aVoir-aLire.com

Bait - Mark Jenkin - critique

Laurent Cambon — 2026-06-03T05:20:58Z

– Année de production : 2019

Critique : Faire du cinéma à la manière de Mark Jenkin, c'est décider que l'image, le scénario, et le montage échappent à toute forme de normativité esthétique et commerciale. Bait, premier film du réalisateur, propose une expérience qui tranche avec les codes attendus, offrant un récit âpre où la rudesse sociale côtoie le tragique et le merveilleux.

Deux mondes s'opposent, sans aucune ligne de partage possible. D'un côté, il y a le pêcheur qui, bar après bar, tente à la sueur de son front rugueux de réunir une somme d'argent capable de lui permettre d'acheter un bateau qui sera sa seule garantie d'une autonomie financière ; en face,, on trouve es gens de la ville qui achètent les maisons ancestrales du coin pour les louer à des touristes ou passer eux-mêmes leurs propres vacances. Ils décorent les murs de leur nouvelle acquisition avec des filets, des bouées, les mêmes matériaux qui constituent les outils quotidiens de ceux qui vivent de la force de leurs bras. Mark Jenkin s'inspire ainsi de la Cornouaille anglaise où il vit pour tisser un récit qui tente de conjuguer l'arrivée des Londoniens riches dans des maisons qui perdent peu à peu leur identité, et la survie de plus en plus difficile des populations locales et ouvrières qui renoncent à leur travail pour s'adonner à l'industrie du tourisme.


Copyright ED Distribution

Mark Jenkin choisit de réaliser une œuvre radicale, tant dans l'esthétique de l'image que le montage. Les objets sont filmés de très près, et se succèdent dans des plans coupés de façon presque artisanale. L'enjeu pour le cinéaste est de rendre compte des réalités qui s'entrechoquent à travers des objets, des gestes du quotidien. L'amour parvient pourtant à s'inviter dans la rugosité des lieux et des images, même s'il est de toute façon voué à échoir dans la tragédie. On pense à l'immense film de Rainer Werner Fassbinder Querelle, d'après Jean Genet, où la plongée de la fiction dans le monde des marins se confond avec l'érotisme ravageur des visages brûlés par la mer. Pour autant, la mise en scène, très occupée à regarder les habitants dans leur quotidien, refuse la nudité, encore moins la sexualité. Seuls les regards d'un adolescent sur un autre par révèlent que les lignes de flottaison se brouillent dans un univers déjà entravé par la perte de repères des autochtones.


Copyright ED Distribution

Bait, tourné en 2019, a été couronné d'un grand nombre de récompenses. Il a fallu attendre 2026 pour le trouver sur nos écrans. En même temps, le long-métrage semble totalement ancré dans une forme d'effacement des années. Le grain de l'image, le montage, le choix des lumières et le noir et blanc pourraient aisément faire référence à une œuvre des années 1950. Justement, le fait qu'il ait fallu sept années pour lui distribuer en France renforce la dimension intemporelle de cette œuvre originale et puissante.

Bait est un grand film, au sens d'un spectacle de la radicalité et de l'humanité qui se défait. Il se dégage de ce noir et blanc haché et abîmé une mélancolie profonde, comme si les mondes d'hier étaient définitivement révolus. La détermination du personnage principall à ramasser les billets pour s'offrir un bateau ou à traverser les rues dénote un basculement du temps dans un monde où la place à l'authenticité n'est plus. Le fantastique guette avec l'apparition furtive de ces statues immobiles ou de ces visages à travers les fenêtres, signe peut-être que dans un univers qui décline, il ne reste plus que l'imagination pour le perpétrer.

Semaine du 3 juin 2026 : les sorties en salle

La rédaction ciné — 2026-06-02T16:17:39Z

News : Les nouveautés de la semaine du 3 juin 2026 sont :

Longs métrages de fiction


© Pathé Distribution

– L'affaire Zanetti, de Leonardo Di Costanzo

– Anna et les enfants, de Diane Clavier

– Bait, de Mark Jenkin

– La bataille de Gaulle : L'âge de fer, de Antonin Baudry

– Francesca & Giovanni, de Simona Izzo, Ricky Tognazzi

– Le garçon qui faisait danser les collines, de Georgi M. Unkovski

– The Plague, de Charlie Polinger

– Saccharine, de Natalie Erika James

– Scary Movie, de Michael Tiddes

Longs métrages documentaires

– En nous, de Juliette Binoche

– Loin de moi la colère, de Joël Akafou

– Mirage, de Valentin Birant (9 juin)

– Toutes mes sœurs, de Massoud Bakhshi

– La Tsigane, sur la route avec Tamèrantong !, de Sébastien Lefebvre

Longs métrages d'animation

– The Amazing Digital Circus : Acte final, de Lizzie Freeman, Michael Kovach, Marissa Lenti (6 et 7 juin)

– Bouchra, de Orian Barki, Meriem Bennani

– Nouveaux copains à Puffin Rock, de Jeremy Purcell

Spectacles

– Hamlet (Comédie-Française), de Corentin Leconte, Ivo van Hove (7 juin)

– Santa - Le concert au cinéma, de Tristan Carné (4 juin)

Reprises

– Bye Bye Brésil, de Carlos Diegues (1980)

– When We Where Kings, de Leon Gast (documentaire, 1996)

Samouraïs – Philippe Charlier - chronique livre

David Neau — 2026-06-02T16:04:00Z

Critique : Philippe Charlier nous raconte l'histoire des samouraïs. Certains chapitres sont consacrés à des personnages bien réels, dont les exploits ont acquis une dimension presque légendaire. L'auteur se penche aussi sur les clans historiques rivaux des Minamoto et des Taira. Il n'oublie pas les Onna-Bugeisha, ces femmes combattantes à l'arc ou au naginata.
Philippe Charlier réveille pour nous ces personnages au code de l'honneur rigoureux. Au final, on regrette que ce livre soit si court : on aurait aimé plus de récits, plus de détails. Pour qui souhaiterait creuser le monde des samouraïs, on trouve la bibliographie finale qui comporte quelques ouvrages de référence.
Avec ce recueil, Philippe Charlier nous donne un aperçu du monde de ces nobles guerriers. Il présente leurs armes, notamment le sabre, ainsi que leurs armures. Et tous les chapitres sont illustrés d'extraits pleine page d'estampes japonaises.


Yashima Gakutei (vers 1786-1855), Ashina charge en direction des remparts, de la série "Trois Charges", détail, 1827, estampe surimono avec rehauts de poudre de cuivre et d'argent, format shikishiban, 21x18,3cm
New Haven Copyright Yale University Art Gallery. Gift of Virginia Shawn Drosten and Patrick Kenadjian, B.A. 1970 Copyright Hazan 2026

Les illustrations sont extrêmement nombreuses dans ce recueil. Elles sont un plaisir des yeux. On y trouve tout le talent de nombreux grands peintres japonais, majoritairement Kuniyoshi et Yoshitoshi, mais aussi Hiroshige, Sadanobu, Hokusai et autres artistes talentueux.
Les couleurs sont vives et la conception du livre, reliure à la japonaise, couverture en soie, rend hommage aux peintures reproduites. On peut regretter qu'il s'agisse majoritairement de détails des estampes et que l'on ne puisse les voir dans leur intégralité. Ce qui se comprend pour les triptyques, ou les grands formats, mais on aurait aimé en avoir quelques-unes en entier.
Ces reproductions mettent en évidence le travail des artistes pour rendre le détail des armures, leurs compositions complexes, les décorations des tissus, des casques, des liens. On prend conscience que ces protections étaient également des œuvres d'art, destinées à impressionner l'adversaire, à montrer la richesse de leur détenteur et aussi à décliner leur identité, grâce aux symboles du clan.
Samouraïs au repos, au combat, interprétés par des comédiens, fantomatiques, en duel ou en masse à l'assaut d'un château : c'est toute une galerie de représentations diverses qui nous sont proposées.

Samouraïs nous offre une belle entrée dans le monde de ces guerriers japonais, combattants et lettrés. On découvre leur univers autant par le texte que par les magnifiques images.

Voir en ligne : Le site de l'éditeur

192 pages – 29,95 €

The Plague - Charlie Polinger - critique

Laurent Cambon — 2026-06-02T14:08:35Z

– Festival de Cannes 2025 : Sélection officielle, Un Certain Regard


© Festival de Cannes 2025

Critique : Il y a des films qui vous glacent le sang et dont l'effroi ne vous lâche plus d'un bout à l'autre. The Plague est de ceux-là. Il se passe lors d'un séjour d'apprentissage sportif qui réunit le temps d'un stage des jeunes qui pratiquent le water-polo. Les filles, elles, dans une autre classe, s'entraînent à la gymnastique aquatique. Ces compositions mono-sexuées des groupes pourraient faire hurler les opposants aux théories du genre, mais d'emblée, cette situation pose un cadre réactionnaire et implacable qui n'a pas bougé depuis que l'univers des sports de haut niveau existe. Trois personnages intéressent particulièrement le jeune et talentueux cinéaste Charlie Polinger : Jack qui se pose en leader du groupe ; le héros Ben récemment parti de Boston et souffrant de troubles de l'élocution ; et Eli qui, en plus de difficultés apparemment mentales ou cognitives, a le corps couvert d'eczéma. Ce dernier fait l'objet de moqueries et d'un rejet violent par l'ensemble du groupe à l'exception du protagoniste, du fait de sa différence physique et comportementale, et surtout du bruit que les jeunes sportifs font courir qu'il serait atteint par la peste.


© 2025 Spooky Pictures. Tous droits réservés.

"La peste" donne le titre au film en anglais. Cette peste n'est pas seulement biologique, elle est surtout l'expression d'un harcèlement qui se répand très vite entre les enfants et dont les victimes ne peuvent plus sortir. Le réalisateur n'emprunte pas la question des réseaux sociaux pour décrire le problème, ce qui est très malin, car finalement dans l'enceinte fermée du club fermé, le fonctionnement de cette communication hostile et maltraitante procède des mêmes ressorts. On sait hélas les ravages que provoque le harcèlement scolaire en matière de dépression, de suicide ou de passages à l'acte agressifs graves. En l'occurrence, sans sombrer dans une leçon de psychologie de cuisine, ces plaques rouges qui colorent la peau d'Eli sont l'expression de sa douleur et sa détresse immenses, le conduisant à s'enfermer dans des comportements étranges, ritualisés, qui apparaissent comme des paravents efficaces contre sa solitude.


© 2025 Spooky Pictures. Tous droits réservés.

The Plague alterne thriller et drame social. Dès l'entrée, grâce à une musique glaçante et la position de la caméra dans la piscine, l'apparition des corps des jeunes nageurs semble sortis de nulle part : ils sont semblables à des requins qui viendraient se défouler sur de pauvres victimes. La pression est permanente, et on perçoit notamment chez Jack les tics du pervers narcissique, qui monte le groupe contre la victime qu'il a désignée et fait en sorte de retourner la culpabilité sur ceux qu'il persécute. Son sourire narquois, sa position sur les tables de déjeuner, sa prestance augurent une force à manipuler et à rendre fous les individus qu'il a désignés comme mauvais. Mais les victimes hélas ne sont pas non plus étrangères à ce dispositif sournois et insidieux, elles-mêmes justifiant presque les comportements toxiques par manque de confiance en elles.

The Plague est un film intelligent et fort. Il emporte le spectateur jusque la fin dans la mécanique désastreuse du harcèlement scolaire. On regarde les victimes s'effondrer sans être capables du moindre geste de secours, à la façon du seul adulte du film confondant de lâcheté et de maladresse. Voilà une œuvre forte, dont on espère qu'elle sera remarquée par les jurys cannois d'un Certain Regard. Assurément, Charlie Polinger est un réalisateur à suivre.

Saccharine - Natalie Erika James - critique

Victoire Marin — 2026-06-02T14:07:23Z

Critique : Dès sa sortie, il semblait assez entendu que The Substance de Coralie Fargeat, qui défiait le culte patriarcal de la jeunesse à grand coup de body horror grand-guignolesque, avait le potentiel d'engendrer une descendance : Saccharine est de cette lignée.
Il nous raconte les déboires d'Hana, une étudiante en médecine souffrant de boulimie et d'une grande difficulté à accepter son corps. Alors que tous ses efforts lui semblent vains et la tâche insurmontable, elle croise une ancienne amie qui a perdu énormément de poids sans rien faire grâce à des pilules miracles, qui sont en réalité composées de cendres humaines. Se servant sur un des cadavres du cours d'anatomie, Hana va fabriquer ses propres cachets tout en commençant à être témoin de phénomènes surnaturels et autres possessions en tout genre.


© 2026 FC Films / Carver Films. Tous droits réservés.

Saccharine est une œuvre éminemment dans l'air du temps, que l'on peut lire comme une métaphore du phénomène Ozempic, médicament controversé contre le diabète qui a été détourné comme drogue magique pour s'empêcher de manger, non sans risques pour l'appareil digestif. Hana a la même relation à ses macabres gélules : elles représentent un échappatoire facile, une façon d'atteindre l'apparence souhaitée sans avoir à travailler une seule seconde sur son alimentation et surtout sur les raisons psychologiques de ces désordres alimentaires. Le film développe une critique intéressante du désir mortifère de la réduction de son propre corps qui confine à la négation de soi et donc celle de l'autre, car dans ce cadre de recherche d'un idéal seuls ceux qui y correspondent ont le droit d'être perçus comme des humains. C'est ce que fait Hana d'abord avec elle même mais surtout avec le corps de cette infortunée, une femme obèse dont elle ne connait pas le nom et qu'elle surnomme Bertha (la grosse Bertha), pendant la majorité du récit. Même dans la mort, cette femme n'est pas vue comme autre chose qu'une « grosse » dont l'individualité n'a aucune importance. Elle devient d'ailleurs une allégorie, un réceptacle des peurs d'Hana, qui prend de plus en plus de place à mesure qu'elle essaie de la cacher, cette femme qu'elle a peur de devenir, ce corps qui la dégoûte. Elle en apprend plus sur celle qui s'appelle en réalité Grace, une autre version d'elle-même à qui personne n'a laissé de chance. Les deux femmes, la vivante et la morte, sont l'incarnation du fait de ne pas se laisser vivre à cause de ses complexes, d'être mangé de l'intérieur par une quête de maigreur sans fin : le fantôme qui tourmente Hana n'est jamais rassasié. La réalisatrice traite assez bien des fringales boulimiques et surtout de la honte qui les accompagne ; elle met en scène le surplus, la saturation matérielle de la nourriture mâchée, déchirée, accentuant l'horreur de l'acte de destruction d'Hana. Le fantôme est d'ailleurs aussi un symbole de ce refoulé, de la perte de contrôle, du fait d'être sale, peu désirable par le fait de manger trop et surtout de sortir de la norme. Saccharine porte une attention particulière aux détails peu ragoûtants que l'on ne nous cache pas, mais aussi à une manière de filmer le corps féminin sous des aspect beaucoup plus réalistes et « imparfaits » que ce à quoi le cinéma anglo-saxon est habitué. La caméra se détourne peu ? même dans lors des scènes les plus graphiques, filmant l'intérieur des corps de très près. L'accent est également mis sur le contexte familial et les troubles alimentaires : Hana est coincée entre son père obèse dont l'addiction à la nourriture le détruit, l'éloignant de sa famille, et sa mère exerçant sur elle une grande pression psychologique, ne lui parlant que de son poids.


© 2026 Narelle Portanier. Tous droits réservés.

Cependant, une fois que Saccharine a déposé tous ces éléments devant son spectateur, il ne les exploite qu'assez peu : on a l'impression d'un trop-plein que le film ne maîtrise absolument pas. La protagoniste ne se réconcilie jamais vraiment avec son corps ou son poids, tout est interrompu par la marche de la narration qui doit se conclure au détriment de l'évolution du personnage. Hana n'apprend jamais à se libérer des codes de cette féminité « idéale », ne soigne que très peu son rapport à la nourriture. De la même façon, le conflit avec ses parents, qui lui ont infligé de réelles blessures, n'est jamais résolu. Le propos ne va guère plus loin que des enjeux personnels, les problèmes psychologiques d'une jeune femme, mais ne s'oriente que très peu vers la critique d'un véritable vice sociétal, d'une norme patriarcale à l'origine de toutes ces images, de toutes ces normes qui influencent à des degrés variés. De la part d'une œuvre qui se positionne comme embrassant le body positivisme, il est étrange de la voir se complaire dans une utilisation du corps obèse comme un objet de peur et de dégoût. L'évocation du lesbianisme est également plus que lacunaire et ne dépasse pas quelques répliques, dont une digne du meilleur post Tumblr : « Est-ce que tu veux être avec elle ou être elle ? » La jeune femme objet du désir d'Hana reste un objet, la belle fille sportive vêtue de rose que l'on veut à la fois posséder et incarner, mais rien de plus. Le film l'évoque mais ne le traite pas.
Enfin, Saccharine se clôt sur une scène qui rend son propos encore plus confus voire inexistant, avec un cliché de film d'horreur qui relance la terreur une dernière fois pour finir sur un coup d'éclat, mais ne fait que réduire la portée de l'œuvre, la rendre convenue.
La réalisatrice Natalie Erika James livre un body horror amusant mais trop timoré tant dans sa forme que son fond, et qui souffre donc de la comparaison avec The Substance. Ce film divertissant sait toucher certains points avec justesse mais ne pousse malheureusement pas sa réflexion jusqu'au bout.

Tout va super - Patrick Cassir - critique

Laurent Cambon — 2026-06-02T07:58:40Z

Critique : Parler du cancer au cinéma demeure un exercice assez courant. Mais envisager la rechute irrémédiable d'une tumeur à la plèvre sur le mode humoristique constitue véritablement un trait d'originalité. En effet, si le film s'ouvre sur la rémission quasi complète de la mère d'Élie à la suite de près de 5 ans de bataille médicale, peu de séquences après, se ré-ouvre la tragédie d'une maladie qui reprend de l'énergie. Tout va super ne s'épanche pas tellement sur les séances de chimiothérapie subies par Sylvaine, mais plutôt le déni de son fils qui, au motif d'une relation sentimentale qui s'installe, se cache à lui-même et à ses proches, le cauchemar annoncé d'une reprise du cancer.

Patrick Cassir est un habitué des situations insolites pour dérouler ses récits, à chaque fois, teintés d'un humour franc. Le cancer n'est pas vraiment un sujet de rigolade, mais le cinéaste prend le parti de proposer un ton joyeux et décalé pour évoquer la fin certaine de son personnage. Ainsi, la fiction cumule des scènes assez iconoclastes où les protagonistes se heurtent à des malentendus ou des quiproquos pétris de rire. La bande-annonce d'ailleurs annonce la tonalité générale du long-métrage avec notamment le portrait haut en couleur de l'aide à domicile ou cette conductrice de taxi qui propose aux jeunes tourtereaux, qui viennent de se rencontrer, de passer la nuit ensemble. Tout est déjà presque dit d'une œuvre qui ne se prend pas au sérieux, avec un goût certain pour l'absurde.


Copyright ATELIER DE PRODUCTION - TF1 FILMS PRODUCTION - D.A.C.P - 2025

Tout va super met en scène Hakim Jemili le cinéma français raffole en ce moment. L'acteur a l'opportunité de dérouler les facettes nombreuses d'un personnage qui ne parvient pas à s'émanciper de sa maman qui a tout du stéréotype de la mère juive. Il oscille entre naïveté, maladresse, tendresse et immaturité complète, permettant au comédien de donner à voir l'étendue de son talent. Il donne la réplique à Noémie Lvovsksy comme d'habitude irréprochable, à Marie Colomb, elle aussi, assez caricaturale dans le rôle d'une serveuse de boite de nuit qui complète ses revenus avec du baby-sitting, et à Rudy Milstein qui interprète un aide à domicile gauche. Bref, les comédiens sont à la hauteur de ce que le scénario leur demande, mais s'enferment malgré eux dans le registre de la farce dont ils ne parviennent pas toujours à se départir.


Copyright ATELIER DE PRODUCTION - TF1 FILMS PRODUCTION - D.A.C.P - 2025

Tout va super constitue un film honnête, aérien, aux allures de théâtre filmé parfois, très ancré dans la tradition française de la comédie à la Molière. Maintenant, les fautes de goût demeurent parfois assez marquées, comme cette scène dans le restaurant libanais où la mère se montre particulièrement insistante sur un plat. A force de vouloir en rajouter dans l'humour potache, Patrick Cassir force son sujet et verse parfois dans la maladresse. Les retrouvailles inventées avec un amour de jeunesse par exemple démontrent les excès du scénario qui veut trop en faire dans la drôlerie. D'autres scènes auraient mérité un peu de nuance, avec le risque qu'il soit reproché au réalisateur de se moquer peut-être trop ouvertement des soignants en charge de patients de maladie grave, dans le contexte on le sait tendu de recrutement et de fidélisation des personnels de soins.

Tout va super demeure un long-métrage agréable à regarder en général. Le spectateur se laisse finalement emporter par des personnages drôles et attachants qui entreprennent chacun à leur manière, un chemin vers la réconciliation avec eux-mêmes et leurs proches. Le film fait du bien dans une ambiance actuelle générale teintée de malheurs, de guerres et d'annonces médiatiques graves. Rire du cancer, a fortiori quand il se déclenche de nouveau et peut provoquer la disparition du malade, est risqué mais Patrick Cassir relève le défi avec une certaine grâce.

Bouchra - Orian Barki et Meriem Bennani - critique

Séraphin Degroote-Ferreira — 2026-06-01T18:50:07Z

Critique : Rares sont les films d'animation qui donnent l'impression de faire surgir un territoire visuel entièrement neuf. Bouchra, réalisé par Orian Barki et Meriem Bennani, appartient à cette catégorie d'œuvres qui semblent moins prolonger une tradition que l'interrompre pour ouvrir une brèche. À la croisée de l'autofiction, du récit familial et de l'exploration identitaire, le long métrage construit une proposition esthétique singulière où les codes de la culture Internet, l'imaginaire furry et les questionnements liés à l'expérience queer se rencontrent dans un même mouvement.


© Lizard Production / Norte Distribution. Tous droits réservés.

L'animation évoque autant l'univers des VTubers que certaines formes de création numérique issues des communautés en ligne : VRChat, fursonas, machinima, DeviantArt, etc. Là où une grande partie du cinéma d'animation contemporain continue de rechercher la fluidité, le réalisme ou la perfection technique, Bouchra revendique une artificialité visible. Les personnages anthropomorphes, les textures numériques et les corps hybrides composent un espace où l'identité cesse d'être une donnée fixe pour devenir une matière en constante transformation.
Cette hybridation n'a rien d'un simple effet graphique. Elle devient un langage politique. Les personnages existent dans un état de transition permanent, comme si leur apparence matérialisait les tensions qui traversent leur existence : être marocaine et diasporique, attachée à une histoire familiale tout en cherchant à s'en émanciper, queer dans un environnement où certaines expériences demeurent difficiles à verbaliser. L'animation ne cherche donc pas à reproduire le réel. Elle souhaite représenter ce qui échappe au réel : les contradictions intérieures, les déplacements culturels, les sentiments d'inadéquation qui accompagnent souvent les parcours queer.

La grande réussite du film est de ne jamais traiter la question queer sous un angle strictement discursif. Le coming out, les rapports familiaux ou la découverte de soi ne sont pas seulement racontés ; ils sont inscrits dans la texture même des images.
Le spectateur est invité à ressentir avant de recevoir un message. Les ruptures de ton, les changements de forme et les glissements entre différents niveaux de réalité produisent une expérience de désorientation qui fait écho à l'expérience queer elle-même : celle d'une identité qui se construit souvent à travers l'écart, le doute et la négociation permanente avec les normes sociales.

L'autre singularité de Bouchra tient à sa manière d'articuler héritage culturel et modernité numérique. Le film fait coexister ces deux éléments dans un même espace visuel. La culture marocaine traverse le récit sous la forme de souvenirs, langues, silences familiaux et gestes transmis. Face à elle, l'univers numérique apparaît comme un lieu d'expérimentation où de nouvelles identités deviennent possibles. Cette rencontre produit une esthétique inédite : ni folklore, ni futurisme, mais une forme de cyber-diaspora où les imaginaires du Maghreb dialoguent avec les langages visuels d'internet.

Ce qui frappe finalement dans Bouchra, c'est la sensation d'assister à l'émergence d'une nouvelle grammaire cinématographique. Le film emprunte aux réseaux sociaux, aux avatars numériques, aux cultures queer en ligne et aux expérimentations artistiques contemporaines pour inventer une forme qui lui est propre.

À une époque où l'animation est encore trop souvent associée à des modèles esthétiques standardisés, Bouchra rappelle que ce médium demeure l'un des plus puissants laboratoires des formes. Son esthétique est un moteur pour la mise en scène au-delà d'être un sujet. On ne trouve pas seulement une représentation des identités marginales, mais aussi l'invention d'une forme capable de les accueillir.

La Dame de Pierre au Dôme de Paris et dans toute la France !

Benjamin Oppert — 2026-06-01T17:15:17Z

News : La Dame de Pierre, le spectacle qui rend hommage à l'un des plus célèbres monuments du monde, est de retour dans la capitale du mercredi 03 au dimanche 07 juin 2026 pour six représentations au Dôme de Paris.

Découvrez l'histoire derrière la légende ! À travers des scènes spectaculaires, revivez le chantier de la cathédrale, la Révolution, Quasimodo et Esmeralda, la Libération de Paris… Un récit intense, porté par une mise en scène immersive et une musique saisissante. Revivez les grandes heures de la cathédrale, laissez-vous conter l'épopée incroyable des bâtisseurs et découvrez leur histoire... et leurs mystères !


Crédit photo : Jean Lorber

La Dame de Pierre nous fait célébrer la réouverture de Notre-Dame de Paris avec un spectacle familial qui raconte l'histoire de la cathédrale, depuis sa création jusqu'au terrible incendie.
Cette fresque historique hors du commun traverse les siècles, de la construction de Notre-Dame jusqu'à nos jours. Maurice de Sully, Louis XIII, Victor Hugo, Viollet-le-Duc... Partez à la rencontre des bâtisseurs de cathédrales qui ont fait de Notre-Dame de Paris le symbole de l'histoire de la France ! De son chantier jusqu'à nos jours, c'est un véritable voyage dans le temps et les époques que propose le spectacle à la hauteur du monument.

Après cette étape à Paris, le spectacle poursuivra sa tournée en France.

– Bande-annonce de la tournée

Au Dôme de Paris du mercredi 03 au dimanche 07 juin 2026
Mercredi, jeudi, vendredi, Samedi : 20h00
Samedi et dimanche : 15h00

When We Were Kings - Leon Gast - critique

Nadia Meflah — 2026-06-01T11:04:46Z

Critique : « C'est le bulletin de vote ou la balle, la liberté ou la mort, la liberté pour tous ou la liberté pour personne. » (Malcolm X - Al-Hâjj Mâlik al-Shabazz)

Même celles et ceux qui n'ont aucune idée qui fut Mohamed Ali ne peuvent s'empêcher d'être happés par son extraordinaire présence charismatique. Dès les premiers plans du film, nous sommes captifs, follement charmés. Bien plus qu'un sportif de haut niveau, bien plus qu'un boxeur sacré, c'est une personnalité hors du commun, où sa prose, entre faconde et bravache, n'en est pas moins nouée intrinsèquement à l'obligation quasi existentielle de se faire voir, entendre et surtout comprendre. Le combat pour son existence se niche totalement dans sa langue, une langue chantée, scandée, parfois psalmodiée, où le rythme relève du chant comme de l'incantation. Mais de quelle incantation s'agit-il exactement ? Le plus troublant aussi, c'est de constater la fragilité de cet homme, malgré sa séduction qui emporte tout le monde. Il est agité, bondissant autant par le corps que par la parole, et nous le suivons dans cette première rencontre sur la terre africaine. Ce qui importe n'est pas tant le match, toujours évoqué mais comme un horizon lointain, tel un désir suspendu, que les préparatifs et coulisses de cet évènement plusieurs fois annoncé. L'écrivain et scénariste Norman Mailer, tel un conteur lucide et néanmoins toujours admiratif, nous raconte le parcours de Mohamed Ali, depuis New York jusqu'à Kinshasa, tout comme sa détermination à lutter contre la toxicomanie des jeunes Noirs américains, jusqu'à son engagement aux côtés des Blacks Muslims. Le suspense monte, accrochés que nous sommes à ce qui nous est déroulé, telle une aventure sportive, politique et spirituelle.

Roman Polanski, David Wolper et Berry Gordy (président de Motown Records) avaient été pressentis pour filmer le match, avant que Leon Gast, déjà auteur de documentaires musicaux tel que Nuestra cosa (1972), décide d'en faire « une sorte de WOODSTOCK afro-américain dans lequel viendraient s'insérer des interviews des deux champions et des séquences sur leur entraînement et leur rencontre ».
Il mettra une quinzaine d'années à faire développer les 100 000 mètres de pellicules qu'il avait tournées. En 1989, Island Records rachète son travail pour un million de dollars. Sa rencontre avec le réalisateur et producteur Taylor Hackford, crédité comme coréalisateur, lui offre l'occasion d'enrichir son film par une mise en perspective historique et politique de ce qui se jouait sous sa caméra. À cette époque, les États-Unis s'apprêtent à perdre la guerre du Vietnam, le scandale du Watergate oblige le président Richard Nixon à la démission, les révolutions culturelles et sociales changent profondément le pays, au nom de la liberté et de l'égalité.

Revoir ce film aujourd'hui fait terriblement mal tant nous savons combien le racisme systémique perdure plus que jamais aux États-Unis, aggravé depuis la politique racialiste de D. Trump, soutenue par le Ku Klux Klan.
Le titre, si ambigu, sonne aujourd'hui comme une utopie perdue, celle où les Afro-Américains se pensaient au cœur du monde, si forts, invincibles, et enfin sous toutes les lumières, autant celle de la liberté, de la justice et de l'égalité.
Qu'en est-il aujourd'hui de cet héritage ? Il se niche très vraisemblablement dans l'exigence éthique que ne cesse de revendiquer toute la jeunesse américaine depuis plusieurs mois, voire années. Celle d'un monde où les puissances mortifères du capitalisme raciste ne doivent plus exister. Une autre utopie ?

Le film est dédié à la mémoire de Sonny Liston, Joe Louis, Rocky Marciano, Alex Haley, Odessa Clay, Howard Cosell, Sugar Ray Robinson, Elijah Muhammad et Malcolm X.

Cheyenne – Patrick Prugne – la chronique BD

Florian Moine — 2026-06-01T09:33:50Z

Critique : Patrick Prugne construit patiemment, depuis la publication en 2009 de Canoë Bay, sa « saga indienne », western contemporain qui privilégie le point de vue des populations amérindiennes et les personnages situés entre les deux mondes, comme Georges et Charley dans Cheyenne. Ses albums sont le fruit d'un travail de documentation et d'une reconstitution minutieuse des faits et des coutumes de ces populations. S'il puise dans une longue tradition culturelle qui a connue ses heures de gloire au cinéma comme en bande dessinée, Patrick Prugne évite tout cliché dans sa représentation et met en évidence une dialectique entre rapprochement des peuples – incarné par les métis – et intolérance, voire haine de l'autre.

Cheyenne revient sur un moment emblématique de la violence de la conquête de l'Ouest : le massacre de Sand Creek (Colorado) commis le 29 novembre 1864 à l'encontre d'un village cheyenne et arapahos : hommes, femmes et vieillards ont été pris par surprise et massacrés, en violation des accords de paix. L'album revient sur les tensions qui précèdent cet événement et la responsabilité du colonel Chivington dans le massacre. Les personnages mis en scène dans l'album, à commencer par les deux frères au centre de cette histoire, sont attestés. L'album impressionne par son réalisme et la minutie dans la représentation des décors.

Les planches réalisées par Patrick Prugne sont un régal pour l'œil. Le dessinateur maîtrise à merveille les dégradés de couleurs pour figurer le ciel et les vastes étendues des Grandes Plaines, représentées à différentes saisons. Il excelle par ailleurs dans la représentation des chevaux, animal si difficile à dessiner. Il n'est pas étonnant de voir cet album être publié par Daniel Maghen, qui officie d'abord comme galeriste. L'album bénéficie d'ailleurs d'une fabrication impeccable, avec un papier et un format qui mettent en valeur la qualité du trait de Patrick Prugne.

Les amateurs de western prendront un grand plaisir à lire Cheyenne, qui séduit tant par ses qualités graphiques que par sa reconstitution fidèle des événements.

Pour en savoir davantage, écoutez l'interview menée par Jérôme Vincent pour Cheyenne sur Dans ma bulle !

96 pages – 19,50 €