pas recherché le mimétisme. Certes, elle a accepté de s'enlaidir mais n'a aucunement tenté d'imiter la voix plutôt grave ni le phrasé traînard de Violette. Elle a tout compris du personnage et restitue parfaitement toutes les facettes de cette « petite fille étonnée et vieille fille roublarde », comme l'écrivait Pierre Kyria dans un article hommage de Combat à la mort de Violette. Sandrine Kiberlain est une fabuleuse Simone de Beauvoir, qui a enfilé avec un bonheur évident les habits du « Castor ». On est subjugué par ce « Castor », par sa voix au débit rapide, sa démarche élégante, sa rudesse, sa compassion, sa bienveillance – mais aussi son humanité envers la « femme laide », qu'elle soutiendra matériellement et psychologiquement pendant près de vingt ans.
Les autres acteurs sont également au rendez-vous. La grande Catherine Hiegel campe la mère de Violette, d'allure altière mais pouvant déraper dans une certaine vulgarité, impitoyable avec sa fille mais également aimante. Jacques Bonnaffé est épatant dans le rôle du poète voyou Jean Genet. La relation affectueuse, tumultueuse et complice entre ces deux bâtards de génie : tout y est. L'écrivain canaille Maurice Sachs est joué fiévreusement par Olivier Py : la scène où ce « drôle » fuit « l'emmerdeuse » est merveilleusement pathétique. Étonnante aussi la composition d'Olivier Gourmet, dans le rôle du richissime parfumeur, collectionneur et mécène « radin » Jacques Guérin. Là aussi, Martin Provost n'a pas cherché la ressemblance physique : Olivier Gourmet fait apparaître toute la rigidité, la patience, mais aussi la sensibilité, voire la fragilité, du seul homme que Violette ait aimé.
Martin Provost a réussi son pari – celui de nous avoir rappelé ou convaincus que Violette Leduc est l'une des plus grandes plumes de la littérature française du XXe siècle.

LE DVD
On aurait adoré découvrir Violette en Blu-ray, on devra donc se contenter d'un DVD loin d'être imparfait.

Les suppléments
Outre la bande annonce, ce DVD offre un making-of de Violette, un film de 33 minutes réalisé par Jean-Philippe Boisuneau, qui propose des entretiens avec Martin Provost, Emmanuelle Devos, Sandrine Kiberlain, Catherine Hiegel, Olivier Gourmet et le directeur de la photographie, Yves Cape, dont on apprécie le beau travail sur la lumière. Ce dernier évoque sa façon de travailler, en parfaite harmonie avec le réalisateur. Martin Provost, lui, explique comment et pourquoi il s'est investi dans ce beau projet. Il a découvert Violette Leduc grâce à René de Ceccatty qui lui a fait connaître le texte de Violette sur Séraphine de Senlis. Pour le réalisateur, le choix d'Emmanuelle Devos s'est imposé d'emblée. De même que celui de Jacques Bonnaffé pour Jean Genet, « le dur qui adorait voler ». Le choix des autres comédiens a, en revanche, demandé plus de réflexion et de recherche au réalisateur. Il fallait que Sandrine Kiberlain trouve « sa Simone » et Olivier Gourmet « son Jacques Guérin » : il ne s'agissait pas de chercher la ressemblance physique. Emmanuelle Devos nous dit combien Violette était « attachiante ». On comprend à travers ces divers témoignages et le tournage de certaines scènes, combien le travail fut exigeant, parfois difficile, mais toujours exaltant. Les acteurs se sont sentis aimés par Martin Provost. Aimer est d'ailleurs le titre du beau texte d'Elsa Triolet que chante Jeanne Moreau à la fin du film. Violette se serait sans doute également sentie aimée par la petite famille du film. Elle qui a écrit : « Hommes, femmes, enfants, rencontrés tout au long de mon existence, vous serez toujours ma prière en suspens. »

L'image
Elle est très correcte, peut-être un peu sombre en basse luminosité, mais avec une belle restitution des textures. Les décors gagnent en profondeur de champ et se rapproche parfois d'un rendu HD. Le travail sur la lumière provençale est tout à fait intéressant aidé par une colorimétrie souvent vive, peut-être un peu trop par moment, au-delà du naturel.

Le son
Si le score est élégamment rendu par un 5.1 puissant lorsqu'il s'agit des envolées musicales, on trouve les voix un peu faibles et les petits bruits qui constituent le film un peu étouffés. La spatialisation (pluie, grillons...) est spartiate, mais présente. Au final, on a entendu des pistes DVD plus abouties, même pour un cinéma intimiste.

Douze heures d'horloge - Geza Radványi - critique

Fabrice Prieur — 2026-04-06T07:44:23Z

Critique : Nous sommes le 14 juillet au petit matin. Les trois hommes ont décidé de retrouver Barbara qui dispose d'un joli pécule dans un port de la Méditerranée, avant de s'embarquer avec elle pour quitter le pays.

Le Hongrois Géza Radványi, qui a partagé son activité entre la France, l'Allemagne de l'Ouest et l'Autriche, adaptait ici avec leur concours un roman policier du célèbre duo français Boileau et Narcejac (auteurs du roman qui a été adapté par Henri-Georges Clouzot sous le titre Les diaboliques et du polar qui a inspiré Vertigo de Hitchcock). Le résultat est pourtant bien moyen. Les personnages sont très schématiques, le récit sans dynamisme se traîne en longueur, avec un côté théâtral très marqué. Le doublage pour les acteurs allemands Gert Fröbe et Hannes Messemer, qui sont censés être français, n'arrange pas les choses. Lino Ventura, encore "mal dégrossi", semble anticiper maladroitement les personnages que lui écrira un peu plus tard Michel Audiard. La parenthèse humoristique centrée sur Guy Tréjan, gendarme mal marié qui prend une cuite, apparaît bien lourde.


Copyright Transocean Film/L.C.J. Editions et Productions/Estella Films S.A.

Une curiosité où l'on peut s'amuser de l'originalité du couple Suzy Prim (également productrice du film), femme au lourd passé qui s'est rangée, et Lucien Raimbourg, cafetier et cocu idéal !

À noter la musique est due à Léo Ferré, y compris la chanson du générique La poisse interprétée par Catherine Sauvage, ainsi que l'excellent éclairage réalisé par Henri Alekan.

Levure – Juliette Hayer – la chronique BD

Florian Moine — 2026-04-05T19:43:26Z

Critique : Pour son premier album, Juliette Hayer investit avec originalité le thème de la précarité de la jeunesse – Charlotte doit travailler pour vivre, et ce boulot l'aspire progressivement alors qu'elle a d'autres aspirations professionnelles – et de la souffrance au travail. Pour ce faire, elle investit le genre du fantastique avec une pointe d'horreur, pour filer une métaphore graphique efficace. Celle-ci est incarnée par la pâte à pain, qui prend vie sous les yeux de Charlotte (mais pas de ses collègues ?) lorsqu'elle travaille à la boulangerie. Cette pâte qui salit les lieux et attaque les corps représente la souffrance au travail de la jeune femme, que ses collègues ne semblent plus percevoir, tant ils l'ont intériorisée.


© Juliette Hayer / Sarbacane

Cette idée, intéressante, est bien traitée tout au long d'un album dominé par une élégante bichromie bleue et rouge. Le dessin, réalisé au crayon, possède une véritable « pâte », si l'on ose dire. Les choix de mise en scène s'avèrent également astucieux, avec l'absence totale d'intervalle entre les cases – juste un trait épais – qui renforce la dynamique du récit et la sensation d'oppression dont l'héroïne est victime.


© Juliette Hayer / Sarbacane

Si le récit aurait pu pousser un peu plus loin le curseur du fantastique pour renforcer la charge dramatique et l'aspect thriller de l'album, Levure s'avère une lecture très plaisante, qui rend compte de façon originale de problématiques sociales, avec une chute bien sentie. Une belle découverte.

112 pages – 22 €

Silent Friend - Ildikó Enyedi - critique

Gérard Crespo — 2026-04-05T18:12:34Z

Critique : lldikó Enyedi est une réalisatrice hongroise dont les films, essentiels, mériteraient une plus large audience. Caméra d'or à au Festival de Cannes 1989 avec l'austère et ambitieux Mon XXe siècle, elle a trop peu tourné, préférant donner des conférences et poursuivre ses travaux universitaires. Pourtant, Corps et âmes (Ours d'or à la Berlinale 2017) et L'histoire de ma femme (compétition officielle Cannes 2021) sont de beaux objets de cinéma, même si ce dernier long métrage souffrait de boursouflures. La cinéaste, qui a toujours eu un intérêt pour les récits avec contexte historique et les analyses psychologiques, livre ici une merveille de réflexion et de subtilité narrative. Coproduction ayant impliqué l'Allemagne, la Hongrie, la France et la Chine, Silent Center propose trois dimensions temporelles. Les récits imbriqués ont pour décor commun un jardin botanique au centre duquel est planté un gingo biloba, arbre très ancien, également appelé « fossile vivant ». En 1908, Grete est une jeune femme passionnée par la botanique mais qui se heurte au sexisme d'un milieu universitaire peu enclin à l'accueillir. Dans les années 1970, Hannes est un étudiant timide et romantique, à contre-courant de ses pairs, et qui va s'éveiller à la nature à la suite de son premier émoi amoureux. De nos jours, Tony, un professeur asiatique, poursuit ses expérimentations avec conviction et passion.


© 2025 PANDORA FILM - SILENT FRIEND_GALATÉE FILMS - INFORG-M&M FILM - ARTE FRANCE CINÉMA

Le film tente avec bonheur de concilier plusieurs axes, en insistant sur l'évolution des relations avec la science et la nature, tout évoquant les rapports de genre, le tout sans perdre le spectateur en cours de route, ni donner dans le pensum savant et moralisateur ou le produit culturel new age. lldikó Enyedi précise ainsi dans le dossier de presse : « Il y a aujourd'hui beaucoup de films qui cherchent à montrer combien nous sommes durs avec la nature, combien nous devons changer, ce que nous devrions faire. Je comprends cette urgence, mais je ne tenais pas à m'inscrire dans ce registre-là. Il ne s'agissait ni de donner des leçons, ni de formuler des injonctions. Encore moins d'adopter une posture du type : moi, je sais mieux que les autres comment il faudrait vivre. Ce qui me semblait important, c'était d'avoir une chance – même très mince – de donner un aperçu de ce que peut être l'existence d'un être aussi éloigné de nous qu'un arbre. J'imaginais un film sensuel, au sens le plus simple et le plus fort : un film qui ralentit notre appétit pour l'histoire, pour la tension, pour le drame, pour l'intrigue, et qui propose autre chose. Le cinéma peut aussi fonctionner ainsi. L'image et le son déclenchent des sensations qui ne passent pas nécessairement par le récit. »


© 2025 PANDORA FILM - SILENT FRIEND_GALATÉE FILMS - INFORG-M&M FILM - ARTE FRANCE CINÉMA

Le pari est tenu et plusieurs séquences marqueront le public, dont cet oppressant passage qui voit Grete rester digne et sereine face à un jury d'examinateurs misogynes, rigides et de mauvaise foi. Pourtant, les autres personnages masculins ont souvent droit à la bienveillance de la réalisatrice, à commencer par Hannes, trop sensible et en manque d'intégration sociale, en décalage par rapport aux revendications post-soixante-huitardes de ses pairs, et qui trouvera dans le rapport aux plantes une manière de se ressourcer, comme cela avait été le cas de Grete, quelques décennies plus tôt. Moins directement axé sur la jeunesse (bien qu'on y voie Tony échanger avec ses étudiants), la partie actuelle est sans doute la plus belle visuellement, tout en proposant des pistes d'analyse sur la posture du scientifique face aux défis écologiques contemporains, avec quelques scènes à la frontière de l'onirisme. Il faut souligner par ailleurs le travail remarquable du directeur photo Gergely Pálos, en particulier pour le langage visuel distinct associé à chaque époque. Il n'est pas superflu d'insister également sur le jeu tout en nuances de Tony Leung Chiu-wai, qui effectue ici un beau retour, ainsi que la plus-value apportée par les jeunes interprètes lumineux que sont l'actrice suisse Luna Wedler (primée à la Mostra de Venise) et l'Autrichien Enzo Brumm. Il faut se laisser porter par ce film exigeant mais stimulant, qui restera sans doute dans les annales du cinéma, quelque part entre Mon oncle d'Amérique et Les moissons du ciel, tout en ayant sa singularité.

Arco - Ugo Bienvenu - critique

Éric Françonnet, Laurent Cambon — 2026-04-05T18:00:58Z

– Sortie DVD/Blu-ray : 17 mars 2026

– César 2026 : meilleur film d'animation, meilleure musique

– Festival de Cannes 2025, Sélection officielle, Hors compétition, Séances spéciales

– Festival du Film d'Animation d'Annecy 2025 : Cristal du long-métrage

– Fondation GAN pour le cinéma : Prix spécial

Le test DVD

L'image :
Ugo Bienvenu confirme son talent et nous livre un dessin animé inattendu et qui ne pâlit en rien du passage sur support DVD. Les couleurs sont magnifiques, puisant dans une palette extrêmement variée, et la scène finale se pare de mille feux (au sens propre comme figuré). Nous pouvons sans hésiter saluer cette aventure humaniste, futuriste, et écologique "made in France", qui saura toucher et parler à tous les publics.

Le son :
Le son est clair et équilibré du début à la fin. Pas la moindre saturation n'est perceptible même lors des scènes où l'histoire s'emballe. Les dialogues épousent un scénario bien ficelé et les voix humaines et humanoïdes des personnages sont portées par des acteurs de talent dont Vincent Macaigne. La musique d'Arnaud Toulon est sublime et accompagne avec brio un récit haletant. Les studios Ghibli et Disney peuvent rougir de cette prouesse.

Les suppléments :
Ils sont légion et nous nous en réjouissons car ils nous en apprennent plus sur cette fable qui, à l'instar de Flow, pose une nouvelle pierre solide dans l'édifice du film d'animation européen :
– Making-of de la genèse d'Arco avec Hugo Bienvenu, Félix de Givry, Sophie Mas et Natalie Portman ;
– Making-of de la bande originale avec Arnaud Toulon (compositeur) ;
– Making-of de l'animation commenté par Ugo Bienvenu et les animateurs ;
– L'Entretien, court-métrage réalisé par Hugo Bienvenu et Félix de Givry ;
– Clips de musique réalises par Ugo Bienvenu ;
– Bande-annonce.

Éric Françonnet


© Diaphana Édition Vidéo

La critique

Critique : La rédaction connaît bien Ugo Bienvenu pour ses activités de dessinateur de BD. Cette fois, il tente l'aventure du cinéma en s'engageant dans cette œuvre totalement féérique Arco, où il est question de voyage dans le temps, d'amitié, de solidarité et d'écologie. Le début s'ouvre sur un monde magnifique suspendu au-dessus des nuages, où les individus vivent sur des sortes soucoupes avec des jardins luxuriants et des maisons tout aussi belles. Les parents et la sœur du héros, Arco, reviennent d'un voyage en-dessous des nuages, semble-t-il, d'où ils ont apporté une fougère et ont aperçu des dinosaures. Le petit garçon est fasciné et profite du sommeil de ses parents pour se lancer seul dans l'aventure, avec sur le dos une cape arc-en-ciel et un diamant qui équipe le bonnet. Il se retrouve alors propulsé sur la Terre, mais à une époque qui n'a rien à voir avec celle des bêtes préhistoriques. Une nouvelle aventure s'ouvre pour lui et Iris, une habitante, afin qu'il puisse retourner auprès des siens.


Copyright Remembers - MountainA

Arco est un film absolument magnifique, des images naturellement à la musique. L'inventivité est permanente, tout en favorisant une entrée qui pourrait dans cinquante ans devenir la réalité. Les êtres humains composent avec l'Intelligence Artificielle qui est incarnée par des robots bienveillants, capables de remplacer les nounous, les professeurs et les policiers. C'est dire que l'IA est aujourd'hui bien intégrée dans l'imaginaire des réalisateurs tant le nombre de films sur le sujet deviennent nombreux sur les écrans et particulièrement cette année à Cannes 2025, avec notamment le surprenant Dalloway. C'est évidemment pour eux une manière de penser le monde de demain, et de prévenir des dérives évidentes qui pourraient survenir. On imagine bien que la technologie avançant, le cinéma n'aura plus du tout le même visage dans quelques années.

Nous avons là à faire avec un petit joyau de poésie, d'imagination et de beauté. Chaque image est travaillée au détail près, sans tomber dans des fioritures inutiles ou des surcharges narratives. La réalisation va à l'essentiel pour parler d'un monde, le nôtre dans cinquante ans, où, si l'on n'y prête pas garde, les possibles seront certes illimités, mais sans doute au mépris des besoins humains primaires. Iris est en effet gardée par un robot certes inoffensif et protecteur, mais l'image virtuelle de ses parents trop absorbés par le boulot n'apporte pas l'affection dont un enfant a besoin. Trois drôles de personnages, taxés de fous, assistent à la rencontre entre Iris et Arco. Ils sont certains d'avoir enfin la preuve que les gens volent et tentent par tous les moyens de faire reconnaître l'évidence, comme quoi même les techniques les plus avancées n'empêchent pas, et c'est heureux, le doute.


Copyright Remembers - MountainA

Ugo Bienvenu réalise une fable philosophique et mystique, ouverte à tout public. Enfants et adultes se retrouveront dans cette farandole d'imagination qui ne se censure jamais. En même temps, le propos échappe à l'intellectualisme suranné, et les délires perchés. Le cinéaste invite le spectateur à se projeter dans un temps à venir, et surtout à comprendre en un instant, la logique quantique. Et c'est là le plus bluffant du film. En une heure trente, en invitant les spectateurs dans le voyage à travers la forêt des deux enfants, on comprend la notion même de temps, si difficile à énoncer quand on n'est pas scientifique. Ugo Bienvenu donne à penser qu'une fraction de seconde peut être une existence entière, suivant le point de vue où l'on se situe. Ainsi, au-delà du plaisir, ce film est une magnifique fenêtre pédagogique sur les questions complexes du temps qui passe, de la nature humaine et de la nécessaire conservation des plantes et des animaux.

Ugo Bienvenu nous invite au rêve, à l'enchantement, mais aussi à la réflexion et à la connaissance à travers ce petit miracle du cinéma d'animation. Force est de constater que si liste des films s'allonge tous les ans sur la Croisette, l'animation demeure encore un cinéma de niche. On se souvient pourtant l'an dernier de Flow, qui était juste merveilleux et puissant. Voilà donc un long-métrage dont il ne faudra pas se priver, qu'on soit seul, en couple ou en famille. L'imaginaire sera mis à bonne épreuve.

Laurent Cambon

L'enfant du désert - Gilles de Maistre - critique

Claudine Levanneur — 2026-04-05T15:20:01Z

Critique : En 1969, avec L'enfant sauvage, François Truffaut étudiait le cas de Victor, un gamin d'une dizaine d'années, abandonné en pleine forêt et élevé par des loups. Presque soixante ans plus tard, Gilles de Maistre se penche sur le sort de Hadara, un tout jeune garçon que sa mère égare dans le désert, après voir voulu rattraper son dromadaire en fuite. Si ces deux récits s'inspirent d'histoires vraies et posent les questions fondamentales de la socialisation et de l'avenir d'un enfant qui n'a connu ni langage, ni structure sociale, leurs similitudes s'arrêtent là. Car à l'austérité scientifique du premier s'opposent les couleurs chaudes d'espaces infinis, symbole d'aventures et de liberté, du second.


Copyright Studio Canal

Gilles de Maistre a gagné ses galons de réalisateur grâce à son talent à mettre en scène enfants et animaux. On retiendra, parmi ses films les plus récents Mia et le lion blanc, Le loup et le lion et Le dernier jaguar. Reprenant ses thématiques favorites (l'amitié entre un enfant et un animal dans un cadre exotique) et s'inspirant du livre Hadara, l'enfant autruche de Monica Zak, une autrice suédoise, il repart sur la voie de la fable écologique pour bâtir un spectacle assez contemplatif pour émerveiller toute la famille et assez espiègle pour toucher les plus petits.
Les scènes alternent entre notre époque contemporaine où la jeune Sun évoque son lien avec son grand-père, conteur d'histoires, et les vues réelles du désert marocain où vécut, au début du siècle dernier, le jeune Hadara de deux à douze ans, choyé par une famille d'autruches, à laquelle il adapta son mode de vie.


Copyright MAI JUIN PRODUCTIONS - STUDIO CANAL - UMEDIA PRODUCTIONS

La mise en scène privilégie les grands espaces pour nous immerger dans ce monde minéral mais certes bien vivant, tandis que la caméra capte avec tendresse toutes les émotions de cet adorable bambin dont on partage pleinement les moments de détresse, mais aussi les jeux avec les animaux qui l'adoptent et qu'il adopte. Un clin d'œil discret pour laisser filer l'idée qu'avec un peu de bonne volonté, tous les peuples, toutes les races et tous les genres peuvent s'entraider et vivre en bonne harmonie. Plus soucieux de faire souffler un air d'impétuosité que de délivrer un message moral, le récit ternit néanmoins sa magie au détour d'une anecdote malencontreuse autour d'une équipe de producteurs hollywoodiens cupides. De vilains personnages bien vite corrigés par un Kev Adams au grand cœur, arrivé à point nommé pour reconnecter Hadara à la vie des hommes et attirer le jeune public à lui.
En plus d'être un récit initiatique d'une beauté incontestable, L'enfant du désert peut se féliciter d'avoir permis aux animaux présents sur le tournage d'échapper à un bien triste destin. Les autruches, initialement élevées pour la maroquinerie, vivent désormais dans un refuge à Marrakech. Quant aux fennecs, capturés et enfermés dans le salon d'une famille, ils devraient être sous peu rendus à la nature. Une bien belle histoire sans aucun doute !

L'Enfant sauvage - François Truffaut - critique

Gérard Crespo — 2026-04-05T15:12:28Z

– Sortie en version restaurée : 3 août 2022

Critique : Après les échecs relatifs de La mariée était en noir et La sirène du Mississipi, adaptations policières qu'il jugeait manquées, François Truffaut revint à un projet plus personnel avec ce récit (tiré d'une histoire vraie) d'une éducation pas comme les autres. À l'instar d'Antoine Doinel, le pré-ado des 400 coups, Victor est un incompris dont les failles et déviances sont amplifiées par une carence affective et stigmatisées par le regard des autres. Enfant livré à la forêt hostile, et recueilli par des adultes qui en font presque un phénomène de foire, le « sauvage de l'Aveyron » est l'objet de malentendus : perçu comme abandonné car il était idiot, il s'avère vite l'archétype de l'enfant retardé mentalement en raison de cet abandon.

Cette inversion de la causalité est décelée dès la première demi-heure du film, faisant du docteur Itard un médecin enquêteur perçant très vite le mystère de ce jeune « animal humain », à qui il déclarera au bout de plusieurs mois : "Tu n'es plus un sauvage, même si tu n'es pas encore un homme". L'œuvre dépeint une lente mais certaine métamorphose, Truffaut excellant à montrer la relation (pédagogique, et bientôt affective), qui s'instaure entre Victor et son éducateur, par un jeu de coercition, imitation et interaction au cœur du processus d'apprentissage : la scène où Victor se révolte vigoureusement lorsqu'il est puni sans raison est à ce titre emblématique, l'« ordre moral » étant intériorisé par l'enfant. Sur le plan formel, le noir et blanc éclatant de Nestor Almendros concourt à la sobriété du récit, qui démarre par une fulgurante séquence quasiment muette, et d'une violence inouïe, au cours de laquelle Victor est considéré comme un animal sauvage qu'il s'agit de capturer par la force.

Construite comme une succession de chapitres (« Victor dans la forêt », « Victor à l'Institut des sourds et muets »), la narration est rythmée par la voix off du médecin écrivant ses notes et réflexions au gré des avancées et échecs dans sa relation avec l'enfant. Ce dernier est interprété avec conviction par Jean-Pierre Cargol, dont ce fut aussi une expérience d'apprentissage, celui du métier de comédien. Truffaut joue lui-même le docteur Itard, créant ainsi une mise en abyme fascinante entre les rôles d'éducateur et de directeur d'acteur. Il signe avec L'enfant sauvage son film intimiste le plus réussi (avec La chambre verte), et un beau plaidoyer pour l'altérité, dans la lignée des Freaks et autres œuvres humanistes du 7e art.

Voir en ligne : François Truffaut, les années d'or (site de Carlotta)

– Syndicat Français de la Critique de Cinéma 1971 : Prix du meilleur film
– National Board of Review, USA 1971 : Meilleur réalisateur

Festival Format Court 2026 : du 8 au 12 avril

Laurent Garreau — 2026-04-05T15:02:30Z

Un geste militant, un geste de cinéma

Comme le rappelle la programmatrice Lou Leoty, ce focus est pensé comme un « acte militant » à l'échelle d'un festival : montrer des films tournés sous le manteau, en exil ou en marge, revient à rendre visibles celles et ceux qui continuent de créer malgré la censure, la surveillance et la répression. Le festival choisit ici lucidement de rappeler que regarder ces films, c'est prendre position.

Cinq films, cinq regards, une même urgence

Le programme réunit cinq courts-métrages réalisés par quatre femmes et un homme, dont une première française, et accueillera la cinéaste Sahara Moeini ainsi que le scénariste Simon Serna pour un échange avec le public.

Au menu :
Je suis née soldat – Sahara Moeini (doc., 19', Iran, 2025)
Un portrait puissant de femmes confrontées à la militarisation de leur quotidien.

À cœur perdu – Sarah Saidan (anim., 14', France, 2022)
Une animation sensible qui fait résonner l'exil et le déracinement.

Nili's Moments of Solitude – Dorsa Shirazi (fic., 15', Iran, 2024 – Première française)
Chronique intimiste, tournée dans un Iran où l'isolement devient une forme de résistance.

The 80 Blows – Alireza Abbasi (fic., 13', Iran, 2025)
Un film frontal sur la répression et la violence institutionnelle.

Titanic, version adaptée aux familles iraniennes – Farnoosh Samadi (fic., 15', Iran/France, 2023)
Une relecture ironique et grinçante de la censure, qui réécrit les imaginaires imposés.

Tous témoignent, à leur manière, d'une cinématographie lucide, inventive, qui contourne les interdits par la poésie, l'allusion, l'humour ou le témoignage direct.

Un festival attentif aux luttes contemporaines
Avec ce focus, Format Court renforce sa ligne éditoriale : un espace dédié aux nouvelles voix, aux formes libres et aux cinémas qui interrogent nos sociétés. Après les séances « Secrets et tabous » ou la table ronde SRF autour du body horror, le festival affirme que le court-métrage reste un terrain d'expérimentation artistique et politique.
Le fait que ce programme soit porté majoritairement par des réalisatrices ajoute une lecture supplémentaire : celle d'un cinéma iranien contemporain où les voix féminines sont parmi les plus audacieuses, sur tous les fronts — esthétiques, sociaux, militants.

Rendez-vous au Studio des Ursulines
Le public pourra découvrir ces films dimanche 12 avril à 17h, au Studio des Ursulines, avant la cérémonie de remise des prix à 19h (séance gratuite).
Une occasion unique de voir ces œuvres sur grand écran et de rencontrer celles et ceux qui les portent.

Voir en ligne : Le site du Festival