The Fin - Syeyoung Park - critique

Critique : Convaincu qu’il n’a pas tiré tout le potentiel de son premier court-métrage éponyme, Syeyoung Park le prolonge par un long qui a le mérite de ne pas simplement être la version étirée de l’œuvre originelle. Et la notion de mérite est sans doute celle qui revient à l’heure de synthétiser l’impression laissée par The Fin.

Les conditions de tournage, rudimentaires, et le volontarisme thématique et visuel dont fait preuve le jeune cinéaste sont des atouts séduisants. The Fin nous rend plutôt bien l’heure et demie d’attention qu’il requiert. Car les exclamations de surprise, pas toutes bonnes, valent toujours mieux que la passivité engendrée par les propositions conventionnelles. Les désagréments dus à des choix artistiques, toujours mieux que le confort du déjà consommé.

© 2026 Damned Distribution. Tous droits réservés.

Pourtant, Syeyoung Park fait de son originalité première une barrière parfois dure à franchir : les partis pris visuels relèvent plus d’une caricature d’un giallo d’Argento que d’une rêverie cosmique de Tarkovski, quand bien même les deux semblent être assumés comme références. Les saturations de couleurs attirent la rétine autant qu’elle la fatiguent. Et un premier procès pourrait s’ouvrir concernant le manque de maîtrise simulé des conditions de tournage : de nombreuses séquences sont parfaitement gérées techniquement. Cela invalide l’idée selon laquelle les contretemps dans certaines mises au point, ou certains tremblements, auraient été subis. D’où un potentiel cynisme dans la démarche qui consiste à vendre un artisanat un brin artificiel, confirmé par le réalisateur lui-même, qui a passé un temps certain après le tournage à travailler cette patine semi-professionnelle. Ainsi, malgré une direction artistique originale, l’engagement du spectateur dans l’appréciation de The Fin ne peut être complet, si l’on suppose une duperie.

En écartant l’épaisseur des introspections philosophiques « terrence malickiennes » qui émaillent la narration, le spectateur notera tout de même une profondeur certaine dans ce récit très resserré. Si l’évocation de l’arrière-plan politique, des deux Corée unifiées, de la dictature, demeure relativement superficielle, la trame portant sur les implications intimes de celle-ci convainc de rester accroché jusqu’au bout.

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La figure de l’Omega, l’Autre pourtant si proche physiquement, démontre que, même unifié, un pays peut aisément assoir sa dictature sur une figure étrangère, fût-elle fantasmée. C’est pourquoi on peut questionner le choix artistique de les rapprocher des animaux marins, même si l’idée de l’aileron qu’ils arborent renforce la sensation qu’ils ne sont qu’une proie pour les Coréens.

Le dernier segment du récit, qui rapproche — jusque physiquement — Mia de sa pourchasseuse, marque aussi l’abandon d’une part de son originalité, troquée contre un bon sentiment un brin grossier. Mais la mélancolie qui préside les dernières minutes, agrémentée d’une mise en scène en regain d’inspiration dans la confrontation finale, achève de convaincre le spectateur qu’il a bien fait de se glisser dans l’univers bigarré de Syeyoung Park.